tag:blogger.com,1999:blog-44048679717993715052024-03-12T16:46:59.414-07:00DenmeN CeluloideUn sitio dominado por la insomne e inhóspita cinefilia, carcomido por múltiples disfunciones cáusticas. Críticas, reseñas, análisis y entrevistas referidas a novedades y tendencias del universo cinematográfico.Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.comBlogger693125tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-23336970756256679502024-02-17T19:29:00.000-08:002024-02-17T19:29:23.742-08:00Taller de análisis cinematográfico<p><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><br /></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh6cy4GxL-PGWzJMwKfgr0713gH1yPyttKnQu-Jwp8pIy_hsdO6HcfG2pBvWr6VslYSEx3Dcbkqnun4g67WhAivivbQd0I4Z8W2lHgbRRN4_Yl3yRQ3Ojvmey8i-JlN26reL57EE58B2ghHiRU9L-X3gOOgiSjZkzhcA5kb8cvQoWwSPpbbi7Fz65JbSlz/s1080/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh6cy4GxL-PGWzJMwKfgr0713gH1yPyttKnQu-Jwp8pIy_hsdO6HcfG2pBvWr6VslYSEx3Dcbkqnun4g67WhAivivbQd0I4Z8W2lHgbRRN4_Yl3yRQ3Ojvmey8i-JlN26reL57EE58B2ghHiRU9L-X3gOOgiSjZkzhcA5kb8cvQoWwSPpbbi7Fz65JbSlz/s320/1.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhTmzhsTcyXbII0nMKhkAYTTIZ0M3HjaMkaAvJK3WCR1ildIBF_Nq8dB5eNYxrUBPvPYlqFG33WbGYcHx_Z4-WA2OlTNGpX_NG8V3bzV1XeSm2n33sE6yepQ7RX8zWn_plQme1FkdxcNZ_vMYgScpJl0Cs__n39dur5B0YzS5jBCPkxRwz-wCcJ7nGPxLG/s1080/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhTmzhsTcyXbII0nMKhkAYTTIZ0M3HjaMkaAvJK3WCR1ildIBF_Nq8dB5eNYxrUBPvPYlqFG33WbGYcHx_Z4-WA2OlTNGpX_NG8V3bzV1XeSm2n33sE6yepQ7RX8zWn_plQme1FkdxcNZ_vMYgScpJl0Cs__n39dur5B0YzS5jBCPkxRwz-wCcJ7nGPxLG/s320/3.jpg" width="320" /></a></div><p></p><p><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><br /></span></p><p><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Arrancamos el año con nuevos talleres, esta vez, los sábados a partir del 2 de marzo, y los jueves a partir del 7 de marzo, de 18.30 a 20 hs.</span></p><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Seis encuentros cinéfilos</span><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"> en los que veremos cortometrajes y fragmentos de películas, conversaremos y debatiremos sobre importantes tendencias recientes, ejercitando y contraponiendo formas de análisis. Una ocasión para ampliar y desarrollar la mirada y la capacidad de apreciación e interpretación.</span><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Detalles del taller:</span><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Tallerista: Diego Faraone (crítico de cine de Semanario Brecha)</span><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Fechas: 6 encuentros, los sábados desde el 2 de marzo o los jueves desde el 7 de marzo</span><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Horarios: jueves de 18 a 19:30 hs, sábados de 10.30 a 12 hs. </span><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Lugar: Casa Bertolt Brecht (Andes 1274)</span><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Inscripciones: </span><a href="mailto:faraone.diego@gmail.com" style="background-color: white; color: #1155cc; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" target="_blank">faraone.<wbr></wbr>diego@gmail.com</a><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"> / 098 026928</span><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">(desde el extranjero: +598 98026928)</span><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">Precio: $3.400</span><br style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;" /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;">En esta ocasión habilitamos también los talleres virtuales vía skype. Si estás interesado/a, escribí para reservar tu lugar. Cupos limitados.</span><div><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><br /></span></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKGubf0zYKeo2YroG9TN0b2LGS3KUGHR-HX_thBomlONM-LKECv75iZcazFzuDk2muDAthV_Q0btOLrugmeH_Da-FrNN68OvstZw_lMyOhznE3vbEXCvF0hyphenhyphenqXJj4DJPaGar-NOaD9Nd6VyjPHzC98VdWJGrcFtwKgv5cn3eHTfWtT0_3HZkDANk1QxC_5/s1080/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1080" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKGubf0zYKeo2YroG9TN0b2LGS3KUGHR-HX_thBomlONM-LKECv75iZcazFzuDk2muDAthV_Q0btOLrugmeH_Da-FrNN68OvstZw_lMyOhznE3vbEXCvF0hyphenhyphenqXJj4DJPaGar-NOaD9Nd6VyjPHzC98VdWJGrcFtwKgv5cn3eHTfWtT0_3HZkDANk1QxC_5/s320/2.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><br /></span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-55233115235116367422023-06-11T06:07:00.004-07:002023-06-11T06:07:45.220-07:00Godland (Hlynur Pálmason, 2022) y Vera (Tizza Covi y Rainer Frimmel, 2022)<p></p><h2 style="clear: both; text-align: left;">Un párroco, un enemigo</h2><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgC55iRGdY-oCFwGqyRw-CgMcVO2u90orx2jfkYcndJe2OkYfrvPnC5Mcf3B_x1i73QyX4rUN5G8zByYCz_3En9-s1IU5T8-sTYLYVIOLvkb4hSC1NDDGpXSnINJ4mWbMgEoal_xChKfX_bUp_Aqjej5evoJpdcOcwxwuxr9Y2-kO4gIggLoeix-BSEfw" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgC55iRGdY-oCFwGqyRw-CgMcVO2u90orx2jfkYcndJe2OkYfrvPnC5Mcf3B_x1i73QyX4rUN5G8zByYCz_3En9-s1IU5T8-sTYLYVIOLvkb4hSC1NDDGpXSnINJ4mWbMgEoal_xChKfX_bUp_Aqjej5evoJpdcOcwxwuxr9Y2-kO4gIggLoeix-BSEfw=w517-h291" width="517" /></a></div><br /><p></p><p style="text-align: justify;">Durante los créditos de apertura de <b>Godland</b>, un texto en pantalla anuncia que la documentación más antigua de la costa sudeste de Islandia fueron siete fotografías de placa húmeda tomadas por un sacerdote danés. Sin embargo, estas fotos históricas no existen; son una invención del director y guionista islandés Hlynur Pálmason, un puntapié inicial para dar vida a esta cautivante historia. A fines del siglo XIX, Islandia era aún una colonia danesa; sus territorios estaban sujetos a la autoridad de la corona y eran gobernados por funcionarios provenientes de ese país. En tal contexto, un sacerdote danés luterano es enviado para supervisar el establecimiento de una nueva parroquia. Pero el espectador atento podrá comprender que, más allá de su misión oficial, en su particular y sinuosa travesía el protagonista alberga intenciones ocultas, y que, en definitiva, está llevando a cabo un viaje de reconocimiento a través de la isla.</p><p style="text-align: justify;">Filmada en un formato casi cuadrado y de vértices redondeados -en claro homenaje a la fotografía fija- colmada de abrumadores paisajes agrestes, esta descomunal recreación histórica exuda un poderío visual equiparable a las más vistosas obras de John Ford, David Lean o Akira Kurosawa, siendo el entorno natural un personaje monstruoso e implacable que, en su primera parte, se cierne sobre los personajes causándoles accidentes, muerte y enfermedades. Sobre la segunda mitad, habiendo alcanzado el protagonista su destino, pasan a ser los humanos los motivadores de los conflictos, nada menores en comparación. Nos encontramos con un protagonista prepotente, soberbio y con aires de superioridad que, pese a su biblia y su sotana, logra despertar las sospechas de varios de los personajes locales con los que se cruza: particularmente un guía -que asimismo también parece ocultar unas cuantas cosas- y un patriarca viudo a cargo de sus dos hijas. Estos tres personajes, con sus secretos, sus suspicacias y su hostilidad contenida, operan como fuertes símbolos en un trance sutil, en el que se opone la religión modernizadora al mundo rústico y natural por un lado, y al conservadurismo protector por otro.</p><p style="text-align: justify;">Ganadora de decenas de premios en festivales -incluido el de mejor película internacional en el reciente Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay-, se trata del tercer largometraje de Pálmason, luego de <b>Winter Brothers</b> (2017) y <b>Un blanco, blanco día</b> (2019). El director, que estudió cine en Dinamarca, rodó esta película en zonas cercanas a su casa en Islandia e incluso dio un papel a su hija, una niña que salta del islandés al danés con absoluta soltura y naturalidad. Godland es la clase de películas que seduce en su exotismo arrebatador, pero asimismo es un cine auténtico, realizado por un creador que conoce a fondo su material y el mundo representado. Y lo hace dando una visión peculiar sobre la historia colonial, concentrado en idiosincrasias contrapuestas y en el peculiar colapso propiciado por un encontronazo cultural.</p><h2 style="text-align: justify;">El progenitor y su sombra</h2><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj-q1ZUPOGpSbxqgEtR_2tF0Hi3W4_COPQ1J0dCVoHrz9qfwf1mmqz_94mbRTlKp07AlOK6DsIjbKhvQymAj-tyBj37jacp_CaLWgcDutSVXFaEMjz_0xBPGpPlGl3-AflQnLlbZwoLOX7mvRRNn1pxqBeB_E8pA62jbTIT7bSgZKqle2P3Otf4GzsAVg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="413" data-original-width="620" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj-q1ZUPOGpSbxqgEtR_2tF0Hi3W4_COPQ1J0dCVoHrz9qfwf1mmqz_94mbRTlKp07AlOK6DsIjbKhvQymAj-tyBj37jacp_CaLWgcDutSVXFaEMjz_0xBPGpPlGl3-AflQnLlbZwoLOX7mvRRNn1pxqBeB_E8pA62jbTIT7bSgZKqle2P3Otf4GzsAVg=w453-h301" width="453" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;">Tizza Covi y Rainer Frimmel son cineastas que han trabajado juntos desde 1996, haciendo teatro, fotografía, documentales y ficciones. Más allá de esto, son autores a prueba de balas, de esa estirpe de cineastas que en el mundo se cuentan con los dedos de una mano y que no parecen ser capaces de filmar otra cosa que obras maestras; poco menos podría decirse de películas de la talla de <b>La pivellina</b> (2009) o <b>Mister Universo</b> (2016). Sorprendentemente, estos cineastas no han obtenido el reconocimiento que merecen y, si bien suelen ser debidamente galardonados en festivales, quizá no sean hoy lo suficientemente ponderados.</p><p style="text-align: justify;"><b>Vera </b>está filmada con el estilo característico de Covi y Frimmel, un enfoque naturalista, en el cual se combinan elementos de ficción y no ficción, con cámaras movedizas que emulan un enfoque documental y que dan una sensación de espontaneidad a sus cuadros cotidianos. Su predilección por actores no profesionales -que por lo general se interpretan a sí mismos- dan pie a personajes de una autenticidad atípica, con el atractivo de que además suelen ser individuos extraordinarios, por fuera de lo común o directamente marginales. En este caso, la protagonista es particularmente llamativa: se trata de Vera Gemma, una mujer entrada en la cincuentena, vestida con jeans, tapados de piel y stilletos, con extensiones en el pelo y una notoria adicción a las cirugías. Lo más interesante de este personaje real es que, a pesar de los preconceptos que a priori podría motivar su apariencia, no le cuesta ganarse a su audiencia: su mirada reflexiva, su carisma y su simpatía la vuelven entrañable a los pocos minutos de metraje. Y la empatía es mayor cuando sabemos que carga con una maldición vital: al ser la hija del fallecido actor Giuliano Gemma -el galán más reconocible de los <i>spaghetti western</i>- se ha visto condenada a una vida de referencias a su padre, y a ser perpetuamente comparada con él. </p><p style="text-align: justify;">Nacida bajo el influjo maldito del culto a la belleza, Vera parece el retrato ambulante de una sucesión de malas decisiones. Pero este pasado aciago no tiene que ver solamente con su visita recurrente a los quirófanos, sino por haberse expuesto, además, a una seguidilla de parejas abusivas; hombres interesados en beneficiarse de su fortuna heredada y de sus contactos con el jet-set cinematográfico. La aparición accidental de un niño en su vida, y de una pequeña familia disfuncional, parecen abrirle una nueva perspectiva.</p><p style="text-align: justify;">Vera tiene una cualidad que sólo es compartida con las mejores propuestas autorales: el ser tan impredecible como la vida misma. Ni el más avezado de los espectadores podría saber en qué dirección avanza la narración, ni dónde se encuentran sus intenciones, ni cuál es el tema central de la película hasta casi finalizado el metraje. Y como ocurre con el mejor cine a secas, ni siquiera terminada la proyección será capaz de resolver todas estas incógnitas, las cuales permanecerán repicando en su cabeza por un buen tiempo. </p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 19/5/2023</span></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-4077140627647860272023-05-31T15:30:00.004-07:002023-05-31T15:30:25.054-07:00Misántropo (To Catch a Killer, Damián Szifron, 2023)<h2 style="text-align: justify;">Un argentino en Hollywood </h2><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi9oUnLap7l3KCR_Q77wYhAlWHQpNGiXc1CI8ECudxs2yo7uO5N9kIovuZ0hw93O40Fhm_cD7rvuIjFuvTPm_Ke7NmgMeLvopX5ccVWXGB618Ebxb0_Wg0Rph9JXgir6Pg0EJ135L7LhkshAAnpIkAcpQEbXkKtpHdr7B0iM_NNyP_4f3FDwPE8FM8IJQ" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1073" data-original-width="2099" height="241" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi9oUnLap7l3KCR_Q77wYhAlWHQpNGiXc1CI8ECudxs2yo7uO5N9kIovuZ0hw93O40Fhm_cD7rvuIjFuvTPm_Ke7NmgMeLvopX5ccVWXGB618Ebxb0_Wg0Rph9JXgir6Pg0EJ135L7LhkshAAnpIkAcpQEbXkKtpHdr7B0iM_NNyP_4f3FDwPE8FM8IJQ=w470-h241" width="470" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;">Nueve años pasaron desde <i>Relatos salvajes</i>, título que rompió un récord histórico, convirtiéndose en la película más taquillera del cine argentino. Desde entonces su director, el aclamado Damián Szifrón (autor también de series como <i>Los simuladores</i> y <i>Hermanos y detectives</i>, y de las películas <i>El fondo del mar</i> y <i>Tiempo de valientes</i>) intentó trabajar para hollywood, con las dificultades inherentes a ser reclutado como un peón de la industria. Es justo recalcar que, además de un gran cineasta, Szifrón es un ávido declarante, y un artista comprometido. En este sentido, se recomienda escucharlo en entrevistas (en <i>Almorzando con Mirtha Legrand</i>, espetó a su interlocutora que “el sistema capitalista necesita gente que nazca pobre, y que esté dispuesta a hacer trabajos que nadie más quiere hacer”). </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Luego de tres años perdidos en el proyecto fallido “El hombre nuclear” -del cual el cineasta dimitió por presiones por parte de la producción- se abocó a este proyecto, del cual es director y co-guionista (junto al estadounidense Jonathan Wakeham). La película comienza en Baltimore, la noche de fin de año, y su comienzo es de los más espectaculares que haya dado el cine policial de los últimos tiempos. Un francotirador aprovecha los festejos y la explosión de fuegos artificiales para disparar a mansalva contra personas al azar, dejando un saldo de 29 muertos. El ataque moviliza a las autoridades policiales, incluyendo al FBI; Eleanor Falco (Shailene Woodley) es reclutada por el agente especial Geoffrey Lammark (Ben Mendelsohn), para formar parte del equipo de investigación encargado de identificar y dar captura al responsable.
Se puede convenir que, a nivel cinematográfico, Szifrón calza a la perfección en la industria. Sus narrativas ágiles, sus buenos ritmos y sus dosis de inventiva y espectáculo característicos se ven concentrados de forma notable en esta película. En comparación a la media de los policiales hollywoodenses, este sobresale por una narrativa inteligente que exige espectadores atentos y que dispone además una buena cantidad de atinados apuntes sobre la sociedad estadounidense, la venta y la tenencia de armas, el destrato a los inmigrantes, el racismo, el odio de clase. En una escena, los detectives deben buscar una prueba fundamental en un gran basural; cuando la protagonista le pregunta a un empleado por qué los residuos no son clasificados, él responde que todo va a parar al mismo lugar, y que a las personas se les pide que separen la basura solamente para generar cierta “cultura” de reciclaje. El tono sarcástico es constante, y como en la serie <i>The Wire</i>, hay un énfasis en las dificultades para investigar, en las trabas políticas, en la aparición e intromisión de individuos poderosos que entorpecen los procedimientos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El problema principal es que ambos protagonistas, si bien a priori son atractivos, rayan en los estereotipos: por un lado está el jefe experimentado y brillante, el hombre honesto que sobresale como rara excepción en una división de gente corrupta o abúlica. De esos personajes que suponen el eje moral de la historia, que siempre tienen una respuesta aguda y certera, y la última palabra para todo. Pero su mayor habilidad es la de captar talentos; una conversación casual en la que la co-protagonista dice al vuelo una sonsera sobre los asesinatos en masa y los mosquitos, llama su atención y lo espabila para reclutarla. Ella, por su parte, es la típica muchacha incomprendida y de bajo perfil, pero con esa chispa de genialidad innata que -se ve venir a la legua- le servirá para unir las piezas, y descubrir las claves invisibles para dar con el asesino. Todo esto supone un recorrido trillado, predecible, y repleto, además, de líneas de diálogo inverosímiles. Una escena en la que el asesino “perdona” a la protagonista y conversa largamente con ella, exige la suspensión de la incredulidad a niveles extremos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">A un <i>thriller </i>policial hollywoodense quizá no habría que pedirle tanto, pero al hecho de tratar temas cruciales y acordes a una problemática actual, se le suma el que sea Szifrón el cineasta a cargo. Esto lleva a que las expectativas y las exigencias sean más altas que lo habitual.
</div><div><br /></div><div><span style="font-size: x-small;">Publicado en Semanario Brecha el 25/5/2023</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-21498252727222507112023-03-11T14:21:00.002-08:002023-03-11T14:21:30.753-08:00Entrevista a Ana García Blaya<h2 style="text-align: justify;">Hermano mayor, hermano menor </h2><div style="text-align: justify;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh98BCtcasW3ywG1hKlH3kznWgusVQJQ4uTnN4tgr5M90YEE4wAlMRuv41cibOZYxFxVwDmSEdyWDMCQ2A_27ur7kH4jWihW-s7rBVrl5kAfy9LZzoIlv3RvMVr3Z1p3KlPi1YUIYoCBviBoTxQx-HFb3A4ysCjzS3hY06aC3AKu0HcovgcN5PStY-gQA" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="247" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh98BCtcasW3ywG1hKlH3kznWgusVQJQ4uTnN4tgr5M90YEE4wAlMRuv41cibOZYxFxVwDmSEdyWDMCQ2A_27ur7kH4jWihW-s7rBVrl5kAfy9LZzoIlv3RvMVr3Z1p3KlPi1YUIYoCBviBoTxQx-HFb3A4ysCjzS3hY06aC3AKu0HcovgcN5PStY-gQA=w360-h247" width="360" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cortesía: Intendencia de Maldonado (Claudia Beltrán)</td></tr></tbody></table><i><div style="text-align: justify;"><i><br /></i></div>La uruguaya, adaptación fílmica del best seller de Pedro Mairal, fue estrenada en esta 25.ª edición del Festival de Cine de Punta del Este. Filmada en su mayor parte en Uruguay, la coproducción argentino-uruguaya logró concretarse gracias a un novedoso y efectivo sistema de financiación. Brecha conversó con la cineasta a la que le fue encargada la dirección del proyecto. </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Normalmente, las películas por encargo suponen para los directores una pérdida importante de libertades. Pero <b>La uruguaya</b> fue concebida de una manera particular: la Comunidad Orsai, liderada por el escritor argentino Hernán Casciari, impulsó una venta de bonos para financiar y coproducir el proyecto. Algunos socios llegaron a comprar uno o dos bonos de 100 dólares, otros adquirieron el máximo permitido, 200. Cada bono contó como un voto para determinadas decisiones, todos los socios participaron aportando sus ideas; así, las ganancias de la película serán repartidas entre todos los socios y coproductores. En menos de dos meses, se vendieron todos los bonos: 1.937 personas invirtieron en la película y volvieron posible el emprendimiento. La directora, Ana García Blaya, asumió un encargo único en su especie, de un día para el otro pasó a tener casi 2 mil socios que participaban de manera activa en la concepción del film. Y los resultados fueron notables. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"> La historia se centra en el amorío que un escritor argentino casado entabla con una joven uruguaya: en un extendido y patético cortejo (ocurrido principalmente en zonas del Centro y la Ciudad Vieja de Montevideo) y en ciertos sucesos inesperados, se revelan las conocidas rivalidades y choques culturales entre uruguayos y argentinos. García Blaya, quien ya había filmado la notable <b>Las buenas intenciones</b>, se explayó, con entusiasmo y verborragia, acerca de un proyecto que originalmente pudo parecerle una locura, pero que acabó dando excelentes resultados. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i> —¿Cómo era la forma de comunicarse con estos socios? </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"> —Hubo varias vías. Por un lado, un blog privado para socios en el que posteábamos todas las novedades. Entrabas con tu clave y durante el rodaje podías ver el día a día de lo que pasaba, las decisiones que se tomaban, los <i>streamings </i>que se hacían de las reuniones de producción; había decisiones de arte o de vestuario, por ejemplo, para las que se pedía que los socios ayudaran u opinaran. Y ellos participaban, mandaban contactos, tiraban opciones y soluciones. Era también una forma de publicitar la película y de que mucha gente ya supiera de antemano en qué estaba el proyecto. El <i>casting </i>era privado, pero para que vos participaras del casting tenías que subir un video propio a Instagram con el <i>hashtag </i>#castinglauruguaya haciendo cualquier cosa. Por ahí se iba difundiendo lo que iba pasando, pero si bien la gente que no tenía bono no podía entrar a estas instancias privadas, toda esta movida ya generó cierto entusiasmo, y el siguiente proyecto, la serie <b>Canelones</b>, viene siendo un éxito, porque la gente ya venía interesada. Otra de las cosas que salían al exterior eran los pódcasts, eran bastante pedagógicos: la directora de fotografía explicaba cuál era su trabajo, yo también, llegué a conocer a Pedro Mairal a través de un pódcast. Todo esto era un material muy valioso para un estudiante de cine, pero, además, hacía que la gente se interesara por el proceso; para ellos, todo esto se volvía atractivo de por sí, quizá más que el producto final. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i> —Supongo que la actualización del blog y del pódcast insumían buena parte de la producción diaria del rodaje. ¿Esto no era una complicación? </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"> —Podría pensarse que sí, pero teníamos una persona, Gabo [Gabriel Grosvald], dedicada a las redes y a exteriorizar las novedades a los coproductores. Es verdad que supone un extra de recursos y energía ocuparse de este tipo de comunicación, pero se lo debíamos a la gente que puso la plata para que tuviéramos este trabajo. El proyecto fue concebido así y eran las condiciones. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i> —Suena como una pesadilla, tener 1.900 productores respirándote en la nuca… </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"> —En principio, parecería que sí. Pero si se piensa, es más pesadillesco quedarse sin dinero a mitad del proceso o no saber cuándo vas a tener la plata para seguir filmando; la verdad es que en este caso la tuvimos toda desde el primer día. Pasaron dos cosas inesperadas: primero, yo me sentí especialmente contenida, porque, si lo pensás, estaba cayendo a encarar un proyecto ajeno, no era un proyecto personal. Entonces, podía haber habido mucha resistencia, hay muchos fanáticos del libro y cada uno que lo lee se imagina una cosa diferente. Yo estaba poniendo un solo punto de vista a una historia que tenía miles de posibilidades, y el hecho de que la comunidad me fuese guiando con sus consejos y las votaciones me ayudó mucho. Segundo, muchas cosas se resolvieron gracias a ellos, pusieron locaciones, fueron extras, trajeron ropa para el vestuario, pusieron autos… Para las escenas en la rambla de la playa Ramírez, todos los autos que circulan eran de coproductores. En definitiva: ellos no fueron obstáculos, era gente entusiasmada planteando soluciones.
La riqueza de este proyecto fue la comunidad que Hernán Casciari supo construir a lo largo de diez años mediante su revista y otras iniciativas. Propuso el proyecto y la gente apoyó. La primera vez que me hablaron de hacerlo pensé que era inviable, yo formaba parte de la Comunidad Orsai y cuando me propusieron filmar<b> La uruguaya</b> me reía… Pensaba: «En medio de la pandemia quieren pedir dólares, están locos». </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i> —¿Fue muy difícil filmar en pandemia? </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"> —No fue fácil. El 30 por ciento del presupuesto se fue en protocolos de covid: los integrantes del equipo que vinimos desde Buenos Aires tuvimos que vivir en Uruguay para la película. Imaginate lo que cuesta pagar alojamiento en hotel para un equipo durante 60 días; había un equipo uruguayo y uno argentino. Los que viajamos a Uruguay fuimos relativamente pocos, aunque de todos modos la movida nos salió carísima. Pero no había otra opción, la película transcurre casi toda en exteriores y era imposible no filmarla en Uruguay. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i> —La música es muy importante en tus películas. Para La uruguaya contaste con Mocchi, ¿cómo fue tu intercambio con ella? </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"> —Fue excelente, le pedí canciones que ya tenía hechas y composiciones específicas que se usaron como música incidental y para construir climas, algo que nunca había hecho. Salió muy orgánico, yo le decía: «Necesito una cumbia, necesito música para una fiesta». Ella me mandaba bocetos para que yo los probara en el rodaje y viera si el ritmo era plausible de seguir. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i> —¿Podés hablarnos de tu admiración por Diane Denoir? </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"> —Tengo un compilado de música uruguaya que hizo mi viejo en 1998. Empecé a buscar porque tenía un tema en la cabeza; cuando encontré el CD, vi que era de Diane Denoir. Ahí le escribí a la comunidad pidiendo un contacto de ella y me lo dieron en dos segundos. La llamé y le expliqué todo sobre el proyecto, y empecé una relación muy estrecha con ella. Creo que es una grosa, que no ha obtenido el reconocimiento que merece. Y no solo como compositora, sino como figura política en el país. Sorprenden todas las cosas que ha hecho, sus iniciativas y sus trabajos de militancia. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i>—¿Cómo llegaste a Fiorella Bottaioli, la actriz principal que interpreta el personaje de Magalí Guerra? </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"> —Fiorella se enteró del <i>casting </i>por medio de coproductores uruguayos. Mandó unos videos muy suelta, con su voz grave, y me pareció que daba con el perfil, aunque era demasiado linda para el personaje que yo quería; no quería una belleza tan hegemónica. Ahí tratamos de afearla un poco, el <i>look </i>que le hicimos en la película es más reo, me gustó el hecho de que él pudiera enamorarse de una piba que también tuviera cierta presencia y cierto trasfondo. Al hacer el guion hablamos mucho de ella: tiene una historia encima y es algo que se refleja en su vestuario, en su <i>look</i>, en su pelo rapado. En el libro, cada lector se imaginará a Guerra en la forma en que le caliente más, pero yo busqué una que fuera combativa y que tuviese su profundidad y su propio bagaje. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i> —Creo que la línea de diálogo más memorable de la película tiene lugar cuando un escritor le dice al protagonista que «el Uruguay te coge de parado», algo así como una ruptura de esa imagen idílica del «paisito» que tienen los argentinos. ¿Qué pensás de eso? </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"> —No siento que el Uruguay «te coja de parado», pero sí me ha sorprendido un poco; yo pensé que era un pueblo más receptivo con los argentinos y noté que no. En pleno rodaje nos tocó un partido de eliminatorias Argentina-Uruguay, en el que ganó Argentina, y esto enrareció todo el clima. Al día siguiente ni hablé del tema, pero, cuando le comenté a una productora –que estaba enojadísima– que yo hinchaba por Uruguay en toda ocasión, me dijo: «No me trates con condescendencia como si fuera un hermano menor». Ahí lo entendí; y quizá, si fuese uruguaya, pensaría lo mismo. Igual me gustó enterarme también de que existe esa «picardía» uruguaya. Los argentinos pensamos que somos los únicos vivos del mundo. Por eso me encanta que al protagonista, un tipo que vino a buscar plata al Uruguay porque no quiere blanquearla en Argentina, se lo «cojan de parado». Todo cierra, y está bien.</div><div><br /></div><div><i><span style="font-size: x-small;">Publicada en Brecha el 10/2/2023</span></i></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-24978384324741857242023-03-05T17:03:00.008-08:002023-03-05T17:10:39.645-08:00Alcarrás (Carla Simón, 2022) y The Fabemans (Steven Spielberg, 2022)<h2 style="text-align: justify;"><b><span style="font-size: medium;">La vida y sus obstrucciones</span></b></h2><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg3OO09kR0y7zaQoqHamwNaPHN3c3QMRBcQiqAyoUy_rgTkwE5Fz2Y1hrWPFgeaCjHDTXUTei04072aIhyA3-OUpOC4nhc48QuKAIG7v2Gqg5MO27VzCdH1MpFfdBIHDRQExY2NQXU3RtgAT7G5xIRktUfKN-n2NkgGa2A0ETNmf1CWynaQ5jqFKW1EYg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="700" data-original-width="1200" height="314" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg3OO09kR0y7zaQoqHamwNaPHN3c3QMRBcQiqAyoUy_rgTkwE5Fz2Y1hrWPFgeaCjHDTXUTei04072aIhyA3-OUpOC4nhc48QuKAIG7v2Gqg5MO27VzCdH1MpFfdBIHDRQExY2NQXU3RtgAT7G5xIRktUfKN-n2NkgGa2A0ETNmf1CWynaQ5jqFKW1EYg=w537-h314" width="537" /></a></div><h3><br /><i style="color: #212529; font-family: Calicanto;">Núcleos familiares representados en el cine los hay por millares, pero pocos tan memorables como los plasmados en estos dos sobresalientes títulos que acaban de estrenarse. Logradas con un talento sin igual, ambas películas versan sobre unidades familiares que peligran y colapsan.</i></h3><div><i style="color: #212529; font-family: Calicanto;"><br /></i></div></div><div style="text-align: justify;">En esa gran labor, en ese trabajo arduo que supone el naturalismo en el cine –basado, en definitiva, en esconder esa inmensidad de artificios que impone la creación cinematográfica y generar la ilusión de asistir directamente a fragmentos de la realidad–, existen auténticos maestros: Eric Rohmer, Jacques Rivette, Jafar Panahi, los hermanos Dardenne, la hoy revisitada Chantal Akerman. Cada cual a su manera ha sabido depurar un estilo único con un mismo resultado: el espectador se ve envuelto en situaciones casuales a las que parece asistir como si hubiera llegado a ellas por azar. Así, olvidamos que existe un libreto, una composición escénica, un artefacto que filma y capta imágenes. A la breve y acotada lista de maestros capaces de tanto corresponde agregar el nombre de la realizadora española Carla Simón. Es verdad que podría sonar precipitado, ya que hasta hoy solo ha filmado dos películas: <i>Verano 1993</i> y esta última, llamada <i>Alcarrás</i>, pero lo cierto es que existen pocas obras de ficción tan auténticamente vívidas.</div><div><div style="text-align: justify;">Ganadora, entre otros premios, del Oso de Oro, máximo galardón del Festival de Berlín, <i>Alcarrás </i>es un sobresaliente retrato familiar en el que cada murmullo, cada exhalación, las canciones, las labores diarias, los juegos infantiles, las comidas nos teletransportan a una situación y a un lugar determinados, dando vida a personajes que respiran y palpitan en los fotogramas. En los detalles, en cada pequeño diálogo, en el olor y el tacto de los duraznos, en las cacerías de conejos, en los caracoles a la brasa, en el vino en porrón, en la fiesta en la piscina o en la preparación de la coreografía de baile, y en la crucial importancia que tiene todo esto para los personajes es que puede comprenderse, progresivamente, la magnitud de la tragedia que se impone. Por detrás de escenas cotidianas en apariencia intrascendentes se encuentra una forma de vida que peligra; de manera casi imperceptible, la película involucra emocionalmente al espectador en una historia que cala hondo y que, en su denuncia particular, alcanza una magnitud universal. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Una familia de payeses, campesinos de Cataluña, trabaja una tierra que no es suya por contrato en el municipio de Alcarrás. Tiempo atrás, en la guerra civil, un terrateniente de la zona había sido ocultado y salvado de un fusilamiento asegurado por los Solé, por lo que contrajo una deuda moral y les otorgó las tierras de palabra para que vivieran en ellas y las trabajaran. Pero, varias décadas después, el heredero de aquel terrateniente ha decidido cambiar el negocio, convirtiendo terrenos que históricamente habían servido a la agricultura en parques de paneles solares. La familia debe renunciar a la casa y al sitio en el que vivió y trabajó hasta el momento. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Alcarrás es un brillante ejemplo de cómo, desde una aproximación mínima, pueden señalarse transformaciones históricas, auténticos traumas de escala planetaria. La película no solo señala cómo los pequeños productores rurales son arrasados, sino cómo se pierden, junto con ellos, costumbres, formas de comunión y de intercambio familiar, con una irreversible desintegración del núcleo y cambios radicales en sus formas de trabajo. El cataclismo no es en este caso provocado por el calentamiento global, los agrotóxicos o los monocultivos, sino por algo quizá más concretamente terrible y devastador: la concentración del capital. Asimismo, se expone cómo la iniciativa privada y el individualismo destruyen las formas de memoria; poco importa acabar con el pasado, trátense de principios básicos de camaradería o de algo tan básico como ese lazo ancestral, directo del ser humano con la tierra. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgRaNNU7jCDoI1n-L__cKDiBP3idnnVaWwiQYF9wBAadTtovGg3XCt9TbXsDbHKbAM9-rg5aL7-xcoev59F74COznlaCZl6rPY_efCE_MSp6-HLFVq9fGPUXfJAPzFr8epl0PoHDoWargJ_vOiGW7suxt20GyIAEqTusJvaO6XyUxPRxLSaya1OlyyTbQ" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="601" data-original-width="1200" height="258" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgRaNNU7jCDoI1n-L__cKDiBP3idnnVaWwiQYF9wBAadTtovGg3XCt9TbXsDbHKbAM9-rg5aL7-xcoev59F74COznlaCZl6rPY_efCE_MSp6-HLFVq9fGPUXfJAPzFr8epl0PoHDoWargJ_vOiGW7suxt20GyIAEqTusJvaO6XyUxPRxLSaya1OlyyTbQ=w516-h258" width="516" /></a></div><br /><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Las raíces</b>. La aproximación de Steven Spielberg a su pasado y a su entorno familiar no podría ser más diferente a la de Simón, y no por ello menos interesante o emotiva. Spielberg es un ejecutante que parece tocar con igual talento los registros más agudos como los más graves del espectro cinematográfico; saltando de género en género, con los años pareciera haber amplificado más y más sus posibilidades y sus horizontes. <i>Los Fabelman</i> merece ser recordado como uno de los mayores títulos de su filmografía, una película en la que finalmente se desnuda y habla de sí mismo como nunca antes. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i>A priori</i>, podría describirse como una sucesión de momentos determinantes para la formación psíquica, emocional y profesional del director, y una ambientación histórica brutal, en la que poco importa el ejercicio nostálgico o las referencias a hábitos, formas de consumo o gustos de época: en los años cincuenta y sesenta de <i>Los Fabelman</i> puede encontrarse todo esto, pero son detalles muy al fondo en una historia que se impone y que capta la atención por su autenticidad y su visceralidad. El actor Seth Rogen ha contado en una entrevista que durante el rodaje de la película encontró varias veces a Spielberg llorando entre escenas. Tiene sentido.
Es de suponer que cualquier persona podría hacer un ejercicio terapéutico similar y destacar varios de los hitos de su vida, pero lo que es seguro es que ninguno podría narrarlo y plasmarlo en la pantalla como Spielberg. En los períodos de infancia y adolescencia del director ocurren mudanzas, conflictos conyugales, tornados, <i>bullying</i>, su primer amor. El muchacho protagonista vive todo esto en términos de cine, y no sería exagerado aventurar que esta es la película para la que se preparó toda la vida. Un punto a destacar es que no hay nada demasiado heroico en el trazado de su propio perfil y que, de hecho, existe cierto énfasis en sus momentos de duda, incomodidad o cobardía, lo que acaba por imprimir a la historia un mayor grado de humanidad y verosimilitud. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un segundo visionado de<i> Los Fabelman</i> permite comprender mejor la riqueza conceptual y psicológica de su libreto, repleto de líneas de diálogo que pueden ser interpretadas de múltiples maneras. Cuando, por ejemplo, el padre le dice a su hijo que no solo debe amar algo, sino que también debe cuidarlo, parece en un comienzo estar refiriéndose a su tren de juguete, cuando, en rigor, también está hablando de su propia relación marital. Pero podríamos leer <i>Los Fabelman</i> como un ensayo cinematográfico, con el cual el director transmite, por la vía de los hechos, cómo el cine puede ser una forma de expresión única, capaz de cambiar la percepción, la sensibilidad y la vida de una persona. En una escena crucial, el joven director se ve incapacitado de enfrentar a su madre y verbalizar la razón de sus angustias; en vez de hacerlo, le ofrece ver una película que la confronta consigo misma, que la atraviesa y la transforma. Otra escena grandiosa tiene lugar durante el rodaje <i>amateur </i>de una película de guerra: un actor no profesional escucha las directivas del cineasta, quien parece estar al borde del colapso emotivo y acaba contagiando su sentir a su interlocutor. El cine puede nacer de la emoción, crecer junto con ella, imprimirla, magnificarla y contagiarla, y esta película nos lo recuerda con un brío inusitado.</div></div><div><br /></div><div><span style="font-size: x-small;">Publicado en Semanario Brecha el 3/2/2023</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-56022894407350844362023-02-04T05:57:00.008-08:002023-02-13T17:30:13.967-08:00Jesús López (Maximiliano Schonfeld, 2021)<p style="background-color: white; box-sizing: border-box; color: #212529; font-family: Calicanto; line-height: 1.5; margin-bottom: 1rem; margin-top: 0px; text-align: justify;"><b><span style="font-size: large;">No profanar el sueño de los muertos</span></b></p><p style="background-color: white; box-sizing: border-box; color: #212529; font-family: Calicanto; line-height: 1.5; margin-bottom: 1rem; margin-top: 0px; text-align: justify;"><b><span style="font-size: large;"></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjrQ8T3rjw6Gq7_wfQIczgaMVWTo7Pp-3RBrqNNhFaeL56DFI6DI3xD_0hIjVe7-dsvQJRdrQq8M2Ss-B5MLSrYtfa8f2vw-AvwQ1YrU9hvU-hmNEkYJ-FIV87WgtCZe0-dQTpOWfAcQ3Q2u_muu6X5RQ_f8KzN5w5sTqde_p3TTM3zxSjSAavfC1CrAQ" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1005" data-original-width="2400" height="254" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjrQ8T3rjw6Gq7_wfQIczgaMVWTo7Pp-3RBrqNNhFaeL56DFI6DI3xD_0hIjVe7-dsvQJRdrQq8M2Ss-B5MLSrYtfa8f2vw-AvwQ1YrU9hvU-hmNEkYJ-FIV87WgtCZe0-dQTpOWfAcQ3Q2u_muu6X5RQ_f8KzN5w5sTqde_p3TTM3zxSjSAavfC1CrAQ=w526-h254" width="526" /></a></span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><br /></b></div><p style="background-color: white; box-sizing: border-box; color: #212529; font-family: Calicanto; line-height: 1.5; margin-bottom: 1rem; margin-top: 0px; text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">Un sinfín de películas recientes retratan las actuales problemáticas de la vida rural y en especial la ruina de los pequeños productores; si el cine es un fiel reflejo de las grandes transformaciones acontecidas en nuestro mundo, quizá esta pueda reconocerse como una de las más traumáticas y profundas. El notable director Maximiliano Schonfeld (<em style="box-sizing: border-box;">Germania</em>, <em style="box-sizing: border-box;">La helada negra</em>, <em style="box-sizing: border-box;">El año del tigre</em>) desde hace tiempo viene abordando el tema con grandes películas en las que un clima ominoso lo domina todo y se cierne sobre los personajes, a menudo derivado de pestes que contaminan flora y fauna y carcomen la moral y la dignidad de los pobladores. Sus primeras dos películas ambientaban su acción en el Entre Ríos profundo, en comunidades campesinas menonitas endogámicas, aisladas en el espacio y suspendidas en el tiempo. En esta, su cuarta película, si bien los protagonistas son de origen alemán, no parecen vivir en un aislamiento autoimpuesto, sino en uno provocado por las circunstancias: en la provincia se vive el avance de la soja, los desmontes, las quemas, la transformación ambiental, la migración de los más jóvenes. Es un cambio muy importante en las formas de vida.</span></p><p style="background-color: white; box-sizing: border-box; color: #212529; font-family: Calicanto; line-height: 1.5; margin-bottom: 1rem; margin-top: 0px; text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">La anécdota parte de otra realidad extendida: en la provincia se han disparado las cifras de jóvenes muertos en accidentes de tránsito. Hecho que está estrechamente vinculado con la decadencia y la ausencia de perspectivas. El título refiere a un muchacho fallecido en la primera escena (Lucas Schell), figura invisible que opera por ausencia y en torno a la que orbitan los personajes y su accionar. Pero el protagonista es Abel (Joaquín Spahn), su primo, un adolescente algo tímido que vive en la granja de sus padres y que al principio no aparenta tener mayores ambiciones o proyecciones personales. Cuando el muchacho comienza a vivir con sus tíos, a juntarse con los amigos y con la novia de su primo fallecido, y a vestirse con su misma ropa, las cosas comienzan a enrarecerse: por un lado, parece usurpar este espacio, esta suerte de «terreno baldío» en el que habitaba su primo y, por otro, ninguno de los personajes que lo circundan parece ofenderse o siquiera molestarse por la flagrante suplantación de su vida. Es comprensible que la posibilidad de vivir con un mejor pasar justifique el accionar de Abel, pero lo cierto es que, en esa transición que atraviesa todo adolescente y que supone la construcción de la identidad, no busca en ningún momento diferenciarse del difunto.</span></p><p style="background-color: white; box-sizing: border-box; color: #212529; font-family: Calicanto; line-height: 1.5; margin-bottom: 1rem; margin-top: 0px;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjJ-UpHIWPcr1dS4iTgloN4f-Ihcfmhf8Ysi6Emz0_8zXY3mXysSbniWKTUYs7LQpU5z0j8ZjjpHpkrczZoH6akh6TcvxX88UErZFrWAGVaOM7VqVzEBEI_MW_lvC0zkc_csnTAoKYkrWwUEnXz2nou3ZB7Gwy6kSK5r3_boyoVu63n-yiPhhyqHDcz8A" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-size: medium;"><img alt="" data-original-height="1005" data-original-width="2400" height="220" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjJ-UpHIWPcr1dS4iTgloN4f-Ihcfmhf8Ysi6Emz0_8zXY3mXysSbniWKTUYs7LQpU5z0j8ZjjpHpkrczZoH6akh6TcvxX88UErZFrWAGVaOM7VqVzEBEI_MW_lvC0zkc_csnTAoKYkrWwUEnXz2nou3ZB7Gwy6kSK5r3_boyoVu63n-yiPhhyqHDcz8A=w527-h220" width="527" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: medium;"><br /></span></div><p></p><p style="background-color: white; box-sizing: border-box; color: #212529; font-family: Calicanto; line-height: 1.5; margin-bottom: 1rem; margin-top: 0px; text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">El estilo del director es austero, sugerente y distante. El espectador tiene la tarea de descifrar las motivaciones ocultas de los personajes y, en definitiva, la esencia de esta película. El libreto, coescrito por Schonfeld y la escritora Selva Almada (<em style="box-sizing: border-box;">Chicas muertas</em>, <em style="box-sizing: border-box;">No es un río</em>), despliega notablemente una suerte de duelo vivido por la comunidad, debido a estas transformaciones, que se superpone con la pérdida familiar. Acompañadas de estos vacíos, las envolventes imágenes cobran fuerza: un paisaje campestre y una carretera desolada emanan una singular pesadez existencial. <em style="box-sizing: border-box;">Jesús López </em>es una película lograda y diferente, la clase de cine que seduce al mismo tiempo que interpela.</span></p><p style="background-color: white; box-sizing: border-box; color: #212529; font-family: Calicanto; line-height: 1.5; margin-bottom: 1rem; margin-top: 0px; text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 20/1/2023</span></p><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-32591937057147547272023-01-28T19:51:00.001-08:002023-02-04T05:59:56.728-08:00Holy Spider (Ali Abbasi, 2022), Little Joe (Jessica Hausner, 2019) y Babylon (Damien Chazelle, 2022)<p><b style="text-align: justify;">De arañas, flores macabras y
elefantes</b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i>Los últimos días de enero
depararon a las carteleras montevideanas grandes títulos: un drama social
durísimo, ambientado en Irán; una alegoría fantástica de origen austríaco y un
luminoso y descontrolado homenaje al Hollywood de hace un siglo. Tres películas
que no deberían pasar desapercibidas.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></i></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7NzJjMgOESRJ5fWWxLuqf611FlZ6lH8RAx-XOs2w9QXvSKZjaA4yDzKSa8Qzeyjjj6KcfjK9Cu0ZaLGhXARrH56qM1TBae9njhPibcmLDvi-pYmnu6Ei50UIGtl8EvcyI0hn0UgnvsJ9iu4heBJie3UhXtf9GM7yxyXEjkBxulFK59Ct8d8Az3JwIzw/s3000/Holy.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1685" data-original-width="3000" height="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7NzJjMgOESRJ5fWWxLuqf611FlZ6lH8RAx-XOs2w9QXvSKZjaA4yDzKSa8Qzeyjjj6KcfjK9Cu0ZaLGhXARrH56qM1TBae9njhPibcmLDvi-pYmnu6Ei50UIGtl8EvcyI0hn0UgnvsJ9iu4heBJie3UhXtf9GM7yxyXEjkBxulFK59Ct8d8Az3JwIzw/w461-h259/Holy.jpg" width="461" /></a></div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>Fundamentalismo arácnido</b>. <i>Holy
Spider</i> es de esos atípicos policiales negros en los que, ya desde un
comienzo, vemos el rostro del asesino y sabemos quién es. De este modo, cuando
acompañamos la investigación pertinente, la incógnita del perpetrador ya se
encuentra resuelta, y pasan a ser los procedimientos para llegar hasta él lo crucial
para resolver el caso. Así, una periodista (Zar Amir-Ebrahimi, ganadora del
premio a mejor actriz en Cannes por este papel) llega desde Teherán a la ciudad
de Mashad para investigar una serie de misteriosos y truculentos asesinatos de
prostitutas. Pero como se sigue paralelamente a la periodista y al psicópata,
pueden comprenderse por un lado las dificultades de investigar con escollos
permanentes -debido principalmente a la condición de mujer de la protagonista y
de sus pretensiones de obtener justicia en una teocracia fundamentalista-, y
por otro, un modus operandi chapucero y hasta alevoso, por parte de un asesino
que parece desear ser arrestado, y reconocido popularmente.<span style="color: #e4e6eb; font-family: "Segoe UI Historic",sans-serif; font-size: 11.5pt; line-height: 107%; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Está claro que ahondar en el tema
de la prostitución es difícil y supone meter el dedo en muchas llagas sociales,
pero si además en la trama se acumulan gestos machistas por docenas por parte
de funcionarios de variado porte y hasta de los ciudadanos de a pie, el drama
se potencia. El acierto del director iraní radicado en Dinamarca Ali Abbasi
(autor de la notable <i>Border</i>) es múltiple y supone una de las más
desgarradas denuncias al sistema político, al fanatismo religioso que avala sus
delirios y a una sociedad reaccionaria -sería hipócrita verla como algo ajeno;
a lo largo y ancho de occidente campean pensamientos similares- que desea la
muerte de sus pares en desgracia. El monstruo arácnido extiende sus patas en
todas direcciones, atraviesa las calles, se enquista en las instituciones, se
instala entre los adultos y anida en las mentes jóvenes, perpetuándose en el
tiempo. <i>Holy Spider</i> es una película sorprendente, apremiante y
difícilmente olvidable, además de una auténtica osadía cinematográfica, basada
en hechos reales.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi_jGbcCEuCnfSbEN4UV_gSjLAhr7KOU1RnKiZQvxOS8mgUyYgD8tY7uji1EC3akmtRMYEiQ5x3ZSw6xaUQLaVWrPdoWu6afwP-u5dxY2bsjyOs6xbcqJxwzzPV7y7Udi4W7mTsSXh2goxBjvD7wX1e9mgSw6H5_avpNXjIM3MCbl9rJX-gUn21WdvLA/s1000/Little%20Joe.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="563" data-original-width="1000" height="258" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi_jGbcCEuCnfSbEN4UV_gSjLAhr7KOU1RnKiZQvxOS8mgUyYgD8tY7uji1EC3akmtRMYEiQ5x3ZSw6xaUQLaVWrPdoWu6afwP-u5dxY2bsjyOs6xbcqJxwzzPV7y7Udi4W7mTsSXh2goxBjvD7wX1e9mgSw6H5_avpNXjIM3MCbl9rJX-gUn21WdvLA/w460-h258/Little%20Joe.jpg" width="460" /></a></div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>Fragancia viral.</b> Hace
pocas semanas publicábamos una nota sobre el <i>elevated genre, </i>suerte de
subgénero dentro del cine fantástico, en el cual <i>Little Joe, el negocio de
la felicidad</i> podría encasillarse claramente. La historia se centra en una
madre soltera que se dedica a la cría de plantas perfeccionadas genéticamente.
La empresa para la cual trabaja busca el desarrollo de una flor que, si es
correctamente cuidada, emana un polen que provoca, en los humanos, un estado de
felicidad inmediato. Pero a poco de comenzada la película comienza a extenderse
la sospecha de que la flor acaba por alterar la psiquis de sus dueños, y los
domina para su beneficio.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">La directora y guionista austríaca
Jessica Hausner concibe -en cooperación junto a la también directora Géraldine
Bajard- un libreto brutal, una gran alegoría que permite múltiples lecturas sobre
qué está ocurriendo, con qué consecuencias y a qué refiere la historia en su
totalidad. En una escena crucial (siguen spoilers) se percibe que la
resistencia a los efluvios de las flores es inútil, y que para la protagonista
supondría, asimismo, la reprobación general, y seguramente su aislamiento
social. Si las flores y su aceptación representan la adhesión a las nuevas
tecnologías, a las redes sociales, al pensamiento hegemónico o al lenguaje
mismo, es tarea que debe resolver el espectador consigo mismo. Como sea, una
fotografía grandiosa que equilibra fondos blancos asépticos con colores
chillones y una banda sonora casi marciana -casi, ya que en realidad fue
compuesta por el músico japonés fallecido Teiji Ito- redondea una atmósfera
crecientemente enrarecida e inquietante. <o:p></o:p></p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKVyOkztuorYj3FliJStj8DU9UD_UY6lX1XPQhjpxsjCSA7X9VQXFFGzXT61DCWIzC7Tqmx84Aj4XxEQqla7-YM1w1rIyv28Bnn1N_V_t6FrtNvHuInW_xWpb37byYvk5lJ9R2YRz6F0s2vXzsmD3KePOCYtrwXWT--HnsgoncteEYBX6V2I_iHzOBCQ/s1200/babylon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKVyOkztuorYj3FliJStj8DU9UD_UY6lX1XPQhjpxsjCSA7X9VQXFFGzXT61DCWIzC7Tqmx84Aj4XxEQqla7-YM1w1rIyv28Bnn1N_V_t6FrtNvHuInW_xWpb37byYvk5lJ9R2YRz6F0s2vXzsmD3KePOCYtrwXWT--HnsgoncteEYBX6V2I_iHzOBCQ/w475-h316/babylon.jpg" width="475" /></a></div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>El gran bacanal</b>. Hollywood
supo ser un lugar de fermento creativo, libre, desinhibido y excesivo. Claro
que tenemos que remontarnos a la segunda década del siglo pasado para llegar a
ese punto único en la historia de Estados Unidos, cuando la industria
cinematográfica era la quinta más grande del país, se producían en promedio
unas 800 películas al año, y el cine era un campo fértil para la
experimentación sin límites. Debido justamente a los escándalos -y las muertes-
derivadas de todo tipo de excesos circundantes, es que comenzó una regulación
creciente y apareció el nefasto Código Hays, que luego impuso reglas de moral
al cine. El talentosísimo director Damien Chazelle (<i>Whiplash</i>, <i>La La
Land</i>) rinde un desatado homenaje a aquella década, con una película
sobregirada, virtuosa y descomunal, en la que abundan los detalles históricos y
una inteligente y estimulante multirreferencialidad. Como ejemplo de esto: una
mujer directora aparece en varias escenas de rodaje. Su personaje está
inspirado en Dorothy Arzner, única mujer directora de Hollywood en el momento,
y se dice de ella que fue la responsable de crear el micrófono “boom”, es
decir, equipado con una “jirafa” o caña que se apunta a los intérpretes en las
escenas con diálogos. La forma en que Chazelle introduce a este personaje y a
la necesidad imperiosa de cambios técnicos con el advenimiento del cine sonoro,
es hilarante y sensacional.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Chazelle se divierte en una
película brillante por momentos -la primera mitad es casi perfecta, y contiene
varias escenas de antología- que asimismo decae en algunos tramos -las frases
como sentencias expresadas por una periodista cultural rememoran los peores
tramos de <i>Birdman</i>, y la representación de un mafioso desequilibrado interpretado
por Tobey Maguire es torpe y caricaturesca- pero que contagia un amor por la
época y una energía vital sobresalientes. La sucesión de orgías (literales y
figuradas) remite a películas como <i>El lobo de Wall Street</i>, <i>Ojos bien
cerrados</i>, <i>La gran belleza</i>, o al Fellini más desaforado, con un
catálogo de excesos -incluido un elefante embutido en una fiesta- que recuerda
que nada hay ahora que no se haya visto entonces; desde el título se refiere
incluso a aquella Babilonia que supo existir hace casi cuatro mil años, y a
ciertos fenómenos cíclicos que parecen sucederse desde tiempos ancestrales. <o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 28/1/2023</span></p><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-64785604489744308272022-12-30T17:32:00.008-08:002022-12-31T06:10:34.041-08:00Cine de género “elevado”<p><b style="text-align: justify;">Reconocimiento ascendente</b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i>Lo que se entiende como “cine
de género” (principalmente el terror, la ciencia ficción, la fantasía y los
thrillers) siempre ha sufrido transformaciones, y arrojó a lo largo de la
historia grandes películas. Pero recientemente se ha venido hablando de una
“nueva” división, por la cual determinadas películas entrarían en lo que se
denomina “elevated genre”; en criollo,“género elevado”.</i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i></i></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><img data-original-height="2160" data-original-width="3840" height="253" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgXSywnU3D8b2MfH6yjpkfvzKkJ0ObDnW49Z_SL0UeBmTOduHhmBogbesmxdke_bQ-Ed7-oLmvYc9aZ0Pho_mR5vL60UPSZLts-i87Tng5E8KasFZT5LLLeSFXBBwPcdvChIem8JsGDjsPJV7tz9JgEURKQYZR1RvWjKZWrD1d8R_KFUi6f0THBpDVLmw=w450-h253" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="The Head Hunter (2018)" width="450" /></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">The Head Hunter (2018)<br /></td></tr></tbody></table><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i>The Head Hunter</i> (2018), de
Jordan Downey, es una excelente película estadounidense, lograda con recursos
escasos, pero con una inventiva descomunal. Trata sobre un guerrero que, armado
con su espada y su pesada armadura, recorre parajes agrestes, persiguiendo al
monstruo que asesinó a su hija. Pero el abordaje es minimalista, quizá haya
solamente unas cuatro o cinco líneas de diálogo en toda la película y la acción
se concentra, casi sin excepciones, en el quehacer cotidiano de este caballero.
Para sorpresa (y decepción) de muchos espectadores, las batallas ocurren fuera
de campo, y sólo podemos deducir qué ocurrió en ellas por el estado anímico del
cazador, qué es lo que hace, cómo trata sus heridas, cómo dispone sus trofeos
en la cueva que utiliza como refugio. Es sorprendente la forma por la que todo
un universo fantástico va iluminándose a partir de pequeños detalles, tratados
concienzudamente desde una meticulosa puesta en escena.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Es ridículo pensar que una
película de estas características logre algún tipo de recaudación en las
taquillas comerciales o funcione con grandes públicos. Sin embargo, <i>The Head
Hunter</i> hizo un envidiable recorrido a través de festivales fantásticos,
cosechando premios en varios de ellos. Quizá estos sean los lugares naturales
de este tipo de cine, y el sitio donde se encuentra a un público “receptivo” a
propuestas así de diferentes. Sitges, festival de referencia en lo que
concierne a cine fantástico* ya tiene una sección dedicada específicamente a
este tipo de películas: “<i>Noves visions</i>” la cual reúne títulos que<i> “apuestan
por la experimentación, los nuevos lenguajes y formatos y la hibridación de
géneros”</i>.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-spacerun: yes;"></span><o:p></o:p></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhcentRbRjvY25rOm5BpOcyB_qPP2TmjZBpfRvOuKA1PgMTHD9IJ3pYqvE3ZoEQu1UdT1Kx8TOShdY5g6TTtG7vuDYp1DaXctvQCRVz66LMg-RuT-YW62WJ-cEHwXD0cIUFOf3ttO7vuAOtqmGAUd-HepGd_ZrMBreuht17Z_jcEao9PU2KK1ZX8sRapQ" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" data-original-height="600" data-original-width="900" height="279" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhcentRbRjvY25rOm5BpOcyB_qPP2TmjZBpfRvOuKA1PgMTHD9IJ3pYqvE3ZoEQu1UdT1Kx8TOShdY5g6TTtG7vuDYp1DaXctvQCRVz66LMg-RuT-YW62WJ-cEHwXD0cIUFOf3ttO7vuAOtqmGAUd-HepGd_ZrMBreuht17Z_jcEao9PU2KK1ZX8sRapQ=w419-h279" width="419" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bones and All (2022)<br /></td></tr></tbody></table><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Si contamos la sinopsis de la
recientemente estrenada <i>Hasta los huesos</i>, de Luca Guadagnino, podríamos
pensar que es una “de terror”. Básicamente, una historia de adolescentes
caníbales que salen a la ruta, matan gente y se sumergen en unos cuantos
festines <i>gore</i>. Pero esta película también reúne varias características
que permiten encasillarla dentro de lo que se considera últimamente como
“terror elevado”: en primer lugar, una factura técnica sobresaliente, con
grandes despliegues en la dirección de arte y la fotografía. Segundo,
actuaciones notables, algo más bien difícil de encontrar en las películas ordinarias
del género. En tercer lugar, un libreto esmerado en esbozar perfiles
psicológicamente densos, y conflictos humanos creíbles. Cuarto: pretensiones
poéticas y artísticas evidentes. Y por último: un contenido fuertemente
alegórico.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Pero quizá la característica más
relevante de todas sea que estas películas no están concebidas como un mero
espectáculo, y que por tanto no despliegan sus baterías hacia lo que en el <i>mainstream</i>
se entiende como clímaxes convencionales; hacia los sobresaltos, las escenas de
acción, las batallas, los enfrentamientos épicos o las catarsis gore. Estos
ítems pueden llegar a estar presentes, pero serían un elemento más bien
circunstancial o accesorio para inquietudes personales que se busca plasmar y
transmitir.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Tiene sentido que directores que
hoy tienen cuarenta o cincuenta años y que nutrieron su adolescencia con
Spielberg, Zemeckis, Cameron, Paul Verhoeven, Wes Craven, Joe Dante, John
McTiernan y Harold Ramis sean apasionados del cine de géneros. Pero también lo
tiene que hoy planteen propuestas más maduras, acordes con las inquietudes que
viven y atraviesan, y que no se queden estancados en aquel universo nostálgico.
Este cine de géneros “elevado” y “de autor” tiene notables exponentes en todo
el mundo, incluido Latinoamérica. En Argentina, películas como <i>Muere
monstruo muere</i>, de Alejandro Fadel, <i>El prófugo</i>, de Natalia Meta, <i>Cielo rojo (gigantes de metal)</i> de Marcelo Leguiza,<i> Historia de lo oculto</i>, de Cristian Ponce, <i>El eslabón podrido</i> y <i>El apego</i>, de Javier Diment, o
cualquiera de las logradas por la talentosa Jimena Monteoliva (<i>Clementina</i>,
<i>Matar a un dragón</i>, <i>Bienvenidos al infierno</i>) entrarían
tranquilamente en la categoría. En Brasil, la cineasta Juliana Rojas sobresale
con una producción intachable: <i>Trabalhar cansa</i>, <i>Sinfonía de la
Necrópolis</i> y <i>Las buenas maneras</i> son títulos difícilmente superables,
en los que se vale de hombres lobo, zombies y monstruos para generar historias
conmovedoras y reflexivas. En Uruguay no hemos visto aún largometrajes con
estas características, pero sí cortometrajes: Jeremías Segovia se desempeña
notablemente en este registro, con títulos como <i>T is for Time, La mujer rota</i>
y <i>La hora azul</i>, y lo mismo puede decirse respecto a Lucía Garibaldi y los
inquietantes <i>Negra</i> y <i>En busca del obsesor</i>. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhkJh2zl3jRyLMRVSuxqSRsrsGWYcX2E4qOhy0hsL1knQRPobpxH5GDE9uQ6IOaEA6ar8ZmL0Vw1PsGynzyHwVYhvNoKXCOkMGzs2XLdNTNM6X5Dv0ZemVD4verdYs5OmX0Cl7q5cadvNaMxz_Jgur4gQRsCohbPTd_l9Rhrslxma2Jv6WWoUhfq7x_tA" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" data-original-height="430" data-original-width="960" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhkJh2zl3jRyLMRVSuxqSRsrsGWYcX2E4qOhy0hsL1knQRPobpxH5GDE9uQ6IOaEA6ar8ZmL0Vw1PsGynzyHwVYhvNoKXCOkMGzs2XLdNTNM6X5Dv0ZemVD4verdYs5OmX0Cl7q5cadvNaMxz_Jgur4gQRsCohbPTd_l9Rhrslxma2Jv6WWoUhfq7x_tA=w497-h223" width="497" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Der Nachtmahr (2015)</td></tr></tbody></table><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">No han sido pocos los cineastas
que han utilizado recientemente seres monstruosos como metáfora de sentimientos
ocultos, enquistados y pútridos, y esto puede verse en grandes películas como
la brasileña <i>Trabalhar cansa</i>, la mexicana <i>La región salvaje</i>, de
Amat Escalante, la alemana <i>Der Nachtmahr</i>, de Achim Bornhak y varias
otras. Es probable que estos cineastas no hayan intercambiado ideas entre sí ni
visto las producciones de sus colegas de otros continentes; se vuelve evidente que
en el imaginario ya se ha instalado el fantástico como vehículo para expresar,
mejor que de ninguna otra manera, ideas íntimas y personales. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">A24 es una productora
independiente, que desde hace años se destaca como una de las más importantes
factorías de cine de calidad de Estados Unidos. Varios de los más importantes
directores de la actualidad, como Kelly Reichardt, Sean Baker, los hermanos
Safdie o Joanna Hogg producen y distribuyen de la mano de A24. Pero lo más
interesante es cómo en los últimos años la productora se ha ido alineado con
este cine de géneros tan peculiar, impulsando películas del argentino Gaspar
Noé (<i>Climax</i>) o el griego Giorgos Lanthimos <i>(La langosta, La matanza
de un ciervo sagrado</i>), y propulsando las carreras de grandes talentos del
cine de terror actual como Ari Aster (<i>Hereditary</i>, <i>Midsommar</i>), y
Robert Eggers (<i>La bruja</i>, <i>El faro</i>), o de la fantasía como David
Lowery (<i>A Ghost Story</i>, <i>The Green Knight</i>). Otros títulos
sobresalientes de A24 son la espectacular <i>Men</i>, de Alex Garland, la
terrorífica <i>Saint Maud</i>, de Rose Glass, el <i>thriller</i> extremo <i>Green
Room</i>, de Jeremy Saulnier, y la muy lograda e inteligente <i>X</i>, de Ti
West. Al día de hoy, muchos identifican a la productora con el <i>elevated
genre</i>, y por cierto, buena parte de los adeptos al cine de géneros más <i>mainstream</i>
y convencional se apuran a descalificarlo como un cine soporífero y aburrido. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Es sumamente interesante cómo
esta creciente producción ha ido generando resistencias. La sola existencia de
un rótulo específico para definirla ha provocado reacciones adversas de todo
tipo, y algunos analistas han señalado -no sin razón- que el cine de géneros
siempre presentó películas jugadas, diferentes y descomunales -es decir,
“elevadas”- y claro, ahí están <i>El gabinete del Dr. Caligari</i>, <i>Metrópolis</i>,
<i>Vampyr</i>, <i>Vértigo</i>, <i>Psicosis</i>, <i>El bebé de Rosemary</i>, <i>2001
odisea del espacio</i>, <i>Posesión </i>y <i>Don’t Look Now</i>, como pruebas
irrefutables. De hecho, sería muy difícil establecer con claridad dónde se
origina este <i>elevated genre</i>, o cómo se fija como una nueva tendencia.
Pero es muy probable que el canadiense David Cronenberg tenga algo que ver, ya
que transita un sugerente body-horror desde hace años, que el austríaco Michael
Haneke, quien ha sabido jugar con los géneros para lograr varias de las mejores
películas de las últimas décadas (<i>Funny Games</i>, <i>Caché</i> y <i>La
cinta blanca</i>) también haya tenido su peso, y que otro tanto ayudó el
coreano Bong Joon-ho (<i>Memories of a Murder</i>, <i>The Host</i>). El
reconocimiento internacional a estos cineastas parecer haber abierto, en este
sentido, unos cuantos caminos.</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p></o:p></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiqloh876_jJ_eHGJ23094qF96flZy78piCsMo0ha58vSIN6EVFCwaYa3MWHSRf1PA8QqFZBHIdapNBn0XViyVSnP19xRC3kJQVQC-lESwSyO-P6epASKzvPuaJSVOtCYTUs4fy6HKZKaMRcdOyfKG5v0Z0vy65mmwAJzN3iZ59wKiBnbtFwlKyRiApoQ" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" data-original-height="420" data-original-width="822" height="227" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiqloh876_jJ_eHGJ23094qF96flZy78piCsMo0ha58vSIN6EVFCwaYa3MWHSRf1PA8QqFZBHIdapNBn0XViyVSnP19xRC3kJQVQC-lESwSyO-P6epASKzvPuaJSVOtCYTUs4fy6HKZKaMRcdOyfKG5v0Z0vy65mmwAJzN3iZ59wKiBnbtFwlKyRiApoQ" width="444" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Saint Maud (2019)</td></tr></tbody></table><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Otros grandes exponentes del
género elevado de la actualidad son el laureado director estadounidense Jordan
Peele (<i>Get Out</i>, <i>Us</i>, <i>Nope!</i>), la australiana Jennifer Kent (<i>The
Babadook</i>, <i>The Nightingale</i>), el ruso Kirill Sokolov (<i>Why Don’t You
Just Die?</i>, <i>No Looking Back</i>), la neozelandesa Rosanne Liang (<i>Do No
Harm</i>, <i>Shadow in the Cloud</i>), y por supuesto, la francesa Julia
Ducournau, nada menos que la ganadora de la palma de oro, mayor galardón de
Cannes, por su incalificable <i>Titane</i>. Sirvan o no los rótulos, claro está
que sólo aparecen cuando algo importante está sucediendo.</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">*En rigor, los festivales de cine
“fantástico” suelen tener entre sus propuestas no sólo películas de fantasía y
terror, sino también de acción, de artes marciales, spaghetti westerns y hasta
películas de autor apenas vinculada con lo propiamente fantástico por una o dos
escenas.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 27/12/2022</span></p><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-74110693249237063162022-12-27T15:53:00.004-08:002022-12-27T15:53:39.194-08:00Cartelera recargada<div style="text-align: justify;"><i>Como si de un embudo se tratase, el diciembre montevideano suele reunir una inmensa cantidad de actividades culturales. Todo lo que no ocurrió durante el año se ve apiñado y comprimido en un par de meses, y las carteleras de cine son hoy un claro reflejo de ello, puesto que ofrecen varias de las mejores propuestas del año. Destacamos y recomendamos tres de ellas. </i></div><div><br /></div><div><i><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjYyav0hyOm3t3293zlnFN08N3l9w8TroFJsEjWVn6qyNsUZz91hsZK0ksULEUSNExzPUg0Bx1R4e1NORBl7Op3wftg-KinptGws_GKpYVYqtPJl_Y290iYpMTgJfQLpYzMHBGJVCIn8mmr9ZMqtABT-Kl74ywWugumHwRgdNUGOoRg1j8rry5KJD7ISg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="447" data-original-width="798" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjYyav0hyOm3t3293zlnFN08N3l9w8TroFJsEjWVn6qyNsUZz91hsZK0ksULEUSNExzPUg0Bx1R4e1NORBl7Op3wftg-KinptGws_GKpYVYqtPJl_Y290iYpMTgJfQLpYzMHBGJVCIn8mmr9ZMqtABT-Kl74ywWugumHwRgdNUGOoRg1j8rry5KJD7ISg=w437-h245" width="437" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div></i></div><div style="text-align: justify;"><b>Ennio </b>(Giuseppe Tornatore, 2021). El compositor y director de orquesta italiano Ennio Morricone tuvo dos atributos que suelen ser muy atractivos para los abordajes biográficos: orígenes humildes y cierto sentimiento de inferioridad. Esto genera algo interesante: la envidia que a priori podría despertar su desmesurado éxito se ve anulada con empatía y hasta cierto aprecio hacia su persona. Y he aquí uno de los grandes aciertos del documental Ennio: el maestro: se le da mucho espacio en cámara a Morricone, a su inseguridad, a sus miedos y frustraciones vitales. Su relato tiene así algo de epopeya, con varios lugares comunes de las historias de los self-made men. Con cariño y devoción, el director Giuseppe Tornatore –quien trabajó junto con él en varias películas, incluida la icónica <b>Cinema Paradiso</b>– le rinde homenaje repasando su vida y obra durante casi tres horas de metraje. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El abordaje es convencional y casi televisivo: una infinidad de entrevistas, fragmentos fílmicos, montañas de material de archivo se suceden, con un formato de cabezas parlantes, imágenes remasterizadas y voces en off. Como Morricone musicalizó cerca de 500 películas, la galería de personajes célebres que trabajaron junto con él es interminable, y todos sin excepción parecen venerarlo como a un dios. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero esta película atina principalmente gracias a una característica infrecuente: unifica la cinefilia con la melomanía, y parece cuidar por igual ambas pasiones, ampliando, de esta manera, su público potencial. Los aficionados de una u otra de las artes (o de las dos) se verán así satisfechos. Asimismo, el documental iguala la grandeza del músico con sus propias dimensiones: largo y grandilocuente como la mismísima obra de Ennio. Así, el descomunal trabajo del compositor pareciera quedar equiparado con una desmesurada labor de entrevistar, recopilar, estructurar y editar un cúmulo inabarcable de material. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Otro mérito no menor es que, en su abordaje, Tornatore no parece temerles a las descripciones técnicas; más allá de los elogios recogidos, buena parte del metraje se basa en descripciones musicales, en las que la terminología abunda en arpegios, pizzicati, contrapuntos, etcétera, que dan sustancia y fundamentan tanta adulación. Además, los entrevistados tararean y cantan, algo probablemente estimulado por el entrevistador. Esto, sin dudas, agrega gracia y frescura en buenas dosis. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><img alt="Subida en curso: 335460 de 335460 bytes subidos." border="0" class="placeholder" height="298" id="8e682205652c2" src="https://www.blogger.com/img/transparent.gif" style="background-color: #d8d8d8; background-image: url('https://fonts.gstatic.com/s/i/materialiconsextended/insert_photo/v6/grey600-24dp/1x/baseline_insert_photo_grey600_24dp.png'); background-position: center; background-repeat: no-repeat; opacity: 0.6;" width="397" /></div><br /></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Ella dijo</b> (<b>She Said</b>, Maria Schrader, 2022) Así como Argentina, 1985 fue una propuesta clásica, bien lograda y efectiva, Ella dijo plantea, de la misma manera, una atractiva investigación basada en un hecho real. En este caso, las protagonistas son periodistas de The New York Times e inician su labor en la historia que ayudó a lanzar en 2017 el movimiento #MeToo y que desmanteló el caso del depredador sexual Harvey Weinstein, así como el silencio sistémico que lo amparaba y en el que Hollywood se encontraba inmerso. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">No puede negarse que lo perfectamente previsible, siempre que esté bien logrado y articulado, ofrece cierto placer. Y, en ese sentido, esta película cumple sus cometidos con creces: da exactamente eso que uno espera ir a ver si ya leyó la sinopsis o vio los tráileres, si conoce los parámetros del género y sabe más o menos de qué viene la cosa. Con actuaciones notables, buen ritmo, una trama ágil y siempre interesante, con un libreto inteligente que avanza sin facilismos ni subrayados, Ella dijo incluso emociona en varias de sus escenas clave. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En un momento de la investigación, tres testigos fundamentales se encuentran muy lejos de la redacción de The New York Times, respectivamente en Silicon Valley, Londres y Gales. Las entrevistadoras deben tratarlas presencialmente, ya que suele ser muy difícil convencer, vía telefónica y desde un sitio remoto, a una persona de que se anime a denunciar públicamente a una figura poderosa, máxime si fue víctima de abuso sexual. Ante la gran dificultad locativa, la editora jefa les dice a sus periodistas: «Prepárense para viajar», lo cual, traducido al criollo, quiere decir: «El New York Times les pagará el viaje para que puedan hacer sus entrevistas». Esto da la pauta de la lejanía de un periódico de primera línea, económicamente redituable y leído masivamente, respecto de la amplia mayoría de los medios periodísticos del mundo. La distancia suele ser grande, inmensa o colosal, según con qué medio de prensa queramos compararlo. En momentos en que la crisis del periodismo es prácticamente una catástrofe, en momentos en que las <i>fake news</i> se viralizan y los medios no pueden costear un boleto interdepartamental –mucho menos oficiar en su histórico papel de contrapeso del poder–, películas como esta (o como Spotlight y tantas otras) nos recuerdan la importancia de la supervivencia del periodismo, pero también nos dan una imagen radicalmente falsa sobre el estado de salud de las redacciones del mundo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhcwkgiObMa_Chyw9WJp-_BzQzZ9Pt5i-X5IyosMHqLv3mVj2AjrOQQwj5gcmGnMaPSRrFvyi8f5JEHnEYDblEEDnPKlgoZbNilr46LFJDHEy-Bete6ddGzOA2jXejhHAcAgxBmhqaCCSphBH8iyNaslSqM1k4y6NS619mnzaIcCFnXyhrcT_FYn8P8Vw" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="432" data-original-width="800" height="260" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhcwkgiObMa_Chyw9WJp-_BzQzZ9Pt5i-X5IyosMHqLv3mVj2AjrOQQwj5gcmGnMaPSRrFvyi8f5JEHnEYDblEEDnPKlgoZbNilr46LFJDHEy-Bete6ddGzOA2jXejhHAcAgxBmhqaCCSphBH8iyNaslSqM1k4y6NS619mnzaIcCFnXyhrcT_FYn8P8Vw=w481-h260" width="481" /></a></div><br /></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">El japonés Ryusuke Hamaguchi debe de ser de las revelaciones más importantes del cine actual y un director que viene ganando una creciente aceptación crítica mundial. Su película <b>Drive My Car</b> le valió el Oscar a mejor película extranjera en 2022, suceso que opacó a nivel mundial el estreno de esta <b>La rueda de la fortuna y la fantasía</b>, lanzada en 2021, y que quizá sea tan buena como la otra, o incluso mejor. Hamaguchi se alza, con esta película, como un sucesor de un estilo naturalista y casual que pulieron y perfeccionaron Éric Rohmer y Jacques Rivette, y cuyo mayor heredero fue hasta el momento el coreano Hong Sang-soo. Pero Hamaguchi toma la posta y parece rendir un homenaje a la altura de estos nombres, obsequiando un cine de conversaciones casuales y encuentros fortuitos, en el cual es imposible no verse seducido por cada una de las anécdotas desplegadas. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Como en <b>Las citas de París</b>, como en <b>Oki’s Movie</b>, como en <b>En otro país</b>, la estructura es episódica y la verdadera sustancia está en los gestos, en diálogos que dicen determinadas cosas, pero esconden muchas otras, en pequeñas inflexiones en la voz, en una economía minimalista de recursos. El talento de Hamaguchi dirigiendo actores es descomunal, y cada uno de los tres capítulos presenta personajes aparentemente ordinarios, que acaban involucrándose en situaciones incómodas y sorprendentes. Hamaguchi utiliza la sobreabundancia de protocolos del trato japonés ordinario y los atraviesa con afirmaciones inesperadas por parte de sus personajes, a menudo crueldades terribles u ocurrencias que descolocan y que, asimismo, revelan psicologías complejas y comportamientos enigmáticos. En cada una de las historias, personajes femeninos casi inescrutables ofrecen material suficiente para análisis psicológicos profundos y para debates interminables sobre qué, por qué y cómo. <b>La rueda de la fortuna y la fantasía</b>, como indica su título, nos habla sobre el azar y la magia presentes en la vida cotidiana, y cómo pueden llegar a ser mucho más desconcertantes y sustanciosas que las más elaboradas ensoñaciones.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicada en Brecha el 9/12/2022</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-32276436650994709092022-12-27T14:50:00.006-08:002023-02-13T17:31:54.505-08:00El suplente (Diego Lerman, 2022) y Aftersun (Charlotte Wells, 2022)<p><b>Los mejores regalos</b></p><p style="text-align: justify;"><i>Con propuestas fílmicas como estas, la mejor forma de aprovechar el tiempo y de zafar un poco de la locura de fin de año es meterse adentro de un cine. Provenientes de lugares muy distintos, dos películas inteligentes y necesarias, que recomendamos efusivamente.</i></p><p><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgcIK6Ei2gdcNVmRgQQMrbROXeEFCeZDNtNdvYhrZSZOqqNSw9dpZq01hTH_L1rMmbDCroeKbBr-kyb5iqvES3z-IYcdva0rZTW5ecbZwMS2in0l19j8JIAUmbogF-Dt0NW5Ac1_oBHngt8tEEQD5AjnLSbOKPuaRuoAPe7cIQ8VNQ6wH0voVIoN8BLrA" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="418" data-original-width="999" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgcIK6Ei2gdcNVmRgQQMrbROXeEFCeZDNtNdvYhrZSZOqqNSw9dpZq01hTH_L1rMmbDCroeKbBr-kyb5iqvES3z-IYcdva0rZTW5ecbZwMS2in0l19j8JIAUmbogF-Dt0NW5Ac1_oBHngt8tEEQD5AjnLSbOKPuaRuoAPe7cIQ8VNQ6wH0voVIoN8BLrA=w489-h213" width="489" /></a></i></div><i><br /></i><p></p><p style="text-align: justify;">Diego Lerman es uno de los más importantes y comprometidos cineastas del país vecino. Un director que ya desde hace tiempo viene desempeñándose en un cine social naturalista y de corte dramático, con gran sentido del suspenso, muy buen ritmo y un notable empuje narrativo. Sus títulos más sobresalientes son <b>Tan de repente</b> (2002), <b>La mirada invisible</b> (2010), <b>Refugiado </b>(2014) y <b>Una especie de familia</b> (2017), a los que cabe sumar esta notable<b> El suplente</b>. Aquí la anécdota se centra en Lucio (Juan Minujín), un prestigioso profesor de literatura de la universidad, quien decide asumir un cargo como suplente en una escuela de los suburbios de Buenos Aires, en la zona sur del conurbano. Así, el protagonista se enfrenta al desafío de impartir literatura en un contexto difícil, a lo cual se suman conflictos personales con su hija adolescente, la preocupación por el estado de salud de su padre y, por si fuera poco, la presencia creciente de un narcotraficante en la zona.</p><p style="text-align: justify;">Diego Lerman ya se había acercado al universo de los liceos en la excelente <b>La mirada invisible</b>, ambientada en 1982 en el Liceo Nacional Buenos Aires y en un clima de represión y vigilancia. Pero aquí es casi lo opuesto: los alumnos no manifiestan interés alguno por las clases y cuestionan y desafían constantemente la autoridad de los profesores. Lucio se encuentra con alumnos que duermen en sus bancos por haber trabajado toda la noche en una fábrica, que usan el celular en clase, que opinan que la literatura «no sirve para nada». Es notable cómo el profesor, un burgués ingenuo y de buenas intenciones, parece a priori incapaz de entender la sensibilidad de sus alumnos: en una de sus primeras clases, lee un poema de Juan Gelman y se da de frente contra un muro de apatía por parte de un alumnado disperso y que no puede dar sentido a los versos enunciados.</p><p style="text-align: justify;">La película toca con altura temas cruciales de la enseñanza en contextos críticos. Luego de que se descubre que algunos alumnos son dealers y que trafican drogas en los baños y en los pasillos de la institución, los profesores reunidos opinan y conforman dos bandos específicos: por un lado, quienes creen que a esos alumnos vinculados al narcotráfico hay que echarlos inmediatamente, y, por otro, quienes, por el contrario, sostienen que a nivel institucional hay que hacer un gran esfuerzo por ampararlos justamente a ellos, para evitar que abandonen la educación para siempre. Otro elemento interesante se plantea cuando una alumna destacada deja de asistir a clases, ya que sus padres deciden que dentro del liceo se expone a peligros. Esto refleja otra punta de esta realidad: aquellos alumnos que pueden salir adelante, que sobresalen y pueden servir de ejemplo a los demás, acaban desertando del ámbito educativo ante la presencia cercana del narco en las escuelas.</p><p style="text-align: justify;">Frente a ambos problemas, la película plantea con firmeza y convicción política cómo un esfuerzo a contracorriente, sostenido y valiente por parte de un profesor, puede generar cambios importantes. Parece haber algún hueco en la narración, sobre todo en lo concerniente al vínculo con sus alumnos; las escenas del aula no parecen justificar por sí mismas la creciente aceptación al docente, y quizá hubiese faltado alguna más para comprender la evolución de los alumnos. Pero, por fuera de ello, la película es sumamente sólida. Cuenta con una historia siempre interesante y un elenco de primera línea: además de Minujín, brillan particularmente el chileno Alfredo Castro, en el papel del padre del director, y la adolescente Renata Lerman, hija del director e hija del protagonista en la historia. Arroja una visión inteligente a la problemática, sin subrayados o lecciones morales, además de no caer en lugares comunes ni soluciones mágicas en las que la literatura ilumine, emancipe o salve el día.</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEihQN54nV3FJwTXIMXHYxCAkza0kpSkweSYUfpLf-UrG5Eu4jryMjtyI2FQDcZI0fmVJ3hLvKu9gUxWtTmNgiYIrP_z-4i43MwElKDr3efV1hOErEQblWPsXRU6zgyfmjn1uPXuo7DQYiTVh_dl9ptAcAwSxtpJInZ-ysHdWH4orEKc3glI8h7izo9gAw" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="308" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEihQN54nV3FJwTXIMXHYxCAkza0kpSkweSYUfpLf-UrG5Eu4jryMjtyI2FQDcZI0fmVJ3hLvKu9gUxWtTmNgiYIrP_z-4i43MwElKDr3efV1hOErEQblWPsXRU6zgyfmjn1uPXuo7DQYiTVh_dl9ptAcAwSxtpJInZ-ysHdWH4orEKc3glI8h7izo9gAw=w462-h308" width="462" /></a></div><br /><p></p><p style="text-align: justify;">En cuanto a <b>Aftersun</b>, podría reducirse su anécdota general a dos líneas: cerca del año 2000, un padre divorciado y su hija salen a vacacionar a Turquía y conviven en un hotel durante varios días, en los que cada uno de ellos atraviesa experiencias particulares. Ahora bien, ¿por qué esta película ha ganado decenas de premios en festivales de todo el mundo, con una aceptación crítica prácticamente unánime, y se presenta, de hecho, como una de las más originales y emotivas de las que han sido estrenadas este año? Una respuesta rápida sería que esconde mucho más que lo que muestra; que, en lo que se presenta como un recorrido agradable repleto de microconflictos, van asomándose vestigios del verdadero tema que ocupa, y que este recién puede comenzar a comprenderse en su verdadera dimensión sobre los tramos finales.</p><p style="text-align: justify;">La ópera prima de la directora escocesa Charlotte Wells ofrece un clima particular, con el cual se recrea un muy infantil y vacacional estado de semiabulia, alternado con momentos de grandes regocijos. Para un hijo de padres separados, la convivencia el día entero con su progenitor, al que no ve muy seguido, supone una circunstancia atípica que puede oscilar entre el descubrimiento, la diversión desatada y quizá, por momentos, hasta el hartazgo. Aún el entorno limitado que un hotel barato puede ofrecer, con sus piscinas colmadas de turistas, sus barras all inclusive y sus mesas de pool, puede parecer, para un niño, un auténtico lugar de ensueño. Nadie olvida las vacaciones de la infancia, ni ese vínculo tan efímero, necesario e irrepetible que se tiene con los padres en ese momento bisagra de la prepubertad, y esta película recrea este sentir con auténtico talento. Se recoge una mirada inocente pero, al mismo tiempo, osada y curiosa; según la percepción de una niña de 11 años, el entorno adquiere una dimensión fascinante y transformadora.</p><p style="text-align: justify;">Es relevante para esta construcción de climas la forma en que se dilatan los tiempos muertos, utilizando tomas de extraña significación. Un segundo visionado de la película permite, por ejemplo, comprender en su verdadera dimensión una escena en la que la niña duerme profundamente, mientras su padre fuma un cigarrillo en el balcón tambaleándose con extraños movimientos. Inicialmente, este tramo simplemente sirve para generar una atmósfera y para transmitir esta idea de suspensión temporal, de acuosa cápsula de confort; vista por segunda vez, se comprende algo esencial del planteo, que es la radical diferencia de sentimientos que atraviesan a ambos personajes.</p><p style="text-align: justify;">El enigma y la particularidad inicial de la que se vale el libreto para llamar la atención del espectador es la diferencia de edad entre ambos protagonistas, apenas 20 años. Al padre llegan a preguntarle si está de vacaciones con su hermana menor. La escasa diferencia generacional propicia logrados momentos de compinchería entre ellos, incluso ciertas escenas de un humor muy sutil y logrado, debido a la familiaridad de las situaciones. Esta característica de la relación incluso agrega una peculiaridad: por momentos, la niña parece mucho más madura que el adulto «responsable» a su cargo.</p><p style="text-align: justify;">Sin caer en <i>spoilers</i>, quizá el mayor logro de esta película es cómo enrarece, de forma casi imperceptible, su atmósfera y su planteo, dando a entender que, lejos de lo idílico, la situación encierra fuertes elementos dramáticos. El relato vívido, sentido y autobiográfico de Wells despliega un atinado y profundo abordaje a temas relevantes como el paso del tiempo, la percepción del otro, las características heredadas y la reflexión sobre cómo muchas cosas que de niños vivíamos sin llegar a entender se resignifican sustancialmente cuando somos adultos.</p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 16/12/2022</span></p><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-4465242139311431422022-07-29T16:43:00.005-07:002022-07-29T16:55:57.851-07:00Retrato de una mujer en llamas (Portrait de la jeune fille en feu, Céline Sciamma, 2019)<h2 style="text-align: left;">Los cuadros silenciados </h2><div style="text-align: justify;"><i>La distribución de cine tiene salidas misteriosas y una vida propia sumamente impredecible. Lo curioso es que estos días se da el milagro de que una de las mayores deudas cinematográficas de la pandemia se esté saldando, con el estreno de un título de antología. Con tres años de retraso, aparece por fin en la pantalla grande una película tan memorable como inteligente, profunda y emotiva. </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJhIjuTxnWyZ4SJ59KzLAa8Lx6WNNzfGsb0flA3929hAX_Ik2sdDfcsGqWPAX0ZMd0r5_PEx1Wbt05_S8Ww2B-leKcVMvvE4qOmcIB98oOCtGzatHeVJ3FimGJ53jK0BnTTrhO4AVZnJoFqwRRegSnUG8xNDdSoO2fSYG1q3pLtBZYQGfOlHIIWt-wbg/s1280/Portrait1.webp" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="776" data-original-width="1280" height="306" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJhIjuTxnWyZ4SJ59KzLAa8Lx6WNNzfGsb0flA3929hAX_Ik2sdDfcsGqWPAX0ZMd0r5_PEx1Wbt05_S8Ww2B-leKcVMvvE4qOmcIB98oOCtGzatHeVJ3FimGJ53jK0BnTTrhO4AVZnJoFqwRRegSnUG8xNDdSoO2fSYG1q3pLtBZYQGfOlHIIWt-wbg/w504-h306/Portrait1.webp" width="504" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En una de las primeras escenas, Marianne (Noémie Merlant), la protagonista, navega junto a varios hombres en una barca. Cuando la caja que contiene sus pertenencias cae accidentalmente al mar, ella se zambulle sin demoras, consciente de que para ella no es viable una pérdida de ese tipo. Ella es una pintora de buena posición económica, y se dirige a una isla distante de la Bretaña francesa en 1760, pero ya con ese inicio el espectador tiene la certeza de que no se trata de la clásica damisela frágil, sino de una mujer esforzada y segura de sí misma. Su llegada, sola, empapada y con su pesada carga a una agreste playa, y luego en su camino hacia un castillo, remite a un cine histórico realista, que retrotrae con honestidad a épocas en las que aún el individuo citadino debía resolverse en una constante confrontación con la naturaleza y los elementos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En su encuentro con su empleadora, una condesa viuda, Marianne se entera de la tarea que le es encomendada: debe retratar a su hija, la joven Héloïse (Adèle Haenel). Una vez terminado, el retrato será enviado a Milán, para que un noble pretendiente resuelva si desea o no desposarla. El detalle, señala la condesa, es que Héloïse no está a favor de este matrimonio, ni quiere ser retratada. Para peor, su hermana, quien tenía un designio marital similar, se suicidó recientemente, saltando desde un acantilado. Marianne debe retratar a Héloïse sin que ella se dé cuenta, haciéndose pasar por su nueva dama de compañía. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Es con esta premisa tan atractiva que se instala un conflicto de tensiones sutiles, por el cual el vínculo de la pintora y su modelo involuntaria va mutando y evolucionando. La aproximación de la directora y guionista francesa Céline Sciamma a ambos personajes es paulatina, cadenciosa e íntima, con un esmerado cuidado por los detalles, los gestos, las conversaciones simples pero recargadas de segundas intenciones. Actuaciones sobresalientes, una ambientación de época despojada y libre de barroquismos, una fotografía grandiosa –al punto de que en repetidas ocasiones las composiciones parecen cuadros– y un apacible y adictivo uso del ritmo cinematográfico llevan a que la narración, sencilla y mínima, avance sin subrayados ni obviedades. Gracias a un uso notable del montaje, de las elipsis y de una lograda puesta en escena, la película oscila entre un realismo despiadado y ciertos momentos de ensoñación, alcanzando imponentes instantes oníricos, inquietantes y enigmáticos, al tiempo que se va bosquejando una historia de amor atípica, inusitadamente intensa. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh987EffQgh_3ig0lLuRCRD34dTxbTrjP_f-aavuFFsn7pWoaWnHFpy5biU0HtgrrDep8RXx4gibESJIADlYASkaORt9J8TKOx5l0YyunUWnK6YK-W9jkGsMlwe-ylY77qsL5EpP6yiRwvxdrXsn8ZWWp2hZOu2E4UDhHZThfSF9ZF8l7fgmB-rchiUTA/s1656/Portrait2.webp" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1060" data-original-width="1656" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh987EffQgh_3ig0lLuRCRD34dTxbTrjP_f-aavuFFsn7pWoaWnHFpy5biU0HtgrrDep8RXx4gibESJIADlYASkaORt9J8TKOx5l0YyunUWnK6YK-W9jkGsMlwe-ylY77qsL5EpP6yiRwvxdrXsn8ZWWp2hZOu2E4UDhHZThfSF9ZF8l7fgmB-rchiUTA/w491-h315/Portrait2.webp" width="491" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero lo más notable del planteo es que Sciamma plantea este vínculo lésbico evitando verbalizar guiños anacrónicos o dramas evidentes: si hay miedo o remordimientos a raíz de una pasión prohibida, esto ocurre íntegramente al interior de los personajes, y es el espectador quien debe intuir estos sentimientos. Asimismo, si ambas sufren por el inminente fin de su relación o por la opresión general, es algo que no se remarca con rostros dolientes o artificios rimbombantes. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este planteo minimalista tiene otro punto notable: el uso de la música. La directora tuvo la madurez, la confianza y el conocimiento del medio como para omitir completamente la música incidental de su relato. En toda la película hay sólo dos temas musicales, y ambos son diegéticos, es decir, son interpretados en su momento por personajes presentes en las escenas. Esta decisión, además de ser coherente con un período histórico en el que no existían dispositivos digitales ni reproductores de audio –por lo tanto, la música sólo podía oírse cuando alguien la tocaba– lleva el planteo a un registro sonoro en el cual cada sonido y cada pequeño diálogo se presenta como todo un acontecimiento, y en el que ambos temas musicales, cuando finalmente surgen, se imponen sorpresivamente y con una fuerza inusitada. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Es además singularmente bello el paulatino in crescendo por el cual la atracción surge, generando química y convirtiéndose finalmente en una auténtica bomba de nitroglicerina, recargada de pasión y erotismo. Se vuelve imperativo plantear un paralelismo entre la aproximación erótica de películas con La vida de Adéle –cuyo énfasis se ve puesto en las escenas de sexo– y la sutileza con la que lo hace aquí Sciamma, con su aproximación parcial a los cuerpos, y con este juego de ocultamientos y miradas escrutadoras, desafiantes y anhelantes, de gestos y palabras osadas que descolocan o incomodan, y de sonrisas que se saben triunfos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZYDgX21jxLUigU64AToarNKfdyuUxZ-kp52TTD96YKXAPRXz5l4TGgK3yJc2Riq1TFk7SmrclRLlU1fmCM0mIzfpUgP8zarUiUVLNxP_6XVRF3bUl1h35VNRbYbNneMRptYv3G_Bqh_Fjp4GPYQiW0pbQvNZcMN_kjqqzKAjNCG-IoHhOp9J1E7OSug/s1200/Portrait3.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="630" data-original-width="1200" height="286" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZYDgX21jxLUigU64AToarNKfdyuUxZ-kp52TTD96YKXAPRXz5l4TGgK3yJc2Riq1TFk7SmrclRLlU1fmCM0mIzfpUgP8zarUiUVLNxP_6XVRF3bUl1h35VNRbYbNneMRptYv3G_Bqh_Fjp4GPYQiW0pbQvNZcMN_kjqqzKAjNCG-IoHhOp9J1E7OSug/w547-h286/Portrait3.jpeg" width="547" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">La mirada femenina –y feminista– se hace sentir en cada escena, pero esto no tiene que ver sólo con las temáticas tocadas –el destino predeterminado, la ausencia de libertad, la discriminación a las mujeres artistas, el aborto– sino con este tan peculiar enfoque al surgimiento de una pasión. Es notable cómo la conexión entre ambas mujeres comienza a darse desde una justa empatía, desde una honestidad igualadora de condiciones, desde la observación atenta; en una escena crucial, ambas protagonistas explican los gestos inconscientes de la otra, y las emociones que ellos encubren, en otra, la pintora comienza a verse como el objeto observado y retratado. Este reconocimiento mutuo, esta construcción igualitaria y empática parece sumamente alejada del modelo romántico heterosexual clásico, según el cual una voluntad firme y egoísta era impuesta a otra, vulnerable e insegura. </div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En una charla en el Festival de Cine de Londres, la directora ha señalado que muchas mujeres artistas fueron borradas de la historia y que esta ausencia siempre tuvo consecuencias trágicas sobre la sociedad:<i> “De esto se trata el arte, es también una forma de que construyamos nuestras intimidades. El hecho de que estas imágenes, o estos libros, o esta música, nos fueran vedados, realmente tiene un impacto en nuestras vidas, porque nos hace sentir más solas. Que no haya representaciones del aborto, es algo super dramático. Era una cosa de todos los días, y que no esté representado, que no haya museos en el mundo con lienzos de ‘la abortista’ tiene realmente un gran impacto en la forma en que vivimos, en nuestra cultura.”</i>. En determinado momento, ambas protagonistas presencian un aborto y deciden luego reproducirlo en un retrato. En la época el aborto era legal, y era normal que se hiciera de la forma en que se exhibe en esta película: en la casa de otra mujer, madre, y con sus hijos rondando. Que el aborto se realice con suma naturalidad, y en la misma cama en la que hay acostados dos niños pequeños (uno de ellos bebé) es una escena deliberadamente política, una hermosa y cristalina declaración de principios. Como dice Sciamma, con la eliminación de este tipo de retratos de nuestra historia, desapareció también un amplio espectro de la vida humana. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ambas mujeres contribuyen en este caso, con su creación artística, a algo aberrante –la entrega de una de ellas a un hombre y a una vida desconocidas–, y lo saben. Pero hay, soterrada en esta construcción, un acuerdo tácito que tiene que ver con un amor que se sabe temporal y con el mito de Orfeo, el cual es discutido por ellas mismas en otra escena. Orfeo llega al inframundo a recuperar a su amada Eurídice, y le es permitido llevársela bajo la condición de que no debe girarse y mirarla. Al salir y ver la luz del día iluminando su camino, Orfeo se gira, la ve y la pierde para siempre. Según una de las protagonistas, la decisión de Orfeo tiene que ver con que decide honrar el recuerdo en vez de salvar a Eurídice, quedándose con una última imagen de ella. La película sugiere la posibilidad de una huída juntas, de un destino diferente al impuesto por el sistema, y esta idea se impone hasta el final, pero la decisión de Marianne –seguramente, la más madura de las dos– consiste en dejar que la relación entre ambas se disuelva, para ser honrada, continuamente, desde la memoria. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Desde hace años que Céline Sciamma se aboca a un cine con un fuerte contenido social, por lo general coming on age de adolescentes pertenecientes a minorías específicas, sexuales o raciales. Pero ninguna de sus anteriores películas gozó de tanta aclamación como <b>Retrato de una mujer en llamas</b>. La buena noticia es que Sciamma ya estrenó otra película, la también brillante <b>Petite Maman</b> (2021). Ojalá que esta última no se haga esperar tanto. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 15/7/2022</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-48933218541654484362022-06-13T11:35:00.003-07:002022-06-13T11:35:41.490-07:00El Joven Ahmed (Le Jeune Ahmed, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, 2019).<h2 style="text-align: left;">Radical y chapucero</h2><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh_HlzNe-0AJO0FzpzelgUlRQWlPuAFJKInyYivKxk_UDmKF_YxeJC1yS2WOzNaRpbOqFEik2d2PLBLOmm5l3fzK2rbauz91p2buUFt8l9L1y9fRQ7v8wpi9xcbfA2WaHKJ9Y_UXMIAeHnVV8ULiP88Mt-zSnyoRWMZNavQkWrxw5T9SoDG2CGtAtlJjA" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="759" data-original-width="1370" height="229" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh_HlzNe-0AJO0FzpzelgUlRQWlPuAFJKInyYivKxk_UDmKF_YxeJC1yS2WOzNaRpbOqFEik2d2PLBLOmm5l3fzK2rbauz91p2buUFt8l9L1y9fRQ7v8wpi9xcbfA2WaHKJ9Y_UXMIAeHnVV8ULiP88Mt-zSnyoRWMZNavQkWrxw5T9SoDG2CGtAtlJjA=w415-h229" width="415" /></a></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los hermanos Luc y Jean-Pierre Dardenne dejaron demasiado alto el listón luego de una seguidilla de obras brutales, como <i>El niño</i>, <i>El silencio de Lorna</i>, <i>El chico de la bicicleta</i> y <i>Dos días, una noche</i> –estas dos últimas, de lo mejor que ha dado el cine en la década pasada–. Es prácticamente una trampa letal para cualquier cineasta, condenada su obra posterior a ser comparada con tamaño pico de calidad en su filmografía. Y cierto es que, si esperamos algo a ese nivel, tanto su anterior película, <i>La chica desconocida</i>, como esta, <i>El joven Ahmed</i>, salen perdiendo. Y esto no quiere decir que sean películas malas o poco atendibles: hasta una película «menor» de ambos maestros vale la pena y es muy superior a la oferta media de nuestras carteleras de cine. </div><div style="text-align: justify;">Se extrañaba su estilo tan realista y peculiar, ese abordaje semejante –solo en apariencia– al documental, de ritmo reposado, pero de cámara nerviosa, que sigue de cerca a sus cuestionables protagonistas y los acompaña sin juzgarlos, siempre con un cuidado y una atención especiales. En este caso, los cineastas se involucran en otra temática difícil y acuciante: el fundamentalismo islámico y su temible influjo en los adolescentes musulmanes. Sin mediar explicación alguna, el protagonista, de 13 años, se ve arrojado a una febril cruzada, abocado a ajusticiar sin piedad a los infieles o apóstatas que escapan a los estrictos lineamientos de lo que es considerado verdadera fe. Según su radical perspectiva, su profesora traiciona la forma sagrada de enseñar la lengua árabe –o sea, impartir su estudio a través del Corán– con enseñanzas impías del idioma, a través de canciones y otros métodos modernos. Solo por eso ella merecería un castigo divino, y el joven Ahmed se ve dispuesto a impartírselo, cuchillo en mano. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Son notables la naturalidad con la que los cineastas belgas recrean la cotidianeidad de Ahmed y los mecanismos por los cuales logran dilatar el suspenso durante todo el metraje. Aquí juega un gran papel el actor Idir Ben Addi, en un desempeño particularmente físico y de gestos mínimos, en el que condensa una testarudez y una obstinación acuciantes, pero, a su vez, todas las inseguridades, dudas y pudores propias de cualquier muchacho que transita su camino a la adultez. Esta dualidad es la que permite que el espectador compruebe que, en definitiva, se trata de un chico como cualquier otro, y pueda empatizar con él temiendo, al mismo tiempo, por su accionar. Es asimismo una sobresaliente marca autoral la forma impiadosa con la que los directores omiten mediante elipsis las transiciones hacia las secuencias más crudas, acelerando la acción de manera precipitada hasta llegar a las situaciones más alarmantes. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Quizá el mayor problema de la película esté sobre el desenlace –siguen <i>spoilers</i>–, en el que los directores guionistas, siempre celebrados por su sutileza y por sus situaciones naturalistas, cometen el que con seguridad sea el mayor <i>deus ex machina</i> de su carrera, imponiendo un accidente que disuelve –casi mágicamente– el temido conflicto y que, asimismo, parece propinarle cierto aleccionamiento moral al protagonista. Hace poco más de una década, la comedia británica <i>Four Lions</i> se abocaba a una burla descontracturada a un grupo de terroristas islámicos, presentándolos como infradotados, siempre arrojados a iniciativas chapuceras. Y lo cierto es que no, ni los terroristas son incompetentes ni acontecen accidentes –oportunos y milagrosos– para frustrar a tiempo sus más pavorosos planes.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 12/5/2022</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-6474292409062464732022-04-13T11:52:00.000-07:002022-04-13T11:52:25.066-07:00Batman 2022 (The Batman, Matt Reeves, 2022)<h2 style="text-align: left;">Cómo arruinar una película </h2><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2DvlaQ5L0kDWtkQDMsq82fTom8Af73VJ_1-wd8Minxvp4lMe5pg2OuKCA3uqV6VjCFr2j79GttFIbuoniMqPxSSqoFnB6Riq0uEKI4449RnfLcng1T5f14OJc_XbSAxFS37Sk7KnvKc8T5GZBJFSNgZdEs8LrBOJKHhgJBRk8ES46GzBT0ncvFShSRQ/s2880/The%20Batman.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1620" data-original-width="2880" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2DvlaQ5L0kDWtkQDMsq82fTom8Af73VJ_1-wd8Minxvp4lMe5pg2OuKCA3uqV6VjCFr2j79GttFIbuoniMqPxSSqoFnB6Riq0uEKI4449RnfLcng1T5f14OJc_XbSAxFS37Sk7KnvKc8T5GZBJFSNgZdEs8LrBOJKHhgJBRk8ES46GzBT0ncvFShSRQ/w396-h223/The%20Batman.jpg" width="396" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Unos 200 millones de dólares fue el presupuesto para este filme, primera parte de una nueva trilogía del superhéroe más icónico y popular de todos los tiempos. Luego de una producción retrasada y accidentada por la pandemia y un estreno varias veces postergado, llegó a salas. Lamentablemente, podría aventurarse que estos problemas tuvieron efectos visibles en los resultados. ¿Qué pasó con este Batman? No se da con mucha frecuencia, pero es una verdadera pena cuando una película unifica ideas y momentos brillantes con decisiones desacertadas o, directamente, incomprensibles. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El director, Matt Reeves, se inspiró en Kurt Cobain, el suicidado vocalista de Nirvana, para el papel protagónico, y no es de extrañar: Robert Pattinson encarna a un superhéroe diferente, un individuo enigmático, taciturno y presumiblemente lunático, con aires de adolescente tedioso y depresivo, confinado en una baticueva oscura, y que sale por las noches a descargar su rabia contenida. Hay algo muy inquietante en su mirada, en su rostro y en cómo su aparatoso traje encaja para redondear una figura al borde de la psicopatía. Es probable que el primer tercio de la película sea lo mejor que se haya filmado jamás del hombre murciélago: una fotografía oscurísima se acopla a la perfección a una ciudad gótica decadente, con un héroe-vigilante que se aparece como una sombra macabra y se despacha en incontrolables exabruptos de violencia. También es notable el hecho de que, al menos en este comienzo, además de masacrar a unos cuantos tipos, Batman también se lleva unos golpes, se lastima, cae y aterriza de manera aparatosa, como sucedería en la realidad. Y lo mejor de todo: hay una superficie de realismo especialmente singular –bastante alejada a las representaciones de Tim Burton o de Christopher Nolan del personaje– por la cual la audiencia teme, al menos en un par de ocasiones, por la integridad física del protagonista. En cuanto al villano principal, el Acertijo –según se lo ha bautizado en Hispanoamérica–, en sus esporádicas y fugaces apariciones iniciales causa tanto temor como el mismo Batman. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero hay que ver la forma estrepitosa en la que la película pierde este tono de <i>noir </i>virado hacia el horror –cercano a <i>Seven </i>en muchos aspectos– y se desbarranca pasado su primer tercio. El Batman silencioso y monosilábico se arroja a diálogos extensos, desdibujando su carácter siniestro, además de que pierde el miedo con saltos al vacío, balas rebotándole en el pecho y explosiones que ondulan su capa como un viento cálido. O sea, el personaje y sus peripecias ya pasan a ser similares a los de las sagas anteriores. A esto hay que sumarle una larga e intrincada narrativa en la que siempre pesa un aire de gravedad, seriedad y cierta «grandeza». Podemos achacarle buena parte de la culpa al precedente –exitoso en todo nivel– <i>Batman: el caballero de la noche</i>, que imprimió este tono a la saga e impuso, además, una longitud excesiva y un mínimo de tres villanos por entrega. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En contraposición al Acertijo, la Gatúbela interpretada por Zoe Kravitz se ve demasiado desgarbada y pequeña como para explicar las escenas en las que hace volar a los enemigos a patadas y parece desafiar unas cuantas leyes físicas. Pero, además, el personaje no tiene mucha razón de ser, añade tramos que parecen accesorios y carentes de química entre ella y Batman. Como un paradigma del machismo en el cine, en un momento de romance entre ellos, él le recrimina su cercanía con cierto sujeto entrado en años. Ante la acusación, Gatúbela se defiende y le cierra la boca con un argumento incontestable: «Es mi padre», cuando simplemente podría haberle dicho: «Tengo sexo con quien quiero y cuando quiero». A veces, los libretos permiten percibir valores obsoletos e ideologías rancias. </div><div><br /></div><div><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 6/4/2022</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-77633533705664924372022-02-22T11:38:00.003-08:002022-02-22T11:38:25.998-08:00Festival Internacional de Cine de Rotterdam<h2 style="text-align: justify;">Otro rugido </h2><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgU17itVxhvpB9eMytERAHe2JK29jjVdvIQunB0bTcLKyiT2767Xj91uIzS6HZF58CuCcw0NYy82YEQSs5TtbYIxrkaMXpZtpAwzIjPiCWo6GfGV21YJfba6tXd03Xyb-QOutV-6aKyNi93-PAVYu_GMCBDZzPZnxyWsjv0O1kKaGuTD7bEcKg-t02a4w=s900" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="900" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgU17itVxhvpB9eMytERAHe2JK29jjVdvIQunB0bTcLKyiT2767Xj91uIzS6HZF58CuCcw0NYy82YEQSs5TtbYIxrkaMXpZtpAwzIjPiCWo6GfGV21YJfba6tXd03Xyb-QOutV-6aKyNi93-PAVYu_GMCBDZzPZnxyWsjv0O1kKaGuTD7bEcKg-t02a4w=s320" width="320" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><i>Todos ubican al león de la Metro y sus rugidos descomunales, pero solo los cinéfilos más empedernidos sabrán reconocer al más discreto y silencioso tigre del festival de Rotterdam, que desde hace décadas acompaña el cine más radical y arriesgado del planeta. Un recorrido por algunos títulos de su selección oficial da una perspectiva de un cine diferente y particularmente valioso. </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Cuando en la pantalla aparece un símbolo de un tigre sobre un fondo negro, acompañado de las palabras Tiger Competition, significa que la película que está a punto de comenzar fue seleccionada para la competencia oficial de uno de los más prestigiosos festivales de Europa, y que muy probablemente sea una obra de calidad, sustancialmente atípica y singularmente alejada del cine comercial. El Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR, por sus siglas en inglés) así lo proclama, y desde su inauguración, en 1972, ha puesto su foco en el cine independiente y experimental, con énfasis en la exhibición de talentos nuevos y emergentes. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El tigre es entonces una marca de calidad, pero a su vez una suerte de «alerta» para los espectadores que quizá pensaban en ver una película ligera, pasatista o de mero entretenimiento: la selección oficial de Rotterdam presenta propuestas que muy a menudo son diferentes, o lentas, o poéticas, o enigmáticas, o herméticas, o quintaesenciales, o extradiegéticas, o todo esto al mismo tiempo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhDk8qHJgHWoGC96ih903ipOCTa8UFr6NbJNmWGjiAYsC1c9md1ubSymxtKkLcmocnMq60z1rQXdVzf19UQijfdWqjRGhyiS8bgQEETWNn8XvhIKtJ-fKxzic2gq_DXPxMdmwVDBGW0IVouFW8wq_GCoCFp6Ng1WSNt2k0wa_lZUCEKFE0WcvS7sNX8yA=s570" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="570" height="276" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhDk8qHJgHWoGC96ih903ipOCTa8UFr6NbJNmWGjiAYsC1c9md1ubSymxtKkLcmocnMq60z1rQXdVzf19UQijfdWqjRGhyiS8bgQEETWNn8XvhIKtJ-fKxzic2gq_DXPxMdmwVDBGW0IVouFW8wq_GCoCFp6Ng1WSNt2k0wa_lZUCEKFE0WcvS7sNX8yA=w481-h276" width="481" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Asimismo, cuando en la pantalla aparece el tigre, pero acompañado además de las palabras Hubert Bals Fund (HBF), quiere decir que la película se valió de una financiación del festival y recibió apoyos específicos para sus etapas de realización. Estos títulos suelen provenir de países con escasas posibilidades de producir sus propias películas. El HBF está destinado, según señala su sitio web, «a cineastas de África, Asia, América Latina, Oriente Medio y partes de Europa del Este», es decir, a las zonas pobres del mundo y, en muchos casos, con dificultades no solo económicas, sino también con la libertad de expresión coartada debido a coyunturas políticas adversas. Han ganado este fondo cineastas tan disímiles como Lucrecia Martel, Cristian Mungiu, Carlos Reygadas, Apichatpong Weerasethakul, Ciro Guerra y Albertina Carri. Uruguay es un histórico favorito de Rotterdam, y <b>25 Watts</b>, <b>Whisky</b>, <b>La Perrera</b>, <b>Gigante</b>, <b>La vida útil</b>, <b>Solo</b>, <b>Tanta Agua </b>y <b>Chico ventana también quisiera tener un submarino contaron con este apoyo.</b> </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este cronista ofició esta última semana como jurado Fipresci (Federación Internacional de Prensa Cinematográfica) en el IFFR, un mérito que lo condujo desde el más encendido entusiasmo a una funesta decepción al saber que el festival, por razones sanitarias, debería cambiar su modalidad presencial a una virtual y remota. Así, un viaje a Holanda con caminatas por la orilla del río Nuevo Mosa, la visita a las casas cúbicas de Kijk-Kubus, la torre Euromast y otros tantos sitios –que la imaginación no sabría invocar eficientemente– jamás podría tener parangón con la experiencia de ver 14 películas en el correr de una semana en la pantalla de una laptop en una Montevideo calcinante. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero el consuelo está en el cine descubierto, aunque sea desde la distancia; la Tiger Competition ofreció títulos de variada procedencia, destacables por numerosas razones. Uno de los más divertidos y bizarros de la selección fue la israelí <b>Kafka for Kids</b>, una propuesta insólita que comienza como un programa televisivo infantil, en el que varios conductores, rodeados de seres extraños, objetos parlantes y un set con músicos disfrazados y colores chillones, ofrecen un recorrido por la obra de Kafka y, en particular, por La metamorfosis, ilustrándolo con animaciones y un pormenorizado y simpático análisis de la obra. El programa es tan incómodo como disparatado, pero durante su tramo final, la «transmisión» cambia completamente su rumbo, ofreciendo otro programa, en el que se plantea una denuncia aguda e inesperada respecto a las condenas en Israel a menores de edad palestinos. Así, la noción de minoridad es contrapuesta a aquel programa infantil imposible, pero quizá no tan delirante como la misma realidad. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg_XQeICJHNquo7s8QipLqrwZ_TXPgSl6weQbNckdASe0mg4svh0vrVtbcTdABob-VzWAOkouL5AFZxbQaQd2zH7bT3ez93Zzuan_qQaKHW9U67yNdicQ5JSXIvWGzi2we5-HEhQtkcbxU7bxbSDF4WInCFQ0AVlkje52QgN9sahkIDktHWkz4a1_C4YQ=s1000" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="750" data-original-width="1000" height="308" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg_XQeICJHNquo7s8QipLqrwZ_TXPgSl6weQbNckdASe0mg4svh0vrVtbcTdABob-VzWAOkouL5AFZxbQaQd2zH7bT3ez93Zzuan_qQaKHW9U67yNdicQ5JSXIvWGzi2we5-HEhQtkcbxU7bxbSDF4WInCFQ0AVlkje52QgN9sahkIDktHWkz4a1_C4YQ=w411-h308" width="411" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;">Otro punto alto de la selección fue la australiana <b>The Plains</b>, de David Easteal, un relato que transcurre casi íntegramente dentro de un auto, con la cámara fija en el asiento trasero y apuntando hacia el parabrisas, el conductor y su acompañante, y hacia el recorrido que va dibujándose hacia adelante. Durante varios días, se sigue al protagonista en su camino del trabajo a su casa; solo o con un compañero de trabajo, asistimos a sus charlas cotidianas –a veces por celular, con su esposa o quien fuere– y, paulatinamente, vamos asimilando los pormenores de su vida. El clima es totalmente envolvente y ameno, casi como un viaje en auto real, y lo cierto es que las tres horas de metraje se pasan volando. Desde el punto de vista cinematográfico, la ambientación es brillante: la sensación de realismo es absoluta y el trabajo sonoro reproduce fielmente una atmósfera de sonidos externos apagados, como si el espectador viajase al interior de una cabina o de una burbuja alienante. La historia misma remite a una vida que se desvanece, a una existencia narcotizada por la tecnología, a vidas miserables cooptadas por jornadas laborales, a un tiempo libre consumido febrilmente y sin contacto real con las personas que de verdad importan. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjRGIN4f1UJcARZycBFJxG4JCpCgFEBMeEGM1XLQyw3RCjl_NA7rkJ2pscXOe1V6RiwYm4maSzIO79PNcNkZKlbDFjX31jWZWzlO65lVcF4yFHZxNyWiFlk5fdVDIwg1xg2McHldYn7tYTaJCYlrEyaGf7ZZVizyVjAjVYiETMpJ1W7L7Mt967Bhn_v_w=s1800" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="858" data-original-width="1800" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjRGIN4f1UJcARZycBFJxG4JCpCgFEBMeEGM1XLQyw3RCjl_NA7rkJ2pscXOe1V6RiwYm4maSzIO79PNcNkZKlbDFjX31jWZWzlO65lVcF4yFHZxNyWiFlk5fdVDIwg1xg2McHldYn7tYTaJCYlrEyaGf7ZZVizyVjAjVYiETMpJ1W7L7Mt967Bhn_v_w=w512-h245" width="512" /></a></div><br />Al parecer de este cronista, <b>EAMI</b>, de la paraguaya Paz Encina, ganadora del premio Tigre, fue una de las peores películas de la selección. Se trata de una aproximación morosa y contemplativa, enfocada en el desplazamiento de los ayoreo totobiegosode, tribu indígena que habita las regiones paraguayas del Gran Chaco. La fotografía es magnífica, pero la aproximación poética –provista de una machacante y sentenciosa voz en off– reproduce ese lugar común de indígenas depositarios de un saber infinito y ancestral, de vidas en perfecta armonía con la naturaleza, de pureza absoluta. Werner Herzog o Lucrecia Martel podrían haber tomado la misma temática y generado un relato más honesto y humano, con seres de carne y hueso, con los cuales fuera posible empatizar e identificarse. En definitiva, títulos como este no parecerían estar haciéndole ningún favor a los pueblos indígenas miserablemente desterrados. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhfb96DPz-vaVxTjBz0WUcl8XjTKpi8al4dkGDwoPLHqNyTpu13p1qduVcg4tSR3IKP1iXKIR6VNuMlUsgtkUDdrlApNpmAW_M9mNE2UlbXJOfVgAu8aSn5ZAL3A1zJah4Oyz1FtcMcKXBGixG19AmwEqdVmAcgPkArplr6q6_Xz1BZlEnGLd8odPVeSg=s990" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="557" data-original-width="990" height="260" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhfb96DPz-vaVxTjBz0WUcl8XjTKpi8al4dkGDwoPLHqNyTpu13p1qduVcg4tSR3IKP1iXKIR6VNuMlUsgtkUDdrlApNpmAW_M9mNE2UlbXJOfVgAu8aSn5ZAL3A1zJah4Oyz1FtcMcKXBGixG19AmwEqdVmAcgPkArplr6q6_Xz1BZlEnGLd8odPVeSg=w463-h260" width="463" /></a></div><br />La china <b>To Love Again</b>, dirigida por Gao Linyang y ganadora del premio Fipresci, despierta con su visionado las ganas de que a algún cineasta uruguayo se le dé por filmar algo así, por ambientar una historia similar en nuestro país. Centrada en una pareja de ancianos en su quehacer diario, esta formidable película impone conflictos en apariencia triviales: la heladera se les rompe luego de muchos años de funcionamiento, una amiga enferma les habla de buscar una esposa sustituta para su marido y se impone la discusión de dónde guardar sus restos mortales una vez cremados. Estos lineamientos van revelando progresivamente un pasado traumático, marcado a fuego por la revolución cultural y por un régimen que aún hoy se cuela por los intersticios de su casa, determinando su cotidianeidad. Comprendemos que estas personas conviven con heridas abiertas y, aún en sus últimos años, con una imperiosa necesidad de sanación. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEivt-SaYeDlNGhtF375WlWO7aANWvN_Qs9eRe3FWwlILunXeVYXED8EPHUOa2Ae4go8NnIRUbIxzB7B5fk8w-Sa_wBOB4KtWFS512F2kg15Tix3ADdPCFwzZsGgYQWgaoHh-JyF3OHosjr_zlCGUrKIv3vIDoH2eKFmUWk5_KvrkoTNU5_t5Q8W1OctBw=s1200" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="780" data-original-width="1200" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEivt-SaYeDlNGhtF375WlWO7aANWvN_Qs9eRe3FWwlILunXeVYXED8EPHUOa2Ae4go8NnIRUbIxzB7B5fk8w-Sa_wBOB4KtWFS512F2kg15Tix3ADdPCFwzZsGgYQWgaoHh-JyF3OHosjr_zlCGUrKIv3vIDoH2eKFmUWk5_KvrkoTNU5_t5Q8W1OctBw=w434-h282" width="434" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><b><br /></b></div><div style="text-align: justify;"><b><br /></b></div><div style="text-align: justify;"><b>Excess Will Save Us</b>, de la francesa Morgane Dziurla-Petit, es, como la uruguaya <b>El Bella Vista</b>, un documental con algo de ficción –el porcentaje de uno y otro queda a criterio del espectador–, en el que la directora regresa a su pueblo natal y comienza a detenerse en la cotidianeidad de sus variopintos personajes. Pero lo que empieza como una típica aproximación al exotismo y la excentricidad imperante en un poblado semirrural va agregando sorpresivamente capas y más capas de oscuridad. Una matanza de gallinas, discriminaciones violentas y peleas enfervorizadas entre los personajes van dando cuenta de que, vistos de cerca, algunos pueblos chicos esconden infiernos descomunales.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Semanario Brecha el 4/2/2022</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-31667758769816456372022-02-04T10:10:00.001-08:002022-02-04T10:10:58.064-08:00Belle (Mamoru Hosoda, 2021)<h2 style="text-align: left;"><b>Sin miedo al ridículo</b></h2><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh3NC1Mis-vSemEo1Jd3k2fc2K7YDbRrvT5mIYh0-rtiMWBSJhMN94ViId-i234fqnKvVnG_FQcdiD3bnNFsHxcbYxWjo7KHslQLzZQuWgMy17RJ1022a48Dj_cP9oAZs5-Fd1LO6_pe5Ug1p3BAbHEc-0Cz-pGYK7a9NUc2kRHaC3HaYeaWFhEBsGkFg=s1200" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="247" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh3NC1Mis-vSemEo1Jd3k2fc2K7YDbRrvT5mIYh0-rtiMWBSJhMN94ViId-i234fqnKvVnG_FQcdiD3bnNFsHxcbYxWjo7KHslQLzZQuWgMy17RJ1022a48Dj_cP9oAZs5-Fd1LO6_pe5Ug1p3BAbHEc-0Cz-pGYK7a9NUc2kRHaC3HaYeaWFhEBsGkFg=w439-h247" width="439" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Desde hace ya tiempo que el animé o cine japonés de animación goza de una aceptación crítica importante, y el hecho de que esta película haya sido estrenada en el Festival de Cannes y celebrada con una inmensa ovación es una señal más de la creciente aceptación de un género que, desde hace tiempo, viene desbordando de imaginación con propuestas vivas, desquiciadas y diferentes. Si bien el maestro Hayao Miyazaki, junto con su estudio Ghibli, continúa siendo la figura más destacada de este universo, desde hace unos cuantos años que lo sigue de cerca el también independiente estudio Chizu y su puntal Mamoru Hosoda, quien ha logrado películas grandiosas como <b>Summer Wars</b> y<b> Wolf Children</b>, entre otras. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Aquí, Hosoda se sumerge una vez más en un mundo de hiperconectividad virtual –ya lo había hecho en <b>Summer Wars</b>–, con figuras aparentemente monstruosas y temibles pero de gran corazón –tenían gran presencia en <b>The Boy and the Beasty Wolf Children</b>–. En este sentido, el cuento de hadas francés <b>La bella y la bestia</b> le vino como anillo al dedo para continuar extendiéndose en lo que viene siendo una de sus mayores obsesiones: las apariencias físicas y la transformación del cuerpo como resultado de dolores intensos y profundos. El hecho de que los protagonistas sean principalmente adolescentes que cambian su apariencia mediante avatares en una realidad virtual no podía ser mejor trasfondo para adaptar el cuento clásico. La condena a la bestia por las hordas enfervorecidas de la historia original tiene un notable sucedáneo en las redes sociales, con su tendencia a la exaltación de la belleza y la condena o la aprobación masiva –o ambas cosas al mismo tiempo– de quienes logran captar la atención de las masas. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjR27w3FZ2PcXzRwPQ2-gigSTPRzKobY15GZ75aeKqpFa73ayc1fF0PlCIzyM-gOwNdc6k6YFIisl8RlvamKGEEUVBAz8K8crwp-9eQBZbPXacfhlfqdMVw_-iBwTL-tqr9wht-RqPkrHApYlLRRATUqcn6vFvEiPWtVBMeaFpQny3YLS34wtXr3XjbIg=s1200" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1200" height="323" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjR27w3FZ2PcXzRwPQ2-gigSTPRzKobY15GZ75aeKqpFa73ayc1fF0PlCIzyM-gOwNdc6k6YFIisl8RlvamKGEEUVBAz8K8crwp-9eQBZbPXacfhlfqdMVw_-iBwTL-tqr9wht-RqPkrHApYlLRRATUqcn6vFvEiPWtVBMeaFpQny3YLS34wtXr3XjbIg=w430-h323" width="430" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Hosoda logra plasmar una historia sencilla pero rica en detalles; la desabrida cotidianeidad de una adolescente tímida y aquejada por un episodio traumático de la infancia es contrapuesta con su llegada a U, un universo virtual en el que confluyen usuarios de todo el mundo y en el que adquiere una inusitada popularidad. En este mundo, la posesión más valiosa y preciada es el avatar o imagen virtual, y un grupo de «justicieros» –algo así como la policía en esta virtualidad– amenaza a quienes alteran el orden con dar a conocer su identidad real, el único castigo que todos realmente temen y que supondría tener que asumir, ante la mirada de los demás, la identidad y el cuerpo propios. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Hay, lamentablemente, algunos avances precipitados en la narración –la fama de la protagonista sobreviene de un momento a otro, sin transición alguna– y una representación de los cibernautas demasiado cercana a los estereotipos –la gorda solitaria y resentida que miente sobre sí misma, entre otros–, así como una celebración bastante burda y naíf del triunfo de la empatía y el cariño incondicional sobre la violencia. Esto se ve, por fortuna, compensado con una notable ausencia de miedo al ridículo, que suele ser una de las claves del vuelo de este tipo de producciones y un gran diferencial con respecto a Hollywood. Los sentimientos de los personajes son exagerados y subrayados hasta el paroxismo –aquí la influencia del manga es decisiva–; los puntos trágicos no tienen amortiguaciones forzadas; los números musicales explotan en destellos, flores y colores refulgentes. Un cine efusivo, contagioso y singularmente bello.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 28/1/2022</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-20411499994621222662022-01-14T15:03:00.000-08:002022-01-14T15:03:03.102-08:00"El poder del perro", "Sexo desafortunado o porno loco" y "Don't Look Up"<h2 style="text-align: justify;">De hombres-perro, videos privados y mirar para arriba </h2><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjMN8zHVN4qoCQw_2CLm0nPvf-RVmtsZNEqVRQpgM6UesmbSCWwzxOYS-7QdBBacMHSoufXTv1gYq_edUYyTLjUgILdNFYwFfuc18m8t3spQFfL07HxQfJykMZVZj38JYzdAMrDExgq8RVmbs2p55aU5KPhX9k1BUwJhSFU7GGrA0qU8rcdJ3CJphyQzg=s3076" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2000" data-original-width="3076" height="340" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjMN8zHVN4qoCQw_2CLm0nPvf-RVmtsZNEqVRQpgM6UesmbSCWwzxOYS-7QdBBacMHSoufXTv1gYq_edUYyTLjUgILdNFYwFfuc18m8t3spQFfL07HxQfJykMZVZj38JYzdAMrDExgq8RVmbs2p55aU5KPhX9k1BUwJhSFU7GGrA0qU8rcdJ3CJphyQzg=w523-h340" width="523" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><i><br /></i></div><div style="text-align: justify;"><i>El cambio de año trajo consigo tres películas que han dado que hablar, en parte por su contenido polémico, en parte por su deliberado afán cuestionador. Y si fuese cierto que el grado de transgresión de un film no puede medirse por las intenciones de sus realizadores sino por las reacciones de su público –a favor y en contra–, entonces podemos decir que los tres transgreden, ya que pocos espectadores pueden quedar indiferentes. </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">1. MASCULINIDADES VARIAS. <i>El poder del perro</i> es la vuelta de la directora neozelandesa Jane Campion a las grandes ligas. Desde <i>La lección de piano</i> (1993) no se sabía mucho de ella, aunque cierto es que su actividad nunca menguó: luego de unas cuantas películas decentes y de una tibia recepción, pasó la mayor parte de la última década abocada a su celebrada serie policial Top of the Lake. Ahora Campion se arroja al <i>western</i>, género masculino por antonomasia, adaptando una novela de Thomas Savage. Y lo hace poniendo de relieve un universo patriarcal que, en su dinámica, promueve un intenso conflicto entre los personajes que lo habitan. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo cierto es que a nivel de crítica la aprobación de la película fue casi unánime, y de cara a las inminentes premiaciones (Oscar, Globo de Oro) se presenta como una de las favoritas. Pero esto no quiere decir que no tenga detractores, desde quienes encontraron la narración lenta y aburrida hasta quienes cuestionaron su desenlace como una celebración de la venganza y la justicia por mano propia. Diego Maté, del sitio argentino A Sala Llena, la tacha de «una revisión progresista de la vida en el campo estadounidense en la primera mitad del siglo pasado. El momento (no el de la ficción, sino el nuestro) impone este tipo de ejercicios, más todavía desde que Hollywood se puso al frente de la ola <i>woke </i>y llevó este cambio de imagen […]. Se trata de tomar un terreno más o menos señalizado por el cine (en este caso, el western) para barrerlo con la grilla moral del presente y obtener así un puñado de anacronismos que aseguren la indignación». El crítico señala como improbable la existencia de uno de los personajes principales: «¿De dónde salió Peter, cómo pudo ese entorno inhóspito, incluso ese tiempo (1925), producir un adolescente tan exageradamente delicado y meditabundo? […] Una figura extemporánea que se inserta a la fuerza en la ficción, necesaria para iniciar el cuento sobre la discriminación». </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Otra vehemente detractora es la crítica Eileen Jones, de Jacobin, quien señala ciertas exageraciones en el personaje de Phil, encarnado –brillantemente– por Benedict Cumberbatch: «Tan tóxica es su masculinidad que Phil no puede hacer un movimiento ni decir una frase que no sea agresiva, hostil, amenazante, menospreciadora. Su primera línea, a propósito de nada y dirigida a través de la puerta del baño a su hermano regordete es: “Entonces, ¿ya lo has descifrado, gordo?”». </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Correspondería señalar que la película explora la masculinidad expresada no de una única manera, sino de tres diferentes, y es asertiva, además, en la forma en que ellas oprimen a la mujer, sea mediante el desprecio o la anulación sobreprotectora. Asimismo, la originalidad del planteo radica en exhibir a estos hombres desligados de todo heroísmo y en su reverso más trágico: el peso de la heteronormatividad condiciona sus comportamientos, impidiéndoles la posibilidad de una vida libre y plena. La vuelta de tuerca final es de las más inesperadas e impactantes de los últimos años, una que, además, resignifica la anécdota en profundidad. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhzF5bhllY4K1iWOkdwx7MyqO4aOk2VpH1hi9ALD0ATnU8ZdiNgDkWWnOm4MdJhacRAINkixaYe2D35GVCP3nlIpHuTp5tm-KFSlMFbEDi0ttS_RTBtz18TM76rJVrgTV9XGW8beVpT2WE6-_7ZNrjaGjiOfRbu19CIVn6rl28c9eO0NBe0t2crV38gQQ=s620" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="435" data-original-width="620" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhzF5bhllY4K1iWOkdwx7MyqO4aOk2VpH1hi9ALD0ATnU8ZdiNgDkWWnOm4MdJhacRAINkixaYe2D35GVCP3nlIpHuTp5tm-KFSlMFbEDi0ttS_RTBtz18TM76rJVrgTV9XGW8beVpT2WE6-_7ZNrjaGjiOfRbu19CIVn6rl28c9eO0NBe0t2crV38gQQ=w428-h301" width="428" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">2. LIBERTAD Y LIBERTINAJE. <i>Sexo desafortunado o porno loco</i>, del rumano Radu Jude, es una película que parecería diseñada para incomodar y que, entre otros exabruptos, arranca con la exhibición de una escena porno casera de tres minutos. Por fortuna, ya estamos lejos de los tiempos en que esto podía ser un escándalo y, de hecho, la aprobación crítica se volcó mayoritariamente a favor de la película, que ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín. La anécdota se centra en una maestra de escuela primaria y su escarnio público cuando las escenas de porno casero que mencionamos –en las que ella tiene relaciones sexuales con su marido– se vuelven virales. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La estructura narrativa se divide en tres grandes partes; la segunda es un extrañísimo interludio titulado «Breve diccionario de anécdotas, signos y maravillas», una especie de <i>collage </i>audiovisual en el que se suceden definiciones y representaciones gráficas loquísimas, en muchos casos sin relación aparente, pero con muchas ácidas e hilarantes referencias al machismo, el militarismo, la Iglesia ortodoxa, la educación, la violencia y la herencia social de la dictadura de Ceaucescu. Y, como no podía ser de otra forma, visto el carácter libérrimo y caótico de esta película, no es de extrañar que algunos detractores cuestionen su falta de unidad o su incapacidad de dar algún mensaje más concreto. Pero lo interesante es que, a pesar de este carácter anárquico, la película es coherente en su espíritu irreverente. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En determinadas escenas en las que se filma a la protagonista caminando por la calle, la cámara se dispersa y se da el lujo de ascender y filmar los edificios circundantes, enfocando las ruinas de Bucarest como una metáfora de una idiosincrasia rancia y decadente. No es algo común ver este tipo de libertades en el cine: en tiempos en que los cineastas se esfuerzan por desaparecer y disfrazar sus historias de una austeridad y una objetividad imposibles, Jude impone su propia subjetividad como pocos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEijeFIdZtkj8FumE558Q2RkcFS8jdO0rOQpJFrVSYFBNHSjw6CkTNdfk4BsJ0T-LsyebXUNKn4d_CvMRyLaasE0TVrpSzlb80qh5HhUYRfq2CiJlstSmVChE8bI1wvPVB6jRPzc7Ze1PEMzEZpbuWLMFIZSrdcAmwstKGuU0S0jhNMJQ2HbcYvfrusyfA=s1200" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="603" data-original-width="1200" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEijeFIdZtkj8FumE558Q2RkcFS8jdO0rOQpJFrVSYFBNHSjw6CkTNdfk4BsJ0T-LsyebXUNKn4d_CvMRyLaasE0TVrpSzlb80qh5HhUYRfq2CiJlstSmVChE8bI1wvPVB6jRPzc7Ze1PEMzEZpbuWLMFIZSrdcAmwstKGuU0S0jhNMJQ2HbcYvfrusyfA=w561-h282" width="561" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">3. COLAPSO Y DESACUERDO. Pero, de los tres títulos aquí reseñados, el que más indignación viene despertando hasta el momento es <i>Don’t Look Up</i>. El director, comediante y guionista Adam McKay, quien ya se dio a conocer de manera masiva gracias a películas notables como <i>Anchorman</i>, <i>La gran apuesta </i>y <i>Vice</i>, se despacha esta vez con una propuesta multimillonaria y con actores de primer orden, como Leonardo Di Caprio, Jennifer Lawrence, Cate Blanchett, Timothée Chalamet, Meryl Streep, Jonah Hill, Ron Perlman y hasta la cantante pop Ariana Grande, de modo que su exabrupto no pase desapercibido. Con un registro y un espíritu bastante cercanos a los de Kubrick en <i>Dr. Strangelove</i>, la película arranca en un tono bastante serio y grave, se va adentrando crecientemente en los terrenos de la comedia y finalmente en el delirio más disparatado. Así, se despliega una sátira que orbita en torno de la política, los medios y las redes sociales, y su reacción ante la certeza de un inminente apocalipsis.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Por supuesto, los sectores más conservadores de la crítica se han hecho oír y, en general, cuestionan de la película ciertas premisas totalizadoras y de corte grueso, con las que se representan medios de comunicación que idiotizan y desinforman, una clase dominante que solo piensa en sí misma y redes sociales que reproducen sin reparos la opinión de una infinidad de infradotados. Pero es evidente que McKay se desquita con una caricatura y no con una radiografía cabal del universo político y mediático estadounidense. En este sentido, no es muy entendible tanta indignación cuando normalmente se celebra este mismo tipo de humor en <i>South Park</i> o en <i>Los Simpsons</i>. Más allá de esto, es innegable el acierto de la película al representar algunas de las demencias más terroríficas de nuestra coyuntura reciente, como la desavenencia enfermiza respecto a verdades que rompen los ojos –llámese calentamiento global o covid-19– o el troleo furibundo a quienes expresan esas verdades con contundencia –a Greta Thunberg, por ejemplo–. En este sentido,<i> Don’t Look Up</i> es un divertido exabrupto, muy representativo de nuestros tiempos.
De todas formas, citemos, a modo de cierre, una opinión contraria sumamente interesante publicada por Holly Tomas en CNN: «El objetivo de defender los hechos científicos debe disociarse del de afirmar la superioridad moral. La insinuación constante de que quienes dudan en aceptar nuevas evidencias, ya sea la seguridad de las vacunas o el impacto del cometa, son estúpidos, corruptos y se encuentran del lado “equivocado” políticamente solo añade otro obstáculo que la ciencia debe superar […]. Hacia el final de la película, cuando uno de los mítines claramente trumpianos celebrados por el personaje de Streep se convierte en un caos, Jonah Hill, quien interpreta al hijo y secretario general de Streep, grita “<i>rednecks</i>” por encima de su hombro mientras escapa. El mensaje que se pretende transmitir –que los políticos “malos” que intentan engañar al público no tienen más que desprecio por ellos– se ve empañado por el hecho de que los “buenos” que hicieron la película tampoco parecen pensar mucho en ellos».</div><div><br /></div><div><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 7/1/2022</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-53689810518869229272021-12-01T17:07:00.004-08:002021-12-01T17:11:31.808-08:00Con Agustín Banchero director de "Las vacaciones de Hilda"<h3 style="text-align: left;">
El poder del detalle </h3><div><br /></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjseHnVecQcrerEWiKrzZ6aocjGL1HKOW3X8yCZUtSLbKWOJG1jel3asVuOYfjlBLWET6H3LpKkzbGXMApyXIHq3j7HQeuxvoC1sXsp9AMNotTx7Htn5MkxC9engBJa9EEGTOR0O25JBnJ5/s1200/Piastri.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="296" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjseHnVecQcrerEWiKrzZ6aocjGL1HKOW3X8yCZUtSLbKWOJG1jel3asVuOYfjlBLWET6H3LpKkzbGXMApyXIHq3j7HQeuxvoC1sXsp9AMNotTx7Htn5MkxC9engBJa9EEGTOR0O25JBnJ5/w445-h296/Piastri.jpg" width="445" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Foto: Héctor Piastri (gentileza Semanario Brecha)</td></tr></tbody></table><br /><div style="text-align: justify;"><i>Luego de un largo período de realización, fue estrenada en cines esta película sobresaliente, que logra construir una atmósfera poderosa y envolvente, ideal para ser disfrutada en la gran pantalla. Conversamos con su realizador acerca de varias particularidades de la obra, una de las mejores realizaciones uruguayas de los últimos años. </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sus tíos son Eduardo y Diana Cardozo: él, un reconocido pintor y artista plástico –además de colaborador de Brecha durante muchos años–; ella, una directora de cine radicada en México, creadora de, entre otras películas, el excelente documental uruguayo<b> 7 instantes</b>. Agustín Banchero tuvo la suerte de contar con estos referentes cercanos, que le inculcaron el amor por el arte y lo acercaron a la posibilidad de ganarse la vida desempeñándose en torno a sus grandes pasiones. Durante la adolescencia, visitaba a ambos tíos y colaboraba en varias de sus actividades: <i>«Desde los 13 hasta los 20 años participé en los rodajes de <b>7 instantes</b>. Iba a mirar, compraba bizcochos, acompañaba. Y la película fue filmada en todos los formatos: en 35 milímetros, en 16, en video; todo un curso intensivo. En un punto, creo que es contagioso: sabés que existe la posibilidad y la vivís de cerca»</i>. Por si fuera poco, su abuelo era el escritor Anderssen Banchero, a quien no llegó a conocer –falleció el mismo año en el que él nació–, pero que también sirvió como referente. Banchero estudió cine en la Escuela de Cine del Uruguay (ECU) y formó parte de la generación 2005. <i>«Fuimos la generación pos-<b>Whisky</b>.</i></div><div style="text-align: justify;"><i>Empezamos a estudiar un año después de su estreno y ese año se duplicaron las inscripciones. La película nos marcó mucho. En nuestro grupo había una división entre aquellos a quienes nos gustaba <b>Whisky </b>y aquellos a los que no. A mí me gustaba muchísimo. Yo tenía claro que quería estudiar cine, pero mi duda en ese momento era si hacerlo en Uruguay o en otro país. Seguramente, <b>Whisky </b>me presentó, como a otros, la opción de hacer cine acá como algo tangible. En ese sentido, el desafío fue más sencillo para nosotros que para las generaciones anteriores.»</i> </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Desde entonces, Banchero dirigió varios cortos y se ha desempeñado como creador. Es el autor y el director de las obras de teatro <b>La segunda luna de Júpiter </b>y <b>Galaxie. Parte de la noche</b>. Ha expuesto instalaciones audiovisuales ganadoras de premios y hoy sorprende con esta gran ópera prima, que fue bien recibida en San Sebastián y estrenada estos días en las salas de Montevideo. Con 35 años, es profesor de Guion en la Facultad de Bellas Artes de Playa Hermosa, en la ECU, en Uruguay Campus Film y en la Tecnicatura de Dramaturgia (Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación y Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático). <b>Las vacaciones de Hilda</b> le insumió ocho años desde el primer boceto hasta el estreno. En este largo período el libreto maduró: fue corregido, reescrito y recorregido, y fue adaptándose en el tiempo a las inquietudes cambiantes de Banchero. Pero la película y su autor contaron con un privilegio atípico: fueron seleccionados para el taller Tres Puertos Cine, una tutoría impartida por Lucrecia Martel y Mariano Llinás, quienes acompañaron el proyecto en varias etapas de su realización. Consultado sobre su experiencia con Martel, Banchero destaca un consejo particular que ella le daba:<i> «Me decía: “Observá el detalle. En el detalle está la escena”. Y nos salíamos mucho de las charlas de cine. Por lo general, no te habla tanto de lo técnico: te lleva a hablar más de la vida. Y cada tanto te dice: “¿Ves? Eso es cine”, refiriéndose al detalle, a la observación, a lo singular. Lo interesante es que no es alguien que quiere llevarte hacia su cine: le interesa que vos saques el tuyo propio». </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVmCh1j7Agk9l6ZnFVDxLS7XjNZ1I1caKqkvBjjVkz8htPcRQEkuS9B_wmeHFvsshAB87k7ZtPSMOKknNIQqOxvPam1hGL-i3_ilgPKorpfl6ysijMboZc87211BMBVJALq5XH7CH90JOA/s1200/Las+vacaciones+de+Hilda.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="529" data-original-width="1200" height="248" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVmCh1j7Agk9l6ZnFVDxLS7XjNZ1I1caKqkvBjjVkz8htPcRQEkuS9B_wmeHFvsshAB87k7ZtPSMOKknNIQqOxvPam1hGL-i3_ilgPKorpfl6ysijMboZc87211BMBVJALq5XH7CH90JOA/w563-h248/Las+vacaciones+de+Hilda.png" width="563" /></a></div><div><br /></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Las vacaciones de Hilda</b> es una película diferente, atípica para el cine uruguayo. Principalmente porque se salta la linealidad y plantea una historia en dos grandes bloques. En el primero cuenta lo que, cronológicamente, es la segunda parte de la historia; en el segundo retrata la cotidianeidad de la protagonista diez o 15 años antes de los sucesos relatados en el primero. Este relato inverso invita a la audiencia a participar activamente:<i> «La película tiene una gran elipsis entre sus dos tiempos: unos diez o 15 años, de los que no se muestra nada. Lo interesante es que, cuando los espectadores completan eso, ponen mucho de su vida. Entonces, deja de ser un cine expositivo para ser un cine mucho más interactivo. Eso es lo mejor que te puede pasar en un cine, es lo que más me gusta como espectador».</i> También es sumamente atípico el comienzo de la película, un puntapié inicial en el que se cuenta una historia trágica ocurrida en gigantescos silos para granos, que despierta la idea (falsa) de introducción a un thriller. Banchero señala: <i>«Me gustan mucho las películas en las que, de pronto, aparece un personaje y te cuenta una historia. Es como entender que podría haber películas adentro de películas. Podríamos hacer otra de ese empleado del silo que cuenta la historia de lo que le pasó al hermano. Me gustaba esa idea, pero también me gustó que fuese una especie de premonición de algo terrible que podría ocurrir. Creo que era fundamental un inicio así para que la película se separara de una idea costumbrista. Y, como desde el minuto 7 hasta el 25 iba a ser la vida de Hilda en su espacio, en su casa, sabía que si arrancaba con el relato de una tragedia, eso podía teñir la película con ese tono». </i></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">El planteo, entonces, es de un costumbrismo atípico, envolvente, en el que situaciones vívidas y reconocibles se descubren en el interior de una atmósfera acuosa –el agua es un elemento casi omnipresente durante la primera parte– y onírica, en la que los tiempos dialogan constantemente. Sobre este universo particular, Banchero subraya su afinidad a esta clase de narrativa: <i>«Como nos pasa a todos, lo que le pasa al personaje internamente termina modificando los acontecimientos exteriores. Los eventos que suceden son como ella los procesa. Por eso la mezcla de tiempos está regida por una memoria emotiva, por sus recuerdos. Quizá no importa tanto lo que pasó con los silos al principio de la película, sino cómo le queda el recuerdo a ella, cómo eso modifica la segunda parte, cómo afecta y cómo puede volver a aparecer un personaje. Me interesa cómo los hechos afectan al personaje en términos de memoria, más que los acontecimientos en sí. Me gusta pensar que el cine te permite eso: el quiebre de la temporalidad, pero no en términos lineales. Muchas películas rompen la temporalidad, lo que te define pasado, presente y futuro. A mí me interesaría más superponer los tiempos, lo cual creo que se parece más a la realidad. Por ejemplo, durante esta entrevista nos pusimos de acuerdo en que este encuentro es real: definimos un espacio, un tiempo, percibimos la temporalidad en términos de qué pasó ayer, qué pasa ahora, qué pasa mañana. Pero creo que la experiencia propia mezcla estos tiempos. Hace un rato me preguntabas sobre mi infancia y yo volví a pensar en cuando veía películas de niño. Ese niño me sigue afectando, ese Agustín sigue viviendo en mí: afecta mis expectativas en el presente. Los tres tiempos conviven». </i></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyxeh9oUen-x9DSlJ8_3PKneE3oM1DpqeCSSPiCKGyKIz0qKN0CWcsPZIHSWGTTWPCqFdB1VKC5lS1-_ZCfOPN66e74K64-r-hCX_-N0lYbLgawkAc76jP1clZys9K7fHTnPuKpcHU8bqF/s620/Hilda+2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="310" data-original-width="620" height="271" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyxeh9oUen-x9DSlJ8_3PKneE3oM1DpqeCSSPiCKGyKIz0qKN0CWcsPZIHSWGTTWPCqFdB1VKC5lS1-_ZCfOPN66e74K64-r-hCX_-N0lYbLgawkAc76jP1clZys9K7fHTnPuKpcHU8bqF/w541-h271/Hilda+2.jpg" width="541" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Consultado sobre qué sensación le da el agua y qué rol juega, Banchero responde que la vincula de una forma metafórica y, al mismo tiempo, visual: <i>«Esa idea del agua entrando a la casa sin que Hilda lo quiera. Es esa humedad que se filtra a pesar de que querés bloquearla. Ella es arquitecta y, sin embargo, tiene ese tipo de problemas. Cuando era chico, vivía en una casa que había ganado mi familia con la rifa de Arquitectura: había sido hecha por buenos arquitectos. Viví 11 años en esa casa y tenía una mancha de humedad gigante, de colores: verdes, violáceos. Eran una cosa espectacular: parecían los cuadros de mi tío. Pintábamos y volvía. El agua tiene algo de incontrolable: se filtra, invade. Y, en general, se piensa que no hace mal, pero quienes tenemos problemas respiratorios, por ejemplo, lo sentimos. Es un problema muy uruguayo. Tiene un carácter metafórico, pero también es algo que vivimos todos, parte de nuestro diario de vida»</i>. En cuanto a la forma en la que tradujo esa sensación al lenguaje cinematográfico, cuenta: «Con Lucas Cilintano [el director de fotografía] decíamos que, en la primera parte, donde pudiéramos poner agua íbamos a poner agua. Él se encargó de mostrar las distintas texturas: los vidrios empañados en el auto, las humedades. Llueve mucho y mojamos todo. De hecho, cada vez que llovía, con Carla [Moscatelli] decíamos: “Qué día Hilda”, “Hoy es un día de Hilda”. Las directoras de arte, Mariana Pereira e Inés Carriquiry, también trabajaron sobre la escenografía en este sentido. Hubo un trabajo estético del equipo para que esa agua se sintiera realmente. El sonido es muy importante. Hay muchas lluvias fuera de cuadro. Algo muy bueno fue que Daniel Yafalian se ocupó de todo el sonido de la película: hizo sonido directo, diseño, mezcla y música. Es decir, toda la banda sonora es de una persona sola –quien, obviamente, trabajó con su equipo–. Generalmente, no se hace así, y esto le dio a Yafa un poder creativo importante y una incidencia directa en el resultado, porque desde que hacía la toma de sonido había una conciencia de cómo se iba a posproducir. Por supuesto, hay méritos también en las otras áreas, pero el sonido te entra por la puerta de atrás. Toda esa agua de la primera parte es principalmente Yafa con capas y más capas de sonido». </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero corresponde señalar que la figura central, tanto delante como detrás de cámaras, es Moscatelli, a quien Banchero considera prácticamente una coautora en el trazado del personaje. La actriz logra una brutal metamorfosis de una mitad a otra de la película, encarnando a un mismo personaje en dos momentos críticos. Es una actriz uruguaya de larga trayectoria, principalmente en teatro, que acompañó al director en un proceso de años: <i>«Ella puso mucho de sí misma. Me enseñó a acercarme al personaje desde otro lugar. Cada uno de nosotros le aportó al personaje referencias personales. Y también buscamos influencias literarias: ella traía mucho a Virginia Woolf, yo traía constantemente a Juan Carlos Onetti. También participó mucho en los castings. Cuando veía que un secundario tenía chance, llamaba a Carla y ella lo probaba, además de que proponía otros posibles actores. Como toda la película pivoteaba sobre ella, tuvo una gran incidencia en quiénes podían ser sus compañeros de escena».</i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><span style="font-size: x-small;">Publicado en Semanario Brecha el 22/10/2021</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-88105802888444244702021-11-18T10:52:00.001-08:002021-12-01T17:10:36.081-08:00Planta permanente (Ezequiel Raduzky, 2019)<h2 style="text-align: left;">Divide y vencerás </h2><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxeu38BFo544ObLsggt_4xvEl0kpX7QeUU8LU951bsuEbZfxfc3793SZ9CXpoxhzxy8F-EnRhUSPPMEFHqBKhfZr6DWzCnyPSEki8iMKn7bSjRbXV5i66J-KveWA9uXgxPy8kgeE5_b_2Q/s1024/Planta.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="429" data-original-width="1024" height="208" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxeu38BFo544ObLsggt_4xvEl0kpX7QeUU8LU951bsuEbZfxfc3793SZ9CXpoxhzxy8F-EnRhUSPPMEFHqBKhfZr6DWzCnyPSEki8iMKn7bSjRbXV5i66J-KveWA9uXgxPy8kgeE5_b_2Q/w497-h208/Planta.jpg" width="497" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La pandemia ocasionó que el estreno de esta notable co-producción argentina-uruguaya se retrasara casi un par de años en nuestro país, con respecto al de la vecina orilla. En este fatídico lapso, una de sus actrices principales, nada menos que el ícono del rock y de la contra-cultura under Rosario Bléfari, falleció de cáncer con 54 años. Consecuente con su forma de ser y de pensar, la cantante y compositora había brillado como intérprete en un puñado de películas independientes, colaborando con directores de la talla de Martín Rejtman, Milagros Mumenthaler, Rodrigo Moreno y José Luis Torres Leiva y, a partir de la película <b>Los dueños</b>, volviéndose actriz fetiche del director tucumano Ezequiel Radusky. Este fue su segundo trabajo juntos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Si bien la soltura de Bléfari ante cámaras era sobresaliente, en esta película la acompañan a un mismo nivel la co-protagonista interpretada por Liliana Juárez y la uruguaya Verónica Perrotta, esta última en un papel secundario crucial. Está claro que Radusky, quien tuvo experiencias previas en teatro, puso un especial énfasis en la dirección de actores y en lograr atmósferas naturalistas y vivenciales, buscando un reflejo fiel a determinadas realidades. Y puede decirse que, al igual que en Los dueños, su objetivo fue conseguido ampliamente, logrando una de esas historias universal pero al mismo tiempo de una cercanía alarmante. La acción se ambienta casi completamente al interior de un edificio estatal de provincia, en el que ambas protagonistas se desempeñan en el servicio de limpieza, y, quizá para compensar sus bajos salarios, cocinan y sirven comida casera a los demás funcionarios, en un comedor improvisado y en la más absoluta informalidad. El cambio de administración trae consigo una nueva directora (Perrotta) quien, al menos en el discurso, intenta aportar cambios en beneficio de los trabajadores. Pero en seguida su accionar denota lo contrario: despidos, clientelismo y la idea de barrer con todo lo previo, bajo el pretexto de la formalidad y la modernización. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY06QY_f9YA78TiZ5fRKFDy2BvDIc_ACfScHjF18hp_0Ph6EW0h5QT-PIj8UW4NTdMwrEg_2E-OdgqD-A0UW6o5R8bkqbtWajaa_byinmXJpazyufwANu8DlyxAjIO5Nz9JkfUMQDqAp37/s1200/Planta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="283" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY06QY_f9YA78TiZ5fRKFDy2BvDIc_ACfScHjF18hp_0Ph6EW0h5QT-PIj8UW4NTdMwrEg_2E-OdgqD-A0UW6o5R8bkqbtWajaa_byinmXJpazyufwANu8DlyxAjIO5Nz9JkfUMQDqAp37/w426-h283/Planta.jpg" width="426" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un libreto inteligente y sumamente original, co-escrito por Radusky y Diego Lerman (este último es el director de películas brillantes como <b>La mirada invisible</b> y <b>Una especie de familia</b>) toma un camino especialmente difícil a la hora de presentar a los personajes, ya que lo hace exponiendo desde el mismo comienzo sus costados más cuestionables. Ambas protagonistas aprovechan sus pequeños espacios de poder para obtener ciertas ventajas, y una de ellas falta a su palabra perjudicando a la otra. Así, lejos de buscar la empatía del espectador, se lo coloca a priori en un sitio incómodo; ninguna de ellas llama a la identificación, pero asimismo al asimilar el cuadro general y la inestabilidad de sus situaciones, de a poco comienza a comprenderse su objetable accionar. Se evitan notablemente los simplismos o las lecturas más esquemáticas, presentando ciertas miserias cotidianas y un conflicto intra-clase, por el cual, ante una situación de recorte económico y de opresión encubierta, ambas protagonistas batallan entre sí, cuando en realidad padecen una misma injusticia. Así, se desprende que la falta de unión y de conciencia social agudiza el individualismo, la atomización y por lo tanto, la brecha entre acomodados y excluidos. Esta película bombardea con altura las más infantilizantes y machacadas ideas sobre el emprendedurismo, la meritocracia y la promesa del ascenso social, revelándolas como falacias flagrantes. </div><div><br /></div><div><span style="font-size: x-small;">Publicado en Semanario Brecha el 30/9/2021</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-62857595653258108432021-09-25T11:26:00.001-07:002021-09-25T11:26:08.717-07:00Por qué It's A Sin<h2 style="text-align: left;">Culpables de pandemia </h2><div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjM05BsLGrzJhn32nv1iE1o3MxwYtwKJFZqNjqfthxTwXSevwgS9DO3WqGmwLQL2vtKz5DD_SczAQJmhqQNCCIPjUkFEyg_sHUaLoMXpd3Y2YmDp7isFLrbij3sj_UkGaMeDFYBYG0EpqB1/s1200/Its+a+sin1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjM05BsLGrzJhn32nv1iE1o3MxwYtwKJFZqNjqfthxTwXSevwgS9DO3WqGmwLQL2vtKz5DD_SczAQJmhqQNCCIPjUkFEyg_sHUaLoMXpd3Y2YmDp7isFLrbij3sj_UkGaMeDFYBYG0EpqB1/w505-h284/Its+a+sin1.jpg" width="505" /></a></div><i><br /></i></div><div style="text-align: justify;"><i><br /></i></div><div style="text-align: justify;"><i>“Todo lo que he hecho en mi vida / todo lo que siempre hago / cada lugar en que he estado / a todas partes a las que voy / es un pecado”</i>. La letra de la canción de The Pet Shop Boys que da título a esta miniserie calza perfectamente para describir ese retroceso infame de la historia, ese momento en la cual la pandemia del Sida -que en aquel entonces se dio a conocer como “el cáncer de los homosexuales”- interrumpía y asestaba un golpe letal a la Revolución sexual que tan alegremente se desarrollaba desde hace un par de décadas atrás. Quienes vivieron su despertar gay a inicios de los 80 no imaginaban que lo estaban haciendo en el peor momento imaginable, ni que la sociedad volvería la vista hacia ellos culpabilizándolos y condenándolos a viva voz no sólo por su actividad sexual sino por su existencia toda; su forma de ser y respirar. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Producida para el canal británico Channel 4 y difundida por HBO Max, la serie de cinco capítulos, de unos 50 minutos cada uno, se ambienta en Londres a partir del año 1981. Del mismo modo que la reciente –y brillante– <b>Small Axe</b> se centra en las comunidades negras marginadas de la capital británica, esta hace lo propio representando el submundo homosexual, pero alejándose de toda oscuridad posible y revelándolo como un universo vital, de calidez humana y efervescencia artística. Centrada principalmente en cuatro personajes que pasan a convivir en un mismo apartamento, la historia arranca dando un breve pantallazo a sus diferentes proveniencias, un fresco en el que, con unas pocas pinceladas, se comprende lo difícil que era salir del clóset y la imperiosa necesidad de alejarse del hogar familiar. De esta forma, el piso compartido, las fiestas, los boliches pasan a sentirse como un espacio de liberación y comunión, además de conformar una caja de resonancia en la que reina el amor libre. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxWxn7SIS-vsnQ3Swq7X8L6vDN2YxQaOuRnHf30CJlz2RSuQIkl9i_rexNtKFktsOLcohDC2MQK6J0YwtSxaCTnsPWPxHKqrO2_BU8j0P9lgzTawvXXofhPldwnTZfsaU0VJvJpyZi0W4G/s700/Its+a+sin2.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="445" data-original-width="700" height="326" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxWxn7SIS-vsnQ3Swq7X8L6vDN2YxQaOuRnHf30CJlz2RSuQIkl9i_rexNtKFktsOLcohDC2MQK6J0YwtSxaCTnsPWPxHKqrO2_BU8j0P9lgzTawvXXofhPldwnTZfsaU0VJvJpyZi0W4G/w514-h326/Its+a+sin2.jpeg" width="514" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Es quizá este enfoque luminoso y tan notablemente orquestado –por si fuera poco, acompañado de una banda sonora insuperable– y en perfecta consonancia con un puñado de personajes memorables lo que hace que la tragedia se imponga con una inusitada intensidad: todos estos muchachos, vivaces y alegres por primera vez, pasan a confrontar de muy cerca –o en carne propia– el horror más despiadado. Que esta serie salga hoy a la luz permite un reflejo empático mayor: la escena en que Jill, la única muchacha que comparte el apartamento, lava frenéticamente una y otra vez la taza de la que bebió su amigo infectado, para, finalmente, hacerla añicos y arrojarla a la basura, puede despertarnos recuerdos muy cercanos en tiempo y espacio. Por si faltaran similitudes, si el hecho de morir atravesando una dolorosa enfermedad no era lo suficientemente terrible, la mayoría lo hacía en soledad, aislado, absolutamente desvinculado de sus seres queridos y, para colmo, sintiendo el peso de la culpa. Volviendo a los Pet Shop Boys: <i>“así que miro hacia atrás en mi vida/ siempre con un sentimiento de vergüenza/ siempre he sido el culpable”</i>. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En otra secuencia, que muestra de forma elocuente cómo la conjunción de miedo e ignorancia activa los peores costados de la especie humana, se exhibe una manifestación en las calles en la que los protestantes detienen el tránsito para exigir un trato más humano para los enfermos. Los transeúntes responden con repudio, dejando claro lo que muchos pensaban en aquel momento: que el VIH era el justo castigo para un montón de desviados y degenerados. La perspectiva histórica amplifica la idea: no es de extrañar que las vacunas para la covid-19 se hayan desarrollado en menos de un año y que aún hoy decenas de millones de inmunodeficientes continúen a la espera de las que podrían curar el VIH. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El creador de la serie es nada menos que Russell T. Davies, guionista de otros aclamados títulos para la televisión, como <b>Doctor Who</b>, <b>A Very English Scandal</b> y <b>Queer as Folk</b>, entre otros. Pero como si fueran credenciales insuficientes, a Davies le resultó muy difícil que las emisoras aceptaran el libreto de<b> It’s a Sin</b>, el cual fue rechazado por varios canales durante un año entero. Channel 4 finalmente aceptó su propuesta, pero con la condición de que debía reducir los ocho capítulos del libreto original a cinco, y Davies accedió. A principios de 2021, Channel 4 anunciaba que la serie batía numerosos récords de exhibición y popularidad. Y cabe decir que –si acaso puede señalársele algún defecto– los cinco capítulos tienen gusto a poco. Ocho hubiese sido el número perfecto.
</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 17/9/2021.</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-849041516825461732021-09-09T11:46:00.002-07:002021-09-09T11:48:05.072-07:00La teoría de los vidrios rotos (Diego Fernández, 2021)<h2 style="text-align: justify;">Caos en pueblo pequeño</h2><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgK7suh4NO6dJUQToJcNZoeck9NXmG7NfCDIWknXrA2CxiZRBNknbrWWKUxMP97e4gIC357eUeG9oZzx1jVyfmqgPknTLO1fyXP0shCgvOMSzHaVPtxY3TNoV8FQudMrwvNjC78lL1x9Tsk/s1200/Vidrios.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1200" height="269" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgK7suh4NO6dJUQToJcNZoeck9NXmG7NfCDIWknXrA2CxiZRBNknbrWWKUxMP97e4gIC357eUeG9oZzx1jVyfmqgPknTLO1fyXP0shCgvOMSzHaVPtxY3TNoV8FQudMrwvNjC78lL1x9Tsk/w448-h269/Vidrios.jpg" width="448" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un perito llega a una localidad ficticia, como enviado especial de una empresa de seguros. Allí acontece lo impensable: varios autos han sido incinerados en las calles del pequeño pueblo, lo que ha causado conmoción entre los vecinos. Y al protagonista le sucede algo típicamente uruguayo: a pesar de que tiene unos 30 años, comienza a ser menospreciado y ninguneado por la avejentada población local, que lo mira con hostilidad y le exige que se haga cargo de una compensación económica. En esta serie de fatídicos encuentros se suceden personajes variopintos, y la película saca a relucir un notable elenco: el comisario, interpretado por César Troncoso, quien se ve desbordado por la situación, Jenny Galván, peluquera y<i> femme-fatale </i>del pueblo, Robert Moré, un inspector de seguros de la competencia, Roberto Birindelli, un empresario de la soja con ínfulas de dueño del pueblo y aspiraciones políticas. Otras interpretaciones destacadas son las de Verónica Perrotta, Josefina Trías, Jorge Temponi, Carlos Frasca y Lourdes Kauffmann, actores de primera línea que dejan en claro el acierto del director Diego <i>Parker </i>Fernández al elegir intérpretes. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Se trata del segundo largometraje de Fernández (<b>El rincón de Darwin</b> fue su ópera prima), una coproducción uruguayo-argentino-brasileña filmada en Aiguá en noviembre de 2019 y cuyo estreno se postergó hasta ahora por la pandemia. La elección de un pueblo del interior en el que se apersona un visitante foráneo remite forzosamente a otras películas uruguayas, como <b>Mal día para pescar</b> y <b>Clever</b>, que conectan incluso en ciertos climas de hostilidad generalizada y dosis de extrañeza de determinadas situaciones, aquí utilizadas con muy buen humor. Haciendo uso de ciertas coordenadas del policial, la película apunta más bien hacia la comedia y lo hace de manera acertada, contando una divertida historia que alterna un tono directamente bizarro –con puntos brillantes, como la inmersión del protagonista en un boliche bailable, o la aparición onírica de la imagen de un Temponi en la Luna, cantando como Raphael– con otros momentos más sutiles; en una escena y un diálogo casual en plena calle, podemos ver que varios personajes interactúan al fondo del cuadro y se lleva a cabo la compra de un bidón de querosén, algo que solo los espectadores atentos podrán registrar. Por su parte, tanto Troncoso como Temponi construyen con sus secundarios momentos especialmente hilarantes, y el uso recurrente de temas musicales compuestos por Gonzalo Deniz (Franny Glass) e interpretados por Humberto de Vargas proveen a la historia de un excelente contrapunto humorístico. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4FrJ0ufDQToLLSIBpj-0VTZ2qHkbiBrK3pj_EnybBl0hd4m-iHdtF6A7i5a5oI_obMV-UIpHS0KCopeHVmNqZnyKH2bcoZXI3qf8CTQrkzBTJEincIS8cKdnBXXTuoI1vqciP7mwA1aV8/" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="720" data-original-width="1200" height="257" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4FrJ0ufDQToLLSIBpj-0VTZ2qHkbiBrK3pj_EnybBl0hd4m-iHdtF6A7i5a5oI_obMV-UIpHS0KCopeHVmNqZnyKH2bcoZXI3qf8CTQrkzBTJEincIS8cKdnBXXTuoI1vqciP7mwA1aV8/w429-h257/teoria2.jpg" width="429" /></a></div></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El título remite a una teoría sumamente difundida y que refiere a cierto «contagio» en los actos vandálicos, a una espiral delictiva generada por la apariencia de abandono y desatención –una pared grafiteada, un edificio abandonado, o lo que sea–. En el guion, coescrito por Fernández y Rodolfo Santullo, se aplica explícitamente la teoría a hechos reales consumados en la ciudad de Melo en 2010, en circunstancias similares a las presentadas y en un marco en el que se retrata una realidad adyacente: quizá pensado en un contexto más amplio, pueda interpretarse que la impunidad de un dueño del pueblo que envenena con agroquímicos el agua y su gente a la larga provocaría un clima de desidia y vandalismo general. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Tal vez lo que más llama la atención sea el hecho de que la película se valga de cierta estructura de <i>whodunit </i>–ese subgénero policial por el cual se despliegan un crimen, varios sospechosos y la incógnita de cuál de ellos es el culpable–, incluido un <i>speech </i>final en el que el protagonista expone los resultados de su investigación. Pero en la escena inicial pueden verse varios personajes perpetrando el incendio, lo que de algún modo boicotea el misterio propio del <i>whodunit</i>, algo así como un spoiler que echa a perder parte de la gracia intrínseca a esa estructura. Claro que la vuelta de tuerca final complejiza la resolución y amplía el espectro de culpables, pero lo cierto es que se pierde hasta entonces la posibilidad de que el espectador sospeche o especule. Es evidente que la narración se quiso llevar en otras direcciones, poniendo el énfasis en las características del pueblo y su carácter bizarro y opresivo, pero la película podría haber ganado omitiendo –o postergando– esa introducción.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Semanario Brecha el 21/5/2021</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-5256615640516677352021-08-25T09:08:00.001-07:002021-08-25T09:08:14.680-07:00El escuadrón suicida (The Suicide Squad, James Gunn, 2021)<h2 style="text-align: justify;"><b>Exabrupto de hemoglobina </b></h2><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi99lxmj2GfwzuwNfQLTHZfQQx6DRCE2fSutALgQScJsVoElbEX3EUEIiURNZRApok_aYr80lAgS24d8dOpmL2p1JdpE5r2dCBiGwVgCS9FA6gIX77GvC17t7h4bv8AbkZulzJ3lfdEupIR/s2000/escuadron+suicida+2.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1054" data-original-width="2000" height="273" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi99lxmj2GfwzuwNfQLTHZfQQx6DRCE2fSutALgQScJsVoElbEX3EUEIiURNZRApok_aYr80lAgS24d8dOpmL2p1JdpE5r2dCBiGwVgCS9FA6gIX77GvC17t7h4bv8AbkZulzJ3lfdEupIR/w517-h273/escuadron+suicida+2.jpeg" width="517" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Desde hace tiempo que el cine de superhéroes, quizá en una búsqueda de variantes y de ampliación de horizontes, tantea un terreno hiper-violento y algo alejado de lo que generalmente se conoce como “cine familiar”. La incursión del género en el gore más desquiciado no es algo nuevo y se viene desarrollando desde hace años: <b>Kick-ass</b>, <b>Logan</b>, <b>Deadpool </b>o la notable serie <b>The Boys</b> obtuvieron la clasificación R, la cual, al menos en principio, restringe los contenidos a una audiencia adulta. En este contexto, DC, la histórica firma detrás de superhéroes como Batman y Superman y eterna competidora de Marvel, apostó fuertemente en este sentido, dando con esta* una de las películas de superhéroes más desacatadamente sangrientas hasta el momento, con niveles de hemoglobina en pantalla que superan la de cualquier película de explotación gore de los años ‘70. Por supuesto, dentro de en un contexto exagerado y lúdico, sin base alguna de realismo, lo cual lleva a que todo este exabrupto sea ameno y “digerible” por un gran público. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Escuadrón suicida es un grupo de antihéroes sumamente desarrollado y revisitado en los comics de DC, básicamente un rejunte de delincuentes con poderes, utilizado por el gobierno como carne de cañón para misiones especiales o directamente suicidas. En 2016 salió la primera entrega, titulada <b>Escuadrón suicida</b>, protagonizada por Will Smith, con Jared Leto haciendo de un Guasón extrañísimo y Margot Robbie en el papel de Harley Quinn, quizá la psicópata más querida del universo de los comics. La película no estaba mal, pero a DC le ganó la corrección política: justamente la esencia fundamental de los comics era que, en sus misiones, los miembros del escuadrón morían como moscas, a menudo de forma extremadamente violenta. Esto no estuvo presente en aquella película, pero sí en esta nueva entrega, titulada <b>El escuadrón suicida </b>(por si fuera necesaria la aclaración, el artículo “el” es la diferencia entre ambos títulos). </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero la basa más fuerte de DC no es el viraje hacia este mundo sangriento e impiadoso con sus personajes, sino la de contar con uno de los directores más mimados y cotizados de Hollywood, James Gunn, director nada menos que de <b>Guardianes de la galaxia 1</b> y <b>2</b> y de divertimentos como <b>Slither </b>(2006) y <b>Super </b>(2010). Algunos tweets desafortunados publicados por Gunn llevaron a que Disney y su filial Marvel Studios lo despidieran de sus filas, lo cual supuso una enorme oportunidad para DC de hacerse con la gallina de los huevos de oro. A Gunn le fue encargado escribir y dirigir esta película, y lo cierto es que, al hacerlo, logró uno de los puntos más altos de su carrera; se trata de un <i>blockbuster </i>colorido, espectacular y especialmente sorprendente, una entrega explosiva en el que vuelan cabezas y tripas tanto de tirios como de troyanos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1OtB6ko-u40wkf8x47ptkaD5TOxfifE1xNd98gOA2Fdd1vnM4ICnl4jt2JOadW47zzezM9Hc413j1kQf6eVF9mOv2v4FqeT5G16eaytvYWdccDWyDaDk5LthWow9OSu6csLvaM4niSC21/s1920/Escuadr%25C3%25B3n+suicida.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="304" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1OtB6ko-u40wkf8x47ptkaD5TOxfifE1xNd98gOA2Fdd1vnM4ICnl4jt2JOadW47zzezM9Hc413j1kQf6eVF9mOv2v4FqeT5G16eaytvYWdccDWyDaDk5LthWow9OSu6csLvaM4niSC21/w540-h304/Escuadr%25C3%25B3n+suicida.jpg" width="540" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Gunn parecería haber aprendido una lección de vida del cineasta mexicano Robert Rodríguez, con cuyo cine esta película tienen muchísimas concordancias. Así, el hecho de priorizar la creatividad sobre el perfeccionismo, dando rienda suelta a la imaginación sin demasiado miedo al ridículo, es su atributo más valioso. También lo es la “cancha” que el director ya había demostrado tener previamente al desenvolver sus personajes en situaciones mundanas y casi infantiles, o haciéndolos bailar casualmente. Hay, además, múltiples referencias a la cultura popular, todo un muestrario de que Gunn es un cinéfilo nutrido no sólo de cine local sino de influencias foráneas, lo que puede notarse en la aparición en pantalla de un llavero de Mafalda o un maravilloso clip en el que Harley Quinn elimina a una veintena de soldados y de cuyas heridas emergen, en lugar de sangre, coloridas flores; todo un homenaje a la genial película japonesa <b>Why Don’t You Play In Hell?</b> de Sion Sono. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Al parecer, la producción hizo una suerte de borrón y cuenta nueva, eliminando a Will Smith y sustituyéndolo por Idris Elba, “desapareciendo” a otros personajes previos y colocando en primera plana a la mejor intérprete de la entrega anterior: Margott Robbie, una actriz que desborda carisma y talento en cada cuadro. Los personajes son queribles, aunque sin alcanzar el encanto de los guardianes, y cierto es que sus diálogos, de a ratos, no causan la gracia que querrían. Pero las carencias se compensan con creces: difícil dar con un cine tan endiabladamente entretenido.
</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Publicado en Brecha el 20/8/2021</div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-46758484627367235082021-08-05T17:57:00.001-07:002021-08-05T17:57:46.897-07:004 recomendados<h2 style="text-align: left;">Cine en casa</h2><div><div style="text-align: justify;"><i>La pandemia ha cambiado definitivamente las reglas de juego de la industria. Descartada la distribución y difusión en cines, las plataformas de streaming son el nuevo marco de referencia para la producción audiovisual dominante, acentuando aún más el fenómeno de migración de talentos (directores, actores, libretistas, infinidades de técnicos) hacia las series, los especiales para la televisión y las películas estrenadas directamente para este tipo de canales. Se reseñan aquí cuatro ejemplos recientes y sobresalientes de “cine” adaptado a las nuevas realidades. </i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-7gO0E9N_JzI1ioucbcR-DsNJ8KeE2CJ1vJkdLOppH3PJBaQjGSs9l3qgwJsvh2bZjia-ryFOlZqWdEjFII74HtELu0JjAYNvSHwwXnpsArfCvry-1awkXt-6gbB65Cv0jn8Xz6m-FIjW/s1280/Love+Death.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="237" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-7gO0E9N_JzI1ioucbcR-DsNJ8KeE2CJ1vJkdLOppH3PJBaQjGSs9l3qgwJsvh2bZjia-ryFOlZqWdEjFII74HtELu0JjAYNvSHwwXnpsArfCvry-1awkXt-6gbB65Cv0jn8Xz6m-FIjW/w421-h237/Love+Death.jpg" width="421" /></a></div><br />Ni siquiera es claro hasta dónde llegan o cómo pueden irse aggiornando las definiciones de cine, película y serie, hasta dónde se extienden sus dominios y cuáles son los límites y las diferencias entre uno y otro. Sin ir más lejos, en tres de los siguientes recomendados los rótulos son difusos y discutibles; no es hoy una tarea sencilla explicar qué diferencia a una serie de una película en términos audiovisuales o por qué un especial para la TV de una hora y media sin interrupciones no debería ser considerado un largometraje a secas. Como sea que les digamos, estas cuatro producciones transitan de un modo u otro la realidad impuesta por la pandemia, e incluso una de ellas la utiliza directamente como eje central de su argumento. </div><div style="text-align: justify;"><b><br /></b></div><div style="text-align: justify;"><b>Mare of Easttown</b></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCTROVXdnk0gEKvZ2EZ1ZAqfVrYSMEs1-_Mqczr5f5VNjflsQ6vODQkhzy8JLiyvroDWE9-NQWzI64qvuAe_xBePL163H18KM0qcojerbBeQmhTftt2AbRMeC7Rfkk17wkkyQXKcSs6yE4/s1124/Mare.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="616" data-original-width="1124" height="231" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCTROVXdnk0gEKvZ2EZ1ZAqfVrYSMEs1-_Mqczr5f5VNjflsQ6vODQkhzy8JLiyvroDWE9-NQWzI64qvuAe_xBePL163H18KM0qcojerbBeQmhTftt2AbRMeC7Rfkk17wkkyQXKcSs6yE4/w423-h231/Mare.webp" width="423" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Que Kate Winslet, estrella de cine con todas las letras, sea la protagonista de esta serie de la HBO es algo que justamente hubiese sido extraño en un contexto de no pandemia. Y su presencia es impagable: hay que verla en su papel de detective de un pequeño pueblo, con su mirada cansina, su desaliño general y su cabello atado y/o desarreglado, rengueando trabajosamente -se tuerce un tobillo a poco de comenzada la serie- para que se sepa a ciencia cierta que el derrotismo histórico de los antihéroes del <i>noir </i>ha derivado en una de las mejores intérpretes posibles. El planteo no es algo que no se haya visto y, de hecho, retrotrae inmediatamente a esa otra gran serie que fue <b>The Killing</b>: un asesinato tiene lugar en un pueblo pequeño (el Easttown del título, en Pensilvania) en el que todo el mundo se conoce y, a priori, nadie parecería capaz de haber cometido tal crimen. Como en todo <i>whodunit </i>-ese subgénero en el que toca descubrir el culpable entre todos los personajes- un gran abanico de sospechosos es desplegado, y el espectador apuesta por alguno de ellos, como si se tratase de un caballo de carreras. Pero lo más interesante del planteo es la incorporación de conflictos y dramas cotidianos que se ciernen sobre los personajes y, sobre todo, sobre la protagonista, abrumada entre traumas personales, problemas familiares, casos irresueltos, y una opinión pública que presiona para que haya resultados. El desenlace supone un clímax notable, y no son de extrañarse las declaraciones del libretista Brad Ingelsby, en las que señaló haber construido todo el guión pensando en ese final. No sería de extrañar una segunda temporada pronto, la cual ya despierta una merecida expectativa. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Bo Burnham: Inside</b></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhv2OGxqfKmf3PVqqbtuX75wMFPsGsey278G_tWyiaxs35fQVnkl55hP4Sld4vK7zp4yYITdwgJwEZvbHX4l3nf7-zQrRKzOiAFRgNo_tXfKCLcmnP4yIYWMldenJ4A1OU03DP1O1rN1JoE/s1280/Bo+burnham.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="235" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhv2OGxqfKmf3PVqqbtuX75wMFPsGsey278G_tWyiaxs35fQVnkl55hP4Sld4vK7zp4yYITdwgJwEZvbHX4l3nf7-zQrRKzOiAFRgNo_tXfKCLcmnP4yIYWMldenJ4A1OU03DP1O1rN1JoE/w418-h235/Bo+burnham.jpg" width="418" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El estadounidense Bo Burnham es un hombre orquesta, uno de esos bichos raros que parecen convertir en oro todo aquello que tocan. Con sólo 30 años, se lo suele conocer por sus shows musicales humorísticos, en los que toca e interpreta sus propios temas, al tiempo que se despacha en afiladas burlas a todo lo que lo rodea, incluyéndose a sí mismo. Pero también se desempeña notablemente como actor -recientemente interpretó uno de los papeles más memorables de Promising Young Woman- y hasta escribió y dirigió una película brillante, el <i>coming of age</i> <b>Eight Grade</b> (2018). <b>Bo Burnham: Inside</b> es un show humorístico especial para Netflix en el que el artista, en plena pandemia, se las ingenia para crear, sin salir de su apartamento, una “película” de una hora y media en la que dispone sketches hilarantes y una serie de canciones brillantes, con un admirable sentido crítico. Desde el primer minuto en que se propone “curar al mundo con humor” valiéndose de sus “privilegios de hombre blanco” la nota sarcástica inunda todo el show. Sea emulando una llamada telefónica a su madre, expidiendo su visión sobre las redes sociales, sobre el “sexting” y el “Instagram de una mujer blanca” la inventiva del creador y su humor negro no parece conocer -ni respetar- límites. Pero además de crear e interpretar sus canciones y de participar como único actor, oficia como iluminador, decorador, fotógrafo, sonidista y montajista; es decir, como creador total en un proceso de filmación en el que, de a ratos, logra atmósferas impensables por ser generadas al interior de un espacio único. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En algún momento puede resultar machacante cierta repetitiva autorreferencialidad, pero es justamente en ese momento que el especial comienza a volverse más introspectivo y visceral, y por eso mismo universal, dejando de lado su veta humorística y volcándose a una sentida catarsis, con referencias solapadas -pero continuas- al suicidio. Burnham expide un grito prolongado que a su vez es el de muchísimas personas, quienes padecen, como él, un encierro aplastante. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Small Axe</b></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgP1sEdaCoqSiGT8FqZkUs3S5502QdbWTYofisZXAcbBTrthInw-abDGIG-EFHGMqLrzrrMg0v2YcbtDeMmo9dDwLqtZK8Ui5tELkXilIdvHdgJSgvtWR97xqSFTDdb3AMLH26UgoTZqPiU/s1200/Small+Axe.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="798" data-original-width="1200" height="280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgP1sEdaCoqSiGT8FqZkUs3S5502QdbWTYofisZXAcbBTrthInw-abDGIG-EFHGMqLrzrrMg0v2YcbtDeMmo9dDwLqtZK8Ui5tELkXilIdvHdgJSgvtWR97xqSFTDdb3AMLH26UgoTZqPiU/w421-h280/Small+Axe.jpg" width="421" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Quien siga las premiaciones de los óscars habrá notado que las comunidades negras han ganado buenos espacios en el mundo cinematográfico dominante. Figuras como Spike Lee, Ava DuVernay, Barry Jenkins, Ryan Coogler y Jordan Peele son varios de los directores más renombrados, pero ninguno de ellos ha demostrado tener el talento y la solidez narrativa del británico Steve McQueen (12 años de esclavitud, Shame) quien ha logrado con su nueva pentalogía para la BBC uno de los sucesos cinematográficos del año. Originalmente se pensó en una miniserie convencional de cinco capítulos, pero a medida que fue rodando, McQueen comprendió que tenía suficiente material como para convertir a cada uno de esos capítulos en largometrajes. Así que, a falta de un estreno nuevo, Steve McQueen lanzó cinco películas directo para la televisión, en el que parecería ser el punto más alto de su carrera. Cada una de ellas se centra en personajes y temáticas diferentes, pero en su acumulación de anécdotas, atmósferas, y situaciones disímiles, la serie supone una brillante recreación de la vida en la diáspora de Londres, desde los años sesenta a los ochenta. </div><div style="text-align: justify;"><i><br /></i></div><div style="text-align: justify;"><i>“Si tú eres un gran árbol, nosotros somos la pequeña hacha” </i>decía Bob Marley en su canción “Small Axe” de la cual esta serie toma su nombre. McQueen logra condensar y recrear acertadamente la vida en este contexto histórico, y lo hace con un notable énfasis en lo cultural, en las canciones, los festejos, la comida, la educación, en una lengua inglesa condimentada con dialectos múltiples (los inmigrantes negros provenían mayoritariamente de distintas islas del Caribe), la afirmación identitaria de un colectivo en perpetuo choque contra un racismo enquistado y estructural. Las políticas de segregación, más o menos disimuladas a nivel institucional, son expuestas con altura y madurez, sin que se las subraye con proclamas simplistas ni se apele a la obviedad panfletaria. De todos los capítulos, seguramente el mejor sea el segundo, <b>Lovers Rock</b>, centrado en una noche al interior de una fiesta under, en lo que sería un temprano predecesor de las <i>raves </i>en los sótanos. Una celebración hogareña en la que se vive un envolvente clima festivo al ritmo del reggae, del soul y justamente, del Lovers Rock -una combinación de ambos, con letras románticas- y en el que, además de una alegría y una sensualidad contagiosa, se respira asimismo una subrepticia y constante tensión. De hecho, una sirena utilizada por el discjockey -o como se llamara entonces- como transición entre canciones, hace pensar continuamente en una muy posible redada policial. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Love, Death & Robots</b></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIeW3ox4Lj_7-MmDcz24qIzoZMLetInY4EzXWA4-STZRIGDxHgFPVdIeLbhsZTiRSFq1al7vHkHDx2ErA6dkO9mLDotV7Ey5DZrVfQTOyU41ibuf7vsTzTxVYFOpHlhD71B1LJufzH2L9x/s1140/DLR.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1140" height="270" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIeW3ox4Lj_7-MmDcz24qIzoZMLetInY4EzXWA4-STZRIGDxHgFPVdIeLbhsZTiRSFq1al7vHkHDx2ErA6dkO9mLDotV7Ey5DZrVfQTOyU41ibuf7vsTzTxVYFOpHlhD71B1LJufzH2L9x/w441-h270/DLR.jpg" width="441" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La primera temporada, lanzada en 2019, fue un suceso. Se trata de una antología animada original de Netflix, clasificada para mayores de 18 años por sus contenidos violentos y sexuales, y en la cual cada uno de los cortos posee alguno de los ingredientes nombrados en el título: amor, muerte o robots. En rigor, alguno de ellos no parecería cumplir con la premisa a rajatabla, pero puede decirse que ninguno se aparta de la fantasía y sus géneros más populares: el terror y la ciencia ficción. Como sea, al igual que el compilado <b>The Animatrix</b> (seguramente un precursor) cada uno de los cortos fue concebido por un estudio de animación diferente, y se trata de una entretenida forma de conocer las más innovadoras técnicas de animación y sus aportes a la narrativa audiovisual. En esta segunda temporada, los productores Joshua Donen, David Fincher, Jennifer Miller, y Tim Miller, echando mano sabiamente al dicho “menos es más”, comprimieron la temporada en ocho episodios (contra los 18 que hubo en la primera), logrando un mejor nivel y una mayor calidad promedio. Y las propuestas son completamente variadas: <b>Automated Customer Service</b> es un delirio futurista sumamente divertido, <b>Pop Squad</b>, una proyección social grave y dramática, <b>The Tall Grass </b>terror oscuro y clásico, <b>The Drowned Giant</b>, un planteo detenido, filosófico y trascendental. Quizá el mejor de los cortos sea <b>All Through the House</b>, una esmerada animación en <i>stop-motion </i>en el que un par de niños deciden, en la noche de navidad, quedarse despiertos hasta la llegada de Papá Noel, confrontándose a una pesadilla inimaginable.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Semanario Brecha el 23/7/2021</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-61638285255496357012021-07-31T09:31:00.002-07:002021-07-31T10:51:27.743-07:00Black Widow (Cate Shortland, 2021)<h2 style="text-align: left;">Empoderamiento trucho </h2><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFXJOHLb-lHL4vu3O1QsP5UMY4CmtkKUs5GCcMeUxurAClCNJ6glhczmV9QV44ZqwWIG5WN5uvr0CIGrHh12F9klfrHtMQ-TMUzeTF8BmAwk0sbBqSyV-3wnGpiVO3DoLqVvdo3YGDgl64/s976/black+widow.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="549" data-original-width="976" height="264" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFXJOHLb-lHL4vu3O1QsP5UMY4CmtkKUs5GCcMeUxurAClCNJ6glhczmV9QV44ZqwWIG5WN5uvr0CIGrHh12F9klfrHtMQ-TMUzeTF8BmAwk0sbBqSyV-3wnGpiVO3DoLqVvdo3YGDgl64/w470-h264/black+widow.jpg" width="470" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">La vida útil de las actrices en Hollywood es sumamente reducida, al punto de que una estrella como Scarlett Johansson, quien aún no ha llegado a los cuarenta años, ya está siendo “jubilada” de las filas del <i>mainstream</i>. Black Widow, su personaje del universo Marvel, había muerto en una escena crucial de <b>Endgame</b>, la última entrega de <b>Los vengadores</b>, y es muy probable que esta película suponga la última aparición de su personaje en la saga. Lo cierto es que el personaje de Iron Man murió cuando su intérprete, Robert Downey Jr. cumplió 56 años, una señal clara, entre otras miles, de que la vida útil de los hombres suele ser muchísimo mayor. Por poner otro ejemplo, Liam Neeson sigue hoy protagonizando películas de acción con 69 años, algo absolutamente impensable para una contrapartida femenina. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En esta película la acción se sitúa un tiempo antes de la muerte de la superheroína, por lo que, una vez más, pueden explotarse sus últimos alientos. Este recurso, que supone rellenar espacios en la línea de tiempo del relato macro, fue utilizado de forma similar por la franquicia para la reciente serie <b>Loki</b>, estrenada en Disney+. Es decir, se burla la linealidad, se encuentra el hueco y se implanta allí una historia; una forma de exprimirle el jugo a los personajes más populares, y a un universo de historias preexistentes en los comics desde hace décadas. Esta película funciona como una “bisagra” de despedida y renovación. Black Widow es sacada a relucir y ostentada, pero no se despide sin antes introducir un recambio, su hermana menor, obvia aspirante a vengadora (o a villana) y quien continuará aportándole sangre fresca a una saga que ya se vislumbra como interminable. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Está claro que, si Marvel Films sabe hacer algo y muy bien, es elegir intérpretes, y sería imposible desmarcar el éxito de la franquicia de los Vengadores del atractivo de sus personajes principales. Como Black Widow es uno de los personajes más serios y anodinos de la saga, era necesario recurrir a un contrapeso chistoso, un <i>comic relief </i>fuerte. Y aquí no solamente introdujeron a uno, sino a dos: la genial Florence Pugh -quien habíamos visto brillar en <b>Midsummer</b>-, aporta sobradas dosis de desenvoltura, carisma y aptitudes para la comedia interpretando a Yelena Belova, la próxima superheroína. El otro es David Harbour -conocido por su papel en la serie <b>Stranger Things</b>- quien interpreta de taquito a un superhéroe ruso obsoleto, dando también en el clavo de la comedia con mucha naturalidad y gracia. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La película sigue un recorrido ya demasiado visto y predecible. Una trama internacional con persecuciones y acción a lo Bond, Bourne y Misión Imposible, un villano ruso desagradable, que condensa y encarna todos los vicios manipuladores y autoritarios del enemigo comunista. El planteo sería perfectamente olvidable si no fuese por Pugh y Harbour en ese orden, pero quizá lo que quede repicando y haciendo más ruido sea cierto pretendido discurso de “empoderamiento femenino” que supone una inmensa contradicción con la forma de representación de mujeres-objeto. Parafraseando a Lucrecia Martel, el cine <i>mainstream </i>es “la dictadura de la cintura de avispa”, y habría que contabilizar la cantidad de veces que se le filma el culo a la Johansson -hasta se nombra explícitamente esa parte de su cuerpo, en un diálogo casual- lo cual se suma a la aparición de un contingente de “Viudas negras” -algo así como amazonas implacables, entrenadas por la Rusia soviética- que pretende ser un rejunte de chicas “normales” de todas partes del mundo y, sin embargo, parecieran haber sido elegidas en un casting de modelos, según los más exigentes paradigmas dominantes. ¿El feminismo? Bien, gracias.
</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 23/7/2021</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-53909246535482602082021-05-28T09:19:00.003-07:002021-05-28T09:20:35.582-07:00XVIII Edición de Fantaspoa<h2 style="text-align: left;"><b>Cine de supervivencia </b></h2><div><b><br /></b></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk-_uzlCgRn71hPOFfXtHxvUWW-xDgAVD3PoH8OpvAmeDyPa2MrlEwpgbIjYFC2R9X12B3xOzL9LPZkPTGUcPCaUoddvWSE2ve0Gne3pEanMhpDUF3JqEm1U0PV9QKdphZI2pLeVpuZXgI/s828/Imagen.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="315" data-original-width="828" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk-_uzlCgRn71hPOFfXtHxvUWW-xDgAVD3PoH8OpvAmeDyPa2MrlEwpgbIjYFC2R9X12B3xOzL9LPZkPTGUcPCaUoddvWSE2ve0Gne3pEanMhpDUF3JqEm1U0PV9QKdphZI2pLeVpuZXgI/w441-h168/Imagen.png" width="441" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div>Por segundo año consecutivo, uno de los festivales de cine fantástico más importantes de Latinoamérica volvió a desistir de sus fiestas de disfraces características, de sus performances en la calle, de invitados internacionales (en anteriores ocasiones había contado con personalidades de la talla de Roger Corman, Bill Plympton, Nacho Vigalondo, Richard Stanley y Stuart Gordon) de talleres y de funciones abarrotadas en el centro de Porto Alegre. Por segunda vez debió conformarse con celebrar una acotada edición <i>online</i>, con contenidos gratuitos sólo accesibles dentro del territorio brasileño, pero con conversaciones y charlas sobre cine que pudieron verse desde otros países via <i>streaming</i>, a través de las redes sociales. Así, asistimos a una notable exposición sobre terror feminista por parte de la cineasta brasileña Cíntia Domit Bittar y a debates junto a los realizadores de varias de las películas estrenadas. Pero lo más importante fue el cine: saltando más preámbulos pasamos a enumerar varios de los mejores títulos en exhibición. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Beyond The Infinite -Two Minutes</b>, de Junta Yamaguchi (Japón, 2020). </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuUV-4hHJrUG36h0hJNs6Q6ro5tF0WWd7LeN_qOdyejjkxiLjjcxDWcTIaDghoGBi3TBkLUpR9XPG1crtXMFEZTPsqOT3srapdcN53FgsalzwVwK8IgAJABBw5epsWKlTmkHbUtbr4dAvl/s1600/Beyond.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="262" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuUV-4hHJrUG36h0hJNs6Q6ro5tF0WWd7LeN_qOdyejjkxiLjjcxDWcTIaDghoGBi3TBkLUpR9XPG1crtXMFEZTPsqOT3srapdcN53FgsalzwVwK8IgAJABBw5epsWKlTmkHbUtbr4dAvl/w465-h262/Beyond.jpeg" width="465" /></a></div><br /><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Una de las más agradables sorpresas fue este increíble ejercicio lúdico, filmado en plena pandemia, en pocas locaciones y con un presupuesto escaso, pero logrado principalmente como un largo plano secuencia, armado y orquestado con una precisión portentosa. La anécdota es simple: el dueño de un café descubre en su departamento un dispositivo que le permite conversar consigo mismo cinco minutos en el futuro, lo cual dispara una serie de consecuencias inesperadas. Y cuando sus conocidos cercanos comienzan a atestiguar y formar parte del salto temporal, el bucle comienza a acrecentarse y con él los riesgos de una paradoja que lleve al universo al apocalipsis. Una película sumamente divertida, y un gran ejemplo de cómo las buenas ideas y una dirección eficaz pueden compensar las pocas locaciones y las carencias económicas. </div><div style="text-align: justify;">La película recuerda ante todo a la insuperable <b>One-Cut of The Dead</b>, de Shin'ichirô Ueda, pero se queda un poco corta en la comparación, ya que los personajes carecen del encanto desbordante de los de aquella otra. También hay alguna mínima fisura en el guión que afecta la verosimilitud -sobre todo en la sencillez con la que el protagonista se deshace de dos yakuzas armados- pero, como entretenimiento, la película funciona a la perfección. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><b>A Colourful Dream</b> de Jan Balej (República Checa, 2020). </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZH4Pci49RBfIf_jVCBeN_uIu-qzX2C_Vm2FNZfktsN7xLeiG7qjskBeh8zTs55xMzvTg5yRoWfnguY9UIZ8-5ZB1nsHrcONs63iT4zD6HFVWvIPVM9VJUJ2SACdFDmVB8LUL2FZ5p7KVA/s800/A+colourful.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="800" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZH4Pci49RBfIf_jVCBeN_uIu-qzX2C_Vm2FNZfktsN7xLeiG7qjskBeh8zTs55xMzvTg5yRoWfnguY9UIZ8-5ZB1nsHrcONs63iT4zD6HFVWvIPVM9VJUJ2SACdFDmVB8LUL2FZ5p7KVA/w436-h245/A+colourful.jpg" width="436" /></a></div><br /><div style="text-align: left;"><span style="text-align: justify;">Un auténtico hallazgo por parte de los programadores: se trata de una laboriosa animación en </span><i style="text-align: justify;">stop-motion</i><span style="text-align: justify;"> ambientada en una isla-ciudad distópica, un estado policial totalitario perfectamente aislado y particularmente hostil con los extranjeros. Una </span><i style="text-align: justify;">troupe </i><span style="text-align: justify;">de artistas circenses llega a la isla pretendiendo desplegar sus espectáculos callejeros, sin caer en cuenta de la trampa que supone lidiar con los militares y con un gobernador despótico. Lo más directamente entrañable de la película es la estética y los detalles: una ciudad totalmente adoquinada y de callejuelas estrechas -ciertamente parecida al centro de Praga- con un mirador-panóptico que vigila desde lo alto; los vehículos, las vestimentas, los animales y personajes refuerzan la idea de mundo en miniatura y, asimismo, de posible metáfora del fascismo creciente en muchos países de la Unión Europea.
El humor es sumamente efectivo y en la mayoría de los casos, particularmente sutil. Desde un burócrata que se llama por teléfono a sí mismo para consultar sobre una decisión operativa, un “parlamento” conformado por muchos monitores en los que sale el mismo mandatario y el arresto inmediato a cualquier ciudadano que verbaliza fuera de contexto alguna de las palabras prohibidas, el tono es particularmente acertado e inteligente. Una película familiar tan disfrutable para niños como para sus progenitores. </span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>O cemitério das almas perdidas</b> de Rodrigo Aragão (Brasil, 2018). </div><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkikGO0sPegbWtuOZ7p0CUy2JMLO4ngqFSi1gkxG6fm8eF4Xc0iYdPUD7YV33GRYZYTOWwgui6HrNQTnCnthmkph-HgvGi4UyaxfsMWl3OyEZTZshb7mG8IDHILB8DjZ5dVj3qZcUdaDLC/s1600/Cemiterio.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="274" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkikGO0sPegbWtuOZ7p0CUy2JMLO4ngqFSi1gkxG6fm8eF4Xc0iYdPUD7YV33GRYZYTOWwgui6HrNQTnCnthmkph-HgvGi4UyaxfsMWl3OyEZTZshb7mG8IDHILB8DjZ5dVj3qZcUdaDLC/w488-h274/Cemiterio.jpeg" width="488" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;">Rodrigo Aragão (<b>A mata negra</b>, <b>A noite do chupacabras</b>) es ya una figura de culto y un maestro del cine gore brasileño, un autor cuyas películas desbordan creatividad y que emulan, con desparpajo y una envidiable falta de medio al ridículo, un género normalmente creado con presupuestos diez veces mayores. Y lo más notable es que lo viene haciendo sin renunciar a elementos propios de la cultura brasileña: aquí la anécdota se centra en un jesuita y sus seguidores, quienes inician un reinado de terror en un Brasil colonial. Lo cierto es que Aragão ha consolidado un estilo propio basado en los excesos sangrientos, en la suciedad y la podredumbre. Y lo hace extremadamente bien, con auténticos logros en los departamentos de maquillaje y diseño, plasmando una estética en la que se conjugan Tim Burton con el primer Peter Jackson, siempre con mucho espíritu lúdico y de matinée de domingo. </div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo único que molesta un poco es el lugar que le da a la mujer; o es una damisela secuestrada y en apuros (joven y bien formada) o una anciana traicionera que vende a los suyos con tal de ser joven y bella. En este aspecto, Aragão se quedó en los ochentas. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Bloodshot Heart</b> de Parish Malfitano (Australia, 2020). </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0KwlMOyM9M2QpDkorNpU3_pfk697N67SOEliJh0uUkCcmipwObgqr0VV9_NJq6hc_9ng6p4zfMtihogc-wCQHs4D6DDveYMwDB2zYzVXuYl8L5knPX8jKqRhMvsbBOY_f0DlN9DWxquWH/s1600/Bloodshot.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1061" data-original-width="1600" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0KwlMOyM9M2QpDkorNpU3_pfk697N67SOEliJh0uUkCcmipwObgqr0VV9_NJq6hc_9ng6p4zfMtihogc-wCQHs4D6DDveYMwDB2zYzVXuYl8L5knPX8jKqRhMvsbBOY_f0DlN9DWxquWH/w482-h319/Bloodshot.jpeg" width="482" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">La atmósfera de esta película es absolutamente elegante y envolvente. Se trata de una suerte de caleidoscopio multicolor, con una lograda banda sonora que instala una atmósfera opresiva y enfermiza que recuerda, por momentos, a los ambientes giallo de los años 70 y 80. Hans y su madre, inmigrantes italianos en Australia, conviven en una relación tóxica, interrumpida por la llegada al hogar de Matilda, nueva inquilina de una de sus habitaciones. La aparición propicia, simultáneamente, un enamoramiento psicopático por parte de él, y celos desmesurados de su madre. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El ambiente malsano y la locura general van acentuándose hasta un punto de no retorno en el que estalla una cruda violencia, pero lo más interesante es el juego visual que se genera gracias a una puesta en escena formidable, una gran dirección de arte y el diálogo del presente con un pasado traumático, presentado como registros caseros en 8 milímetros. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>The Great Leap </b>de Karim Lakzadeh (Irán, 2021) </div><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE5I4DMsTZhpg4VHnbmh2kWWrSJqDJeIOrSxkDRzlf5RsPwswmUq05-bVL5paXIVWTihqj9bLgFJVdi_J1Xl8llc_FS4tY_im2BdwfOq7v6Qhj4-u3p7dLhdpAczk0QmyxF6TQ-LeQD0Kq/s1600/The+Great+Leap.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="1600" height="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE5I4DMsTZhpg4VHnbmh2kWWrSJqDJeIOrSxkDRzlf5RsPwswmUq05-bVL5paXIVWTihqj9bLgFJVdi_J1Xl8llc_FS4tY_im2BdwfOq7v6Qhj4-u3p7dLhdpAczk0QmyxF6TQ-LeQD0Kq/w388-h259/The+Great+Leap.jpeg" width="388" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;">El planteo es sumamente original: una mujer descubre que su bebé, a quien creía muerto hace diez años por una malformación congénita, sobrevivió y hoy es un niño que la necesita. Al enterarse de que fue secuestrado por el dueño de un circo, se embarca en una travesía junto a un grupo de marginales, inmejorable compañía en esta suerte de <i>road-movie</i> que se adentra crecientemente en terrenos alegóricos y fantásticos, los que acaban dándole al planteo una inesperada dimensión existencial. </div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La filmación <i>amateur </i>se hace sentir constantemente, en los encuadres y en los movimientos de cámara. Se trata de un defecto sin dudas, pero es asimismo curioso como este problema logra compensarse sobradamente con algunos otros méritos, principalmente las interpretaciones de un elenco convincente, que aporta a los personajes y a la trama una energía inusitada. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Historia de lo oculto</b> de Cristian Ponce (Argentina, 2020) </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN80YsDOVU4rDqzVguFVB67wwkKmSlpMt8dgBpVlNZ37PNb3ebvrlkrlmDDIAKyW2XAVw5-A-G1F9S4VBcQUh-vLOAIXtkvz8qRYE42QT36c2kitTqSaJlD1RZuVxU7InT4yW50plCDrNW/s1434/Historia+de+lo+oculto.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1434" height="307" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN80YsDOVU4rDqzVguFVB67wwkKmSlpMt8dgBpVlNZ37PNb3ebvrlkrlmDDIAKyW2XAVw5-A-G1F9S4VBcQUh-vLOAIXtkvz8qRYE42QT36c2kitTqSaJlD1RZuVxU7InT4yW50plCDrNW/w408-h307/Historia+de+lo+oculto.jpeg" width="408" /></a></div><br /><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Es sumamente llamativo este extraño <i>thriller </i>político, filmado en nítido blanco y negro, ambientado en el año 1987 pero con deliberados elementos anacrónicos y hasta distópicos (en un aviso publicitario, se habla de Islas Malvinas como destino turístico idílico). Una transmisión televisiva llamada “60 minutos antes de medianoche” es la última oportunidad para que un grupo de periodistas intente desenmascarar una intrincada conspiración político-empresarial. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Hay algunos problemas, sobre todo en lo narrativo: el comienzo es demasiado abrupto y el espectador se pierde tratando de asimilar todos los elementos en juego, los personajes, los intereses de los implicados. Por fuera de esto, también hay deficiencias técnicas y actuaciones muy desiguales, pero vale decir que la propuesta es especialmente original en su mezcla de géneros. La investigación política se articula con el universo paranormal y progresivamente van agregándose diferentes capas de significación; los investigados se vinculan con una secta oscura, con la desaparición de personas y el secuestro de niños: es notable como las referencias históricas al pasado reciente argentino van incorporándose sutilmente, hasta volverse infranqueables. Así, se consolida un debut que llama a la reflexión, y que asimismo compensa con mucha inteligencia varias de sus principales carencias. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Dancing Mary </b>de SABU (Japón, 2019) </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEha7Idw3Xl2fyntdPn9v_yYh7NjaYnAeHUYdt5CEp9nrIVbq5S5P6v3FFUVsNlcHkr6QEZyi0SlBu0OCfVPM19n0GIVFbWABrrgcv5ePFLD-BVCYQ-nzvYQ_llsdA8GUJnRLll6ZAPDzPZz/s1568/Dancing+Mary.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1044" data-original-width="1568" height="353" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEha7Idw3Xl2fyntdPn9v_yYh7NjaYnAeHUYdt5CEp9nrIVbq5S5P6v3FFUVsNlcHkr6QEZyi0SlBu0OCfVPM19n0GIVFbWABrrgcv5ePFLD-BVCYQ-nzvYQ_llsdA8GUJnRLll6ZAPDzPZz/w530-h353/Dancing+Mary.jpeg" width="530" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">En un comienzo parece presentarse como una nueva entrega de <i>j-horror</i>, ese subgénero de terror japonés tan de moda en los 2000, en los que almas en pena hostigaban a los protagonistas. Aquí tenemos una bailarina fantasma habitando un teatro abandonado, que horroriza a todo aquel que se acerca, e imposibilita la demolición del edificio. El protagonista, un funcionario del ayuntamiento, debe buscar la forma de desalojar al fantasma para que pueda construirse un shopping en la zona. Pero la película se aparta rápidamente del terror y el suspenso y se convierte en una suerte de policial en la que el muchacho, acompañado de una adolescente con poderes sobrenaturales, comienza una investigación con el objetivo de acabar con esta maldición. Lo interesante es que todo este típico recorrido detectivesco, las entrevistas y los interrogatorios no son hechos a seres humanos sino a fantasmas, y que el tono de la propuesta se convierte rápidamente en el de una comedia de aventuras, con buen humor y una anécdota entrañable. Sin levantar mayor vuelo, se trata de una película entretenida y querible, de esas que dejan un final semi-abierto y despiertan las expectativas por una segunda parte.</div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4404867971799371505.post-6085261294952033352021-04-15T11:04:00.002-07:002021-04-15T11:04:40.845-07:00El agente topo (Maite Alberdi, 2020)<h1 style="text-align: justify;">Voces silenciadas </h1><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh23MO2oJ_waYJ4V-UQ8GaBSvUGC1C_upjcmhRBwGTAxcpiWmKVQSBZil7umbNx7ntWJXUk7n34KqLXBoVyGBd71CBCiLOmSDONNuI64GBvT7OTYRdKNbutg4eh2nkFYDE3kJ7l6yYotCb2/s800/Topo1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="800" height="273" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh23MO2oJ_waYJ4V-UQ8GaBSvUGC1C_upjcmhRBwGTAxcpiWmKVQSBZil7umbNx7ntWJXUk7n34KqLXBoVyGBd71CBCiLOmSDONNuI64GBvT7OTYRdKNbutg4eh2nkFYDE3kJ7l6yYotCb2/w485-h273/Topo1.jpg" width="485" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Desde su sorprendente debut <b>El salvavidas</b> (2011), la documentalista chilena Maite Alberdi se reveló como una de las cineastas más originales y talentosas de nuestros tiempos. Su valía y su reconocimiento crítico fue acrecentándose, y tanto <b>La once</b> (2014), el cortometraje <b>Yo no soy de aquí </b>(2016) y <b>Los niños</b> (2016) confirmaban, con historias y personajes inolvidables, el componente profundamente humanista de sus propuestas, así como su acierto al retratar situaciones y problemáticas tabú para el mundo occidental, principalmente el síndrome de down y la vejez. Sobre esta última, su temática más abordada, se extiende asimismo en este último largometraje, <b>El agente topo </b>(2020), nominado a mejor documental para los premios Oscar 2021. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo primero que llama la atención de sus películas es la impresión de parecer ficciones, como si los personajes conversaran siguiendo un libreto predeterminado. En conferencias y talleres, Alberdi reveló en varias ocasiones los secretos para generar esta ilusión, tomados del maestro Nicolas Philibert: “programar el azar” es un abordaje basado en la idea de que la realidad es cíclica, y que determinadas situaciones inusuales pueden captarse si se estudian los patrones y las causas que generan esos sucesos; el documentalista puede adelantarse para que esas circunstancias increíbles acontezcan ante las cámaras. Siguiendo este lineamiento, Alberdi construye aquí una gran estrategia, generada para captar momentos sobresalientes. Y el resultado es grandioso. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un aviso clasificado publicado por una agencia de detectives llama específicamente a adultos mayores a 80 años para determinada labor. Lo que se ve a continuación es un insólito compilado de las “entrevistas de trabajo” subsiguientes -que al mismo tiempo son los “castings” del documental-, donde se evalúan diferentes ancianos en su desempeño ante las cámaras y con las nuevas tecnologías. Estos primeros minutos son un notable ejemplo de esa idea de programar el azar: una situación artificial, “generada” propicia momentos grandiosos, a menudo sorprendentes y elocuentes sobre determinadas realidades. Pero a continuación viene el meollo del asunto: el postulante seleccionado debe cumplir una misión como infiltrado en un asilo de ancianos, con el objetivo de recabar información sobre el trato a una anciana específica dentro de la institución. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIYXjGpwGbSf_j1N-l0Yk-BJjbthk-PlLh4u02Jpn-Q-IwUcGfazrhHkGS4EFHyh0fnHG0FC7KSbMS4mRzbB6_hmf86s_9PhY3Gm1-DxlyLeq4eMUxauALh_xFevipEZeW273eV7mMV4nZ/s1120/Topo2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="672" data-original-width="1120" height="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIYXjGpwGbSf_j1N-l0Yk-BJjbthk-PlLh4u02Jpn-Q-IwUcGfazrhHkGS4EFHyh0fnHG0FC7KSbMS4mRzbB6_hmf86s_9PhY3Gm1-DxlyLeq4eMUxauALh_xFevipEZeW273eV7mMV4nZ/w503-h302/Topo2.jpg" width="503" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Por supuesto, la misión del “infiltrado” es solamente un <i>macguffin</i>, una excusa para que la trama avance y comiencen a revelarse dimensiones inesperadas al interior del residencial. Las cámaras y el equipo técnico ya instalados desde meses antes en el edificio, procuran captar el proceso de investigación del protagonista, el cual se presenta como si se tratase de una película de género. Pero lejos de generarse una trama superficial y pasatista, lo que se logra es una aproximación profundamente entrañable y empática, en la que varios de los ancianos del asilo se convierten en verdaderos personajes, dotados de humanidad, densidad emocional y hasta de un arco dramático, una “evolución”; lo que les aporta una singularidad unívoca. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Todo esto redunda en una película profundamente política y necesaria, un vehículo de divulgación masiva que lleva a que el espectador se emocione y sienta determinadas realidades en carne propia, vivencie varias de las auténticas tragedias vinculadas a la vejez y la senectud y, asimismo, descubra en aquella otredad improbable elementos de su propia subjetividad. Se trata, además, de un descorrimiento de tabués, un foco hacia dentro de lo que Foucault llamaba una “institución disciplinaria”, por el cual se rescata la experiencia humana, el relato silenciado y determinados discursos escondidos. Cabe recordar que los asilos, según esta concepción, están directamente relacionados con los manicomios, en la medida en que el desvarío, la demencia, son rasgos humanos que se vuelve imperativo controlar, combatir y acallar. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">No han faltado ni faltarán los detractores incómodos con algunos de los aspectos presentados, quienes señalan faltas éticas por parte de la documentalista -ya ocurrió anteriormente, luego del estreno de cada una de sus anteriores películas-. Al respecto, como la misma Alberdi señalaba en una <a href="http://denmeceluloide.blogspot.com/2017/08/entrevista-maite-alberdi.html">entrevista </a>hace algunos años, “la maldad está en el ojo que mira”, y hay que ver hasta qué punto no hay, volcadas en esas críticas, meras proyecciones, basadas en especulaciones de lo que serían intenciones, supuestamente insidiosas, atribuidas a los realizadores.
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en Brecha el 9/4/2021</span></div><div class="blogger-post-footer">http://www.denmeceluloide.blogspot.com</div>Diego Faraonehttp://www.blogger.com/profile/16192356486190842014noreply@blogger.com0